【导语】“库库库洛喵”通过精心收集，向本站投稿了12篇浅议油画技法的表象论文，下面是小编为大家整理后的浅议油画技法的表象论文，仅供参考，欢迎大家阅读，一起分享。
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篇1：浅议油画技法的表象论文
浅议油画技法的表象论文
摘要：油画艺术不但有着写实入微的优秀传统，还同样有着与中国画艺术的“笔墨”概念相同的审美意趣，通过素描、色彩、调子、肌理等造型手段，形成了独特的油画语言。油画作品的色彩丰富，技法多样，对表现作品主体，烘托气氛，表达意境，给人以良好的视觉感受。长期的艺术实践，使油画艺术的表现力日趋完善，更具魅力，油画语言更加成熟。
关键词：油画；视觉；语言
通常人们对自己周围客观存在的事物习以为常，往往不太容易引起语言上的注意，而艺术作品中丰富微妙的光影变幻、生动真实的光影效果却可立即引起人们的注目，甚至情绪上的波动，从而唤起人们对语言的某种思考与探索。事实证明，语言是油画的主要艺术之一，大至油画创作的全过程，小到极其细微小节的处理，都受着语言的影响，冲击着人们的视觉。
由于具有很强的表现力，油画在视觉上给人较强的真实感，主要表现于所描绘的物象的质感、体积感、空间感、光感等方面，有着其它画种所不能及的独特能力。油画作品在表现灿烂的阳光、通红的炉火、闪光的水面以及各种厚重或突出的物体，表现人体与人身上不同肌理、不同质料、不同性质的服装饰物的时候，都具有优于其它画种的能力。油画艺术的色彩与绘画性作为油画艺术语言的独特魅力，便是要将这种优越的能力充分发挥出来，特别是色彩在发挥这种能力上有着重要的作用，像色彩的浓淡、冷暖、厚薄、用笔的轻重，刚柔、虚实，对于表现物象的质感具有关键的意义，通过质感的表现，从而展示了油画艺术语言独特的美。
油画在西方国家经过了数百年的发展，画家在发展油画色彩的表现力上取得了巨大的`成就。像世界油画大师鲁本斯、委拉斯贵支、伦勃朗等画家都强调色彩的表现意义；与古典派不同，法国印象派研究外光，到室外画天光下的真实、自然的色彩，他们探索不同物象的不同时间、不同光线照射下产生不同的色彩变化，为油画艺术的色彩表现开拓出崭新的境界。油画家莫奈有时甚至采用未经调和的纯净颜料，以提高色彩的鲜明度，使画面的调子更加明亮。在那些见不出光线照射的绘画风格中，黑暗与光明的象征作用和表现作用，是通过物体自身的种种内在特征体现出来的。丢勒的雕刻画《患优郁症的人》是说明上述情况的一个富有指导性的例子。在使用传统手法描绘一个患优郁症的人时其脸色大都被涂成灰黑色，这种处理方法好就好在，既合乎情理地赋予被表现物体一定的亮度，又不会损害这一物体的客观形象既可以把一件白色的物体画成黑色的，又可以暗示出这个物体本身并不是黑色的。
丰富的油画语言是发展油画表现力的重要手段。欧洲的油画家在文艺复兴时期后大都采用透明覆色画法和不透明覆色法。所谓的透明覆色画法，即只是用调色油将颜料稀释，不使用白色颜料，然后进行多层次的描绘，每一层干透后再画下一层。由于每一层的颜色都比较稀薄，下层的颜色隐约透露出来与上层的颜色形成变化微妙的色调，如在紫罗兰的色层上涂上桔黄的颜色，就会产生紫中透黄、冷中寓暖的丰富效果，而这种色调在调色上是很难调出来的，描绘人体肌肤的细腻的色彩变化尤为精妙。
在人物画的光影技巧中的表现最具代表性的可追溯到十六、十七世纪，出生在意大利北部的卡拉瓦乔把光与影的因素、明暗变化的效果，作为一种更重要的揭示空间感的表现手段，在绘画中别开生面。他通常把主体人物安置在深暗的背景前，让一束精心设置的光线，闯人物像中间，使他的绘画产生了一种令人兴奋的视觉现象，唤起观者种种真切温暖的体验，他在《召唤圣马太》中采用明暗对比的方法来处理这幕“戏剧”。 “不透明覆色画法”，则是油画家先用单色大致将物象形体的大概面貌画出来，然后用颜色多层次地塑造物象，画面的暗部往往画得比较薄，亮部与中间调子层层厚涂、覆盖。由于颜色的厚薄不一，可以显示出色彩的丰富韵味和肌理效果。当然这两种画法并没有非此即彼的截然分别，在一幅画中也可以综合运用。也有油画家，在暗部使用透明的颜色，亮部则用稠密的颜料，以豪放的笔触覆盖，然后用画笔小心巧妙地处理明暗交界的部位，使透明色与不透明色相接，这需要画家有深厚的功底。荷兰画家维米尔更喜欢让他的人物靠近窗口，让柔和的室外冷光鲜明地照亮他的人物之后，渐次地消溶在色彩温暖的室内空间之中。他并不追求戏剧的效果，而是用光创造出一个结构明确、条理清晰的天地。他把一些鲜艳娇嫩的光亮色编织在这个夭地中，从而给它添加了几分娇媚的风致，创造出一种诗的意境。
语言是油画艺术的灵魂，光影直接参与了绘画的构思构图、形象造型、气氛供托等艺术创作的全部过程，它能制造各种各样的气氛以及变化，从而引导人们进人“情节”，画家根据作品的特点和功能要求进行构思，发挥想象力，创造性地使用光线、色彩、亮度和反差，大胆地在光线造型中突破用光上的概念化和格式化，通过合理的布光构思、设计，创造性地再现气氛，唤起人们对画中所表达的意境的联想。
油画作为美术作品，和彩色照片同是姊妹艺术，同样都是彩色画面，甚至有人认为色彩照片形象逼真、色彩艳丽，可以同油画媲美。但是，如果将彩色照片和油画作品相比较，油画作品的厚重、含蓄，色彩的丰富，以及作为艺术作品存在的艺术想象力，艺术表现力与艺术感染力，都是彩色照片万万不可替代的。这恰恰也正是油画艺术生命力和艺术魅力的所在。艺术技巧本无定律，所有的表现手段都是为表现主题服务的。油画家们长期的艺术实践，使得油画艺术的表现力日趋完善，也日益丰富，油画艺术语言也更加成熟。中国化的表现手段、表现形式和表现题材也更加宽广多样，从而使得油画这一外来艺术形式，正在被我国油画艺术家们不断地创造性地发展和利用，也更多地被人民群众所喜爱，所接受。
综上所述，语言对油画艺术的具大表现力，给观者以强烈的视觉冲击，大量的事实证明，在构成视觉艺术的各因素中，语言具有举足轻重的作用。在油画艺术中，画家根据主题需要，可以用浓黑的阴影去吞噬、覆盖画面线条与多余影像的瑕疵，构成具有某种含蓄韵致的景观也可以用高光消隐掉某些繁枝缚节，获取浮雕、版画式的格调和独特的艺术效果。在艺术作品中，适当而巧妙的艺术语言的处理，可以简洁明快地传达画面形象中细腻幽微的心理意蕴，表现种种情感情绪及其深层心理的空间深度，从而产生出更多的、震憾人心的艺术精品。
参考文献：
[1]袁林，张晓凌。古典风油画[M]。桂林：漓江出版社，1988
[2]江丰。应该也大力提倡油画[J]。文艺研究，1981
[3]周积寅。中国历代画论[M]。南京：江苏美术出版社。
篇2：浅谈油画人物创作的技法与表现论文
浅谈油画人物创作的技法与表现论文
摘要：这是一篇全面分析创作过程的文章，在这里具体分析油画肖像的创作经历，从最初的创作源头思路寻找，以及创作途中遇到的种种问题，包括搜索图书资料，学习大师或者画家的绘画语言，研究画家等社会背景和作品特征，从而在自己创作的同时学习和借鉴的过程。西方绘画在引进的同时，影响着我们的多数前辈，在他们的艺术思想影响下，晚辈的我们不断的学习耳濡目染，潜移默化在我们绘画的每个角落。艺术绘画的过程，也是一个不断模仿不断研究不断创作的过程，正是我们这些追求梦想和研究创作的后辈学习的重要阶段，在这里，分析了我的创作。
关键词：创作过程；绘画技法语言
一、创作的准备
1.生活来源
人物是我们最熟悉不过的了，但最熟悉的往往会视觉中成为视而不见的对象，我们的认识往往容易落入概念的窠臼和表面。对于大部分人来说，他人的存在只要我们感觉到并使自己有安全感就足够了，无需观察他们的形态和特征。就此一点，我却不然。每天与我息息相关的生活最重要的一部分就是我的同班同学，在他们的眼里我普通的像颗野草，但是也是他们当中必不可少的一份子。当然同学们个个形形色色的模样便早已刻入我的脑中。
2.资料获得
为了能表现出人物的个性突出，同时可以把他们作为我们学校学生的形象代表，我选择了我的三位同班同学。自我觉得，同学们当中他们三个人平时的生活习惯和个性张扬特点在同学们当中显现！
3.构思形成
就他们三人平时的生活习惯。外形特征和身体语言，我通过对他们平时的观察，然后每个人进行交谈与采访进一步了解每个人物他们所处的生活背景和个性，由此来延伸作品人物背景的创作。
二、构图的形成
画成为一个三人三幅系列，通过平时对一些画家的作品观察和研究积累，我想为了能够更突出人物本身及其他们的个性特点，采用“抽象化的背景处理为宜图”作为每幅画里人物所处的环境，为了让观者更开阔的`想象。
三、作品的绘制
1.起稿
对着照片，开始素描稿的训练，经过自己的想法全部尝试，最终画出素描效果图和色彩稿。
2.作品的绘制
表现对象是油画创作的内容，是创作中无法回避的研究课题，它可以是具体的也可以是意象的，更可以是抽象的。首先，画的像是其一。第一张画，通过观察在讲求人物准确性高的基础上，通过对外表的形象观察，更重要的是要融入对象当中去，脑子里一遍一遍的反复对人物平时给自己留下的深刻印象，和他们平日里在同学们眼中的样子，摆脱表现对象客观存在对艺术表现的束缚，打破普通知觉的经验和常规，从对客观对象的观察中寻找自己的独特视角，避免流俗和雷同。面对不同对象的创作，体验会不同，反思也大径相庭。
3. 技法表现
油画本体语言潜藏着无数的可能，并通过画家对材料创造性的理解和使用方式产生不同的艺术效果。油画它本身包括了颜料、媒介、基底材质、笔触等多方面的综合元素，如果忽略了任何一方面的研究，都会对语言的表达产生阻碍。因此，对油画语言深入的感知体验也是一个不可或缺的环节。在画飞燕的脸部和衣服的过程当中，不断经过调色顺序、敷色的厚薄，不断使用刮刀避免画的太厚，笔触的肌理效果和运笔的方式的各种尝试，我采用了直接画法，人物的刻画是属于写实风格，背景则放松颜色及笔触，轻松自由的韵律。经过对范勃作品的背景研究，我借助了他的运笔和颜色分布和颜料的薄厚，将自己的感受和对画本身的理解感受，创作了背景，赵飞燕的背景是冷调子。为了使人物体积感和质感更强烈，在素描关系上下大力度，不断调整。刚开始尝试了几种画法，有些不熟练，怎么画都觉得没感觉，不是自己心中想要的，最后不断尝试大概五六遍之后才画出了点效果，觉得还不错，这才定了下来，背景画的比较薄，是为了强调它的空间感和透气感。
在油画创作中我们不仅要考虑画什么，而且要更多的考虑如何表现出个人的风格，考虑所采取能表现自己个性语言和创作体材相符合的技法表现。所以在作品中情感表现也需要相应的创作技法与之相统一。早期油画创作中采用“担泼拉”画法①，即用鸡蛋和蛋清作为调料溶合矿物颜料作画，再做薄而透明油罩在画中。15世纪尼德兰画家凡爱兄弟用亚麻仁油和核桃油等快干油作为调和剂，并使颜色易于调和，被广泛的运用，特点为运笔自如，并可层层敷色，提高色彩明度，能较重充分的表现物体的真实感和丰富的色彩效果。在创作中，技法的运用是一副好作品的必经之路，要不断探索取于大胆尝试，以多元化的技法以求表现画面的主题需要。
4.整理完成
通过反复深入塑造，就以上所有的创作经验，开始另外俩张画，开始总觉得画面当中颜色太单调，整个画面的气氛怎么都调动不起来，总觉得不能感染人。于是我翻阅好多大师的画，反复画背景，调整颜色和黑白层次关系，这才觉得差不多。我认为创作一定有思想，相当于有了灵魂。有了思想再加以创作情感表现和真情透露才将是一副有价值且完美的创作。在画的过程中，我的眼前不断浮现平时和她相处的点滴和我对他的了解，只有付诸于干这些情感的东西才能打动人心，才能使得自己的作品给人留下思考的余地，通过作品表达的思想情感而感染观者，带着观者走进你的画面，读懂你的心思。假如一幅没有思想没有情感没有表达意义的作品，谈不上打动观者，必然是一幅失败的创作，所以油画创作中思想感情的表达是尤为重要。
美国有影响的美术家苏珊?朗格则强调艺术形式与情感表现的关系，提出“艺术是情感的表现”②；在创作过程中，人物的形象面部表情及其特征要表现的更艺术更生动，必定要先了解人物的情感思想及她的生活背景，只有这样想了通过艺术的语言表现出来才会更有价值。弗洛伊德的表现论学说，“以它的心理分析学为基础，专门从潜意识和情感心理学角度阐发艺术的表现过程”③。西方近现在种种艺术表现论反对客观现实内容，对现代主义艺术产生重大影响。正如象征主义、抽象主义等把艺术表现情感创作推向极致。
四、创作总结
首先，在我看来，一幅好的作品它的必胜点在其选材，比方说能随着当代社会的发展变化，科技的发展，人文的思想进步改变，我们在选材时当然就可以考虑到这些方面，最好能涉及一些社会人文方面的，及其创作想法与创新点，只有在这俩点的必备下才可成为好作品。然而，往往广大艺术爱好者及“所谓”创作热爱着却忽略了这一点，不论什么题材，只要有照片便一味执着的开始“所谓”的创作。所以，我们才把他们称艺术爱好者。西方的发展油画也正是因为由文艺复兴时期开始，达芬奇、拉斐尔、米开朗基罗等大一批艺术家的大胆尝试和创新才推动油画艺术的不断发展。
其次，则是技法。油画的基本技法很多，例如文艺复兴时期达?芬奇画的《蒙娜丽莎》运用多重技巧和笔法结合科学，光学原理表现出蒙娜丽莎最经典的微笑。经哈佛大学的神经科学专家利文斯通博士研究蒙娜丽莎嘴部深画40层颜料，每一层都很薄。证实并不是用笔所画，而是作者把颜料涂在手上继而画在上面。而每一层颜料都要几个月风干，推算大约才能画出蒙娜丽莎的微笑。画面上表现的蒙娜丽莎圣洁的微笑，妩媚的微笑，富有魅力的笑，这也是这幅作品创作的经典之作也是给观者留下最深刻的印象，最能打动观者的切入点。
篇3：写实油画语言论文
写实油画语言论文
每当面对着蒙娜丽莎，我都会思绪万千，脑海里都会浮现出那些华丽的辞藻，那些扑朔迷离的表情，晦涩难懂的涵义……这幅传世名作已成为人类文化遗产瑰宝的代名词。但当我们注视着画面，掠过人物，视点落到人物身后时，看到了画家为了拉开空间而有意加上的一堵墙，然后是那若隐若现的远景……这又不免让人感觉此画在空间的处理上还是有些牵强的感觉。说到画面的空间，它一直是西方画家们不懈追求的目标。达芬奇自然也不例外，但当时弗罗伦萨的画家们采用的作画材料依旧是蛋彩，即坦培拉技法。蛋彩法在发明之初的确发挥了很大的作用。但到了此时，这种技法已经限制了艺术家们的手脚。由于蛋彩作为一种快干的媒介，在反复深入和颜色过度方面有着先天的缺陷。空间的描绘也因此受到了影响。达芬奇的艺术理念固然精辟，但是却无法在现有的材料上实现它的全部想法。时代发展需要一种全新的材料来取代现有的技法。于是，尼德兰油性调色技法的出现，给了艺术家一个更大的表现空间。在威尼斯画派的努力下，将弗罗伦萨的造型观念和尼德兰的材料技法结合起来，使画面的空间，构图，和色调等方面都有了很大的改观。从此以后，油画这个画种始终遵循着这样的规律发展，以表现全因素的空间、色调、构图等等为目标，形成了我们今天所熟知的油画。在日后的发展中，不管是应人文主义的需要，还是为了迎合统治阶级的要求，油画的便捷性和易操作性都得到了很好的体现。比如，它可以允许画家们反复修改，经过多次修改的部分可以衔接的很自然。而且，也使创作那些巨细无遗的宗教画有了可能。油画的不断发展又诞生出来各式各样的风格流派，但油画的工具不再改变了，创作题材始终如一和创作目的的单一化，使再现性成了理所当然的形式。
可以看出，自油画诞生之日起，便担负起了再现的使命。它是应表现空间，质感，色调而生。它的不断完善也正是以此为目的展开的。我们对油画这个概念的理解，也同样是建立在这样的基础上的。同理，它的存在自然也应以此为前提。艺术家们握着油彩技法这门得心应手的工具，～用就是数个世纪。但是，经过了印象派的洗礼后，似乎出现了的新的现象，油画开始不那么注重再现这个传统了。例如，塞尚的探索，让油画走上了一条陌生之路。随后，伴随着毕加索，蒙德里安的出现，更加坚定了这条道路。从他们的作品上，已再难找到过去作为油画材料本身所特有的东西。取而代之的是思想形式的东西高于一切。这时的作品虽然还是叫做油画，但只是个名词罢了，没有了真正的意义。其实换作其他任何材料，同样能够轻易地达到这样的效果。油画材料过去那不可取代的地位受到了严峻的'挑战，似乎到了可有可无的境地。但事实果真如此吗?我看未必。因为我们嘴上称呼为油画的东西，它是由颜料加上油作为媒介剂，进行描绘客观事物的画种。描绘客观的现实物体是它的优势。表现其它形式的东西不是它的任务，那也不叫做油画。油画材料自身的特性决定了它的存在意义。
从这个意义上讲，只要存在油画，写实性的描述将始终伴随其左右。这首先是从材料本身来看。其次，还要从放到社会中的大环境来看。我们身处的当代，正是多元化的时代，当今的主要问题是大众和艺术的距离还是那么的遥远。但是，面对着眼花缭乱的世界，观众们最易接受且喜爱的始终都还是写实艺术，这一点却是恒久不变的。现代艺术最大的缺失不在于别的，而在于它丢掉的正是与普通公众之间的共鸣。自己高高在上的精英姿态与大众的距离已经越来越远。写实性的艺术正是拉近这种关系最有效的方式。作为当代的写实，并不是讲就得墨守成规，将古人研究了上千年的东西再拿过来继续维护，那样做的话无疑是把油画当作了“活古董”。对现代写实的理解我们要做的应是用传统的技法加入现代人的思维模式，即加入不同的思想感情。
回望过去，伦勃朗，提香，维拉士贵支，等等古典大师们，构成了油画传统的强大支柱。但是，他们的那些经典作品却也成为了一种框架紧紧地束缚了人们的头脑。这些作品最大的特点是对形式美和题材的追求。因为，油画的优势就在于对这些现实因素的描写。它的优势在无限的夸大的同时，不免将艺术家的个性掩盖住了。这不是说他们的作品中没有感情，每一位艺术家的作品都只属于他自己，这中间当然有着个性使然，然而相对于那些形式和题材的话，这种个性表达在过去几千年的时间里确实在很大的程度上被埋没了。油画的当代之路无疑要向这个方向靠拢，在不丢掉自身优势的同时，恢复那被忽略掉了的感性，从而为油画注入新的活力。
从目前来看，油画作为已经在西方逐渐没落的艺术种类，在中国的境遇是完全不同于的。这可以从以下几个方面来理解。首先，当时油画被引入中国，其中有一点原因，便是为了唤醒广大人民群众对于现实的关注。油画进入中国之时正值晚清时期，国家当时的境况状丝毫没有影响到那些文人墨客的雅趣，他们依旧整日地摆弄笔墨，这也能从侧面反映出当时民众对于国家的漠不关心。为了能够唤起人民对于现实的关注，激发人民的斗争情绪，油画进入了国门。本着这样的目的，写实手法自然成了它最直接的表现形式。随后，加上俄式风格的长期盛行，更加深了我国油画写实性一统天下的局面。
油画进入中国的百年时间内，发展迅速，种类繁多，但发展到今天，写实依旧是它主要的表现方式。因为作为一种工具，它能直接进行党的宣传教育工作，可以起到辅助舆论导向的作用。比如，以十一届全国美展为例，作为我国级别最高，最有政府权威的国家美术展览，它不同于国内外其他任何美术展览会。这是国家文化管理部门对全国范围内的美术创作进行定期质量检查，成品展示和价值评定的艺术管理制度。从这次美展上可以看出，为了能显示这是国家级的展览，代表国家的语言，展出作品在创作题材上都是尽量体现主旋律。为了展现我国在改革开放后经济文化社会各方面所取得的成就，艺术风格则采取了多样化的表现。美术在革命战争年代曾一度作为武器同革命者一起战斗，而在和平年代，则可以代表政府的态度宣讲舆论，担当起领导大众共同为国家建设努力的重任。因此，写实油画在行使国家权力方面有着自身先天的优势。
美术之所以为美术，在于人们看得懂，看出它的美，这很大程度上构成了写实主义的真谛。因此，写实不仅是一种流派，一种手法，它更是美术的根，是由生活到美术的转化的辩证法。从哲学观点来看，他是唯物主义的反应形式。在当今，油画写实性依旧有着强大的生命力和表现力，人们需要它，它始终是人民生活的一部分。
篇4：油画创作技术论文
油画创作技术论文
一、油画的特点
1、色彩律动
色彩是一种视知觉，是光对人的视觉和大脑发生作用的结果。色彩一般受到现实色彩信息和画家内在的色彩感受的双重影响。画家把所见到的色彩结合自己的审美感受和情绪，借助各种不同色彩的性格意蕴，用合适的色彩进行表现，作画过程中充满个人的情感律动。色彩是人接触画的第一感观，不同的冷暖、纯度、亮度等对色彩语言的创造都有不同的作用，因为不同的色彩能引起人们不一样的精神反应。如，凡高的《向日葵》就使用了饱满而纯净的暖色调――黄色，再以青色和绿色适当地加以点缀，展示了画家内心的热情与活力。人们从画中也能看出凡高对生活的热情渴望与顽强的'追求，表现着一位画家对生命的尽情体验与感动。而欣赏者在面对这个温暖的色调时，心灵似乎也被凡高那种热情、追求深刻打动，并也热爱上了这充满炽热的色彩律动。
2、笔触徐疾
我们在欣赏一幅油画的时候常常会有许多困惑，其实这与笔触有关。而笔触又与艺术家的情感、个性有很大的关系。从油画的历史我们可以看出，早期的画家如达芬奇、拉斐尔等的作品多数是平涂式的。18世纪初的大卫和安格尔也一直采用这样的方法。这种作画方法一般采用宽大的笔，一遍又一遍地从暗部画起，最后再加亮部，笔触如彩云轻飘、电闪雷鸣，通过控制笔触给人无穷想象的空间，又如鬼斧神工使绘画作品或有力，或坚实，或典雅，或含蓄，或激昂，或奔放，用自己的双手创造了一个个可摸可触的真实世界。
二、油画的其他技术、技巧的介绍
从欧洲油画发展史的角度看，油画是从蜡画法、蛋胶画法上逐渐地发展起来的。后由于材料技法上的革新，增加了一些绘制手法，如挫、拍、擦、抑、砌、划、点、刮、涂、摆，充分发挥油画的表现力，使作品在深入性和完善性上也有了很大的飞跃。几个世纪以来，油画艺术家在实践中还创造了多种油画技法。
1、透明涂画法
透明涂画法是19世纪以前欧洲传统的绘画技法。透明涂画法主要从色彩进行罩染，使两种颜色通过视觉调和从而产生第三种颜色。
2、不透明覆盖法
不透明覆盖法也称多层次着色法。绘画时先用单色调画出形体大貌，然后再用颜色多层次塑造，将暗部画得比较薄，中间调子和亮部则层层加厚，或盖或留，渐渐形成色块对比。由于厚薄不一，画面能呈现出色彩丰富的韵意与肌理。
3、一次着色法
一次着色法也被称为直接着色法，也就是在画布上画出绘制物象的形体轮廓后，凭借创作者对物象的色彩感觉以及对画面色彩的构思而铺设颜色，基本一次性完成，如有不正确的部位再用画刀刮去后继续上色调整。这一种作画特点是所蘸的颜料比较浓厚，色彩饱和度比较高，笔触比较清晰，易于表达作画时的生动感受。
三、结语
油画是一门顶级艺术，而艺术是精神的、形而上的，但形而上必须通过形而下表现。油画的形而下就是画者要掌握一定的油画技术与技法，即绘画的技术性因素，只有提高技术，才能发挥好的创意，如果没有过硬的技术作铺垫，也作不出完美的画来。技术因素不仅关系到油画的美感，还与其精神紧密相连，画者只有将技术与精神二者合一，才有可能创造出有生命力的油画。
篇5：试论商品油画论文
试论商品油画论文
【摘要】“商品油画”一般来说是指可以进行商业操作和运营的油画，那么，具体来说拍卖行里的拍卖行为就是商业操作与运营，画廊以及个人出售的油画也是商业行为，这些统称为“商品油画”。
【关键词】操作运营
商品油画主要是指可以作为装饰品的油画，油画界人士称之为“行画”。“行画”据资料调查是起源于韩国的商品油画，传入香港后统称“韩画”，后来传入内地，在广东最初称其为“行画”，后来传遍全中国，现在是主要以广东、福建的职业画家以临摹世界名画为主，进行出口的商业贸易，所以也可称“商品油画”。商业油画在欧美已有几百年历史，很多世界级画家初学画时就是临摹大师的油画一边进行学习一边卖画的，20世纪60年代到80年代，香港、新加坡、韩国等地成为主要的出产国家和地区。此行业在中国也有近了，但还是属于新兴行业。最开始规模不一的油画工作室出现在福建、广东等沿海城市，后来逐渐辐射到全国各地。
从当前来说，商品油画市场需求量相当大。家中的油画作品作为装饰几乎属于生活的必需品，而且每年都在更换，所以它属于重复消费品。而画画的收入也是各行业比较高的，一般的画师月收入能达到四五千元以上，而高级画师一个月都有上万元收入。只要你掌握几种成熟的绘画风格，完全是可以拥有更高的收入和更广的见识。
而对于自身艺术和个人技艺的发展，则通过临摹当代或历史上世界著名油画大师的一些经典作品，能够迅速提高自己的绘画水平和艺术修养，为今后的艺术创作打下扎实的基础。所以，目前这个行业前景还是比较广阔的，对自己将来的事业也有较大的发展空间。
总的来说，商品油画是油画发展必不可少的要素，是其重要的组成部分，它对油画的发展有着重要的意义。那么它的价值和特点主要可以归纳为以下几个方面：
一油画作为商品走进市场，它给油画发展带来激烈的竞争
由于油画现代工业改变了人与人之间的关系，也改变了人类传统的生活方式。油画作为商品进入市场，它给油画发展带来激烈的竞争。现代科技的发展已改变了人与自然的关系，人类的眼睛已延伸到宏观与微观世界。因此现代艺术家必然要创造和选择新的艺术语言去表现自己对世界的感受。在艺术市场中，油画商品具有丰富多样化的价值表现形式，油画市场的存在正是建立于多元价值之上，而呈现出独特的结构模式和价值实现的独特途径。
正因如此，我们必须探讨一个问题，就是油画商品到底有哪些价值形式和特点？
二商品油画的特点与价值
1．商品油画市场的基础，相较于一般商品，它具有如下特点
（1）价值的递增性，一般的产品随着时间推移而价值递减，但油画商品的价值则会逐渐递增。
（2）交换价值的多样性，就是指进入艺术市场参与交易的油画品比普通产品具有更加丰富多样的交换价值，其中包括艺术价值、文物价值、收藏价值、投资价值、实用装饰价值等。
（3）历史的宽限性，即进入油画市场的艺术品不仅仅是即时的艺术家的作品，而且还包括与当今历史拉开距离的人类历史的遗留物品。
（4）视觉的审美性，是指进入艺术市场的油画品都是服务于视觉的。
商业油画的以上特点基本决定了艺术商品独特的价值实现方式和特殊的运营方式。
艺术商品是指被市场打了一个括号的艺术品。也就是说，艺术品惟有在市场的括号之中才能被称为商品。其中，所谓交换价值是指艺术品有着一定量的抽象劳动，可按一定价格进行交换和买卖，关于使用价值是指艺术品具有满足人不同需要的实际应用价值。艺术品一进入市场便具有交换价值和使用价值，这是商品的必然属性。不过，需要知道的是，使用价值与效用不是同一概念。因为使用价值是指物品本身具有的特性，它是客观、必然的；“效用”则是指商品能够满足人们某种需要的属性，它是主观的。 2．商品油画的价值形式
艺术商品的价值是交换价值的尺度。但这种价值不是由凝结在商品上的必要劳动时间决定的，而是决定于社会人的价值认识。这是艺术品价值相较于一般劳动产品之价值的区别所在。就大家认同的艺术品价值来说，其价值表现包括如下形式：
（1）装饰价值。是指运用艺术品装饰墙面、布置居室以求达到美观的实用价值。这是艺术品主要的.价值体现形式，尤其家庭消费艺术品，多注重的是艺术品的装饰实用价值。
（2）审美价值。提供审美愉悦，陶冶情操是艺术品的根本价值。所以，审美价值的判断依据就是艺术品本身能否给予人或者说能在多大程度上给予人以审美愉悦。所以说，作品给予人的审美快乐越充分，就越具价值。
（3）收藏价值。在艺术市场中，艺术品越少，给人的精神享受就越充分，越具收藏价值，反之亦然。
（4）教育价值。以艺术教育人，达到陶冶情操并能塑造人格的价值，它还是一种为学习艺术而将艺术品作为范本摹习的价值。
（5）宣传价值。这是一种基于公益、政治、经济或宗教等不同目的，期求广而告之，扩大影响的广告价值。这种价值往往具有隐藏性，即通过艺术品本身的传播与接受，推行某种主张、观念，或者通过购求艺术品本身的举动，获得广告效应。
（6）纪念价值。艺术品存留历史记忆的价值，为文物价值，而为保存现时记忆并以艺术品作为标志的价值，则为纪念价值。如出访游历、婚丧嫁娶、要事奠纪等对艺术品的需求，体现的就是艺术品的纪念价值。
三总结
综上所述，总的来说商品油画是油画发展必不可少的因素，是其重要的组成部分，它对油画的发展有着重要的意义。可以说，在油画发展过程中，如果没有商品油画的存在，就没有油画的进步和发展，就没有璀璨的艺术成果。
参考文献
［1］中共中央马克思恩格斯列宁斯大林著作编译局。马克思。资本论。北京：人民出版社，第一卷第一章第三节
［2］〔英〕贡布里希。艺术发展史（范景中译）［M］。天津：天津人民美术出版社，1996
［3］王进。艺术概括。浙江美术出版社，1996
［4］杨家安。艺术概论［M］。长春：吉林美术出版社，2003。5
篇6：意象油画研究生论文
从油画引入中国的百余年时间里，中国美术家们对这一外来画种“民族化”的探索一直没有停止过。欧洋早于20世纪80年代正式提出“意象油画”的美学概念，这一概念的提出，在油画界引起了巨大反响，意象油画虽然不能完全涵盖中国全部的文化特征，而且油画本土化也不只仅限于意象油画一条路，但它却是中国文化精神、民族审美心理和地域性特征对于西方油画的自我吸收和转化，也是对中国意象油画研究生的传承和创新。
一、意象的涵义
辞海是这样解释意象的：一，表象的一种，即由记忆表象或现有知觉形象改造而成的想象性表象。二，中国古代文论术语，指主观情感和外在物象相融合的心像。在中国的诸多文艺作品中，“意象”都是其中核心的精神内涵和独特的东方审美情趣。艺术中简单地说，“意象”带有一定寓意的物象。也是用来寄托主观情感的客观物象，它不仅反应了艺术家对主体对象的认识理解、审美情趣及生活阅历而且是艺术家用这些与客观物象相融合，并经大脑进行再创造，借助一定的艺术手段表现出来的物象。
二、意象油画的涵义
意象油画的本质是油画，油画的特性决定了意象油画必须遵循油画的创作原理；意象油画以油画的材料工具为媒介融合西方油画和中国传统绘画的创作方法，且相互取其精华，去其糟粕达到表现的完美统一；意象油画把传统美学体系中的“意象”审美借西方油画艺术形式加以呈现，使其表现上具有本土特色。
三、意象油画的语言特征及欧洋意象
油画风格的独特性
（一）意象油画的语言特征
艺术家们用着不同的绘画形式语言反映社会的不同层面和领域，在意象油画中，是如何表现中国传统文化精神内涵和主体内心感受的，以及如何运用传统意象理论来处理画面之间“意”与“象”的关系，通过何种画面语言形式体现“意”与“象”在整体上的和谐统一的？清方薰说：“作画必先立意以定位置，意奇则奇，意高则高，意远则远，意深则深，意古则古，庸则庸，俗则俗矣。”①旨在强调“意”的重要性，偏于心性，是感性的、直觉的。石涛在其著作《石涛画语录》中提出了“无法而法乃为至法”为绘画创作的最高标准。反映在意象油画艺术创作语言特征上有以下几方面。
1.画面意境的表达
意象油画根据构图立意自由组合意象，使画面产生出某种诗意的时空感。意象油画提倡优美和谐的构思立意，类似于中国画中所表达的诗境，但由于绘画材料工具的不同又有别于中国画。积极吸纳中国古代绘画中的造型语言，打破西方绘画焦点透视和真实时空的束缚。此外，在造境的同时，十分注重画面的色彩、笔墨和写意性等，给人在视觉上产生强烈的形式美感。吴冠中在谈自己的写生作品时说：“我很少背着画箱碰到什么景就画，我总是先观察，跑遍山前山后，村南村北然后在脑子里综合组织形象挖据意境”。由此，意象油画在造境方面更具有独特的视角。
2.造型的意象性
“大自然仅仅是一部词典”，艺术的使命不是复制自然对象，而是表达它。因此自然物象只是造型的依据，画家面对物象时，由于某种审美因素而激发出表达的冲动，并在大脑中对自然物象进行打破重构等整合使“意”与“象”得到升华，再借助绘画语言加以表达，以客观丰富主观，更以主观为主导，统一主观和客观，谋求情境的合一。在此，意象油画在造型的取舍与夸张变形手法的表现上更加强烈，通过取舍与夸张变形赋予造型以生机与个性风采，使造型获得了无穷的意趣。
3.色彩的意象性
意象油画的色彩运用，在西方油画色彩特点的基础上更加注重从中国画的色彩运用中吸取营养，打破时空色彩的限制，更加注重主题、意境、情感与形式美感的契合。意象油画追求其色彩优雅致悦目，或浪漫，或梦幻，具有地域特征和人文特征。意象油画的色彩也具有“单纯”的特征，谈“单纯”从字面意义理解无疑像是形容一个快乐的孩子，而这孩子更崇尚自然可爱，其色彩或纯度高或明快简单而不俗气也不失内容，明朗而优雅，感觉一切都是那么的恰到好处。
4.表现技法的写意性
意象油画的技法很丰富，讲究笔意、笔韵强调抒写性。陈丹青在一次采访中说：“西方油画源于雕塑，而强调光影与体积，中国传统绘画源于书法，而强调线与平面化。意象油画在追求本土化的`过程中，线的运用及平面化的处理也是应该认真研究的。”可见意象油画在创作中，对线的要求及对色面的把握更高，追求点线面在画面中的灵活运用。意象油画中用笔很多形象都是“书写”出来的，任“意”书写，情感、意境随用笔而表达，从而达到形神相生，物我两忘的诗境。关于写，戴士和有过生动的论述：“与‘描’相比，‘写’的不只是外形，而是对象的意味；与‘描’相比，‘写’的行笔过程更是对象在画面上形神相生的过程，是由内向外，无中生有的生命过程；与‘描’相比，‘写’的每一笔包含着密度更大的精神活动。”在意象油画中书写出来的点、线、面具有自己的生命，像灵动的精灵。具有独立的审美价值。
四、欧洋意象油画风格的独特性
在中国欧洋最早举起了“意象油画”的旗帜，她试图用油画建立一个诗化的空间。她开始醉心于空灵、不确定的空间，富于抒情性的笔法，诗化的境界。黄颂豪曾在一片评论文章中写道：“欧阳画面上写实性的叙述框架被慢慢消解，抒情性的倾向开始占据主导地位，笔触与物象的关系开始若即若离，空间变得暧昧、不明确。这种实验，鸥洋把其称之为意象油画，她在这条寂寞而又自足的路上—走二十多年。”这二十多年她对意象油画坚定的探索走出了一条独具个人特色的当代油画之路。
在欧洋的意象油画中她力图使油画这种西方艺术语言具有东方性的叙述能力。首先，表现在她画面的造型上，鸥洋的绘画有大形和小形之分，从大形上看，有些近乎抽象，但这种抽象既非结构的抽象也非表现的抽象，而是由形象发展而来的意象。小形既是具体的形象，也是构成大形的元素。大形有一种气势、律动与回响，小形则是具体的生命支撑，像每首歌中的不同音符，所起的作用关键而不失活力。像追寻阳光的向日葵，想随风舞动的白云，在整体中呆的祥和而和谐，每一个小形在大形中都焕发生命的旋律。在“似与不似之间”的东方美学原则指导下，使画面产出一种富有东方韵味的、幻化的意象造型。其次，在表现手法上，她大胆的在油画布上使用水性晕染的技法，使油性材料产生出一种类似于国画中“撞水”、“撞粉”的色调效果，为画面空灵的意象进行形式铺垫。油画向来讲究“衔接”。鸥洋接受过正规的西方油画训练，更秉承中国书画同源传统，将书法的意趣带入画面，干湿枯润，冷暖浓淡、轻重徐疾，形光色熔于一炉。在她的以“池”为题的探索性绘画中，吸收了中国绘画中大写意手法，在“意”与“象”中融合了她的情感、意想，自由酣畅地书写在画布上。最后，“素以为绚”“计白当黑”的东方传统美学原则在欧洋的画面中运用也十分巧妙，构成了成鸥洋油画中特有的通透感和韵律感。正是对这些形式要素富于东方性的理解和处理方式构成了鸥洋油画的独特绘画形式语言。这种意象油画语言中的东方性已成为她个人经验的表现方式。
“拿来主义”，如若用在绘画中也是非常合适的，欧洋的意象油画就是本着“拿来主义”广泛吸收、探索的。她从中国传统写意文人画中吸收，从西方印象派油画传统中吸收，同时还要从现代艺术形式中吸收。吸收中国传统文人画“天人合一”的意象审美，吸收写意水墨画的似与不似造型和笔墨技巧，吸收西方传统油画印象派光、色和绘画技巧……
作为文化的继承者和创造者，如何在继承和创造之间做出恰当的文化表述？艺术家们对意象油画的探索和实践便是其反思和选择的一种表现。意象油画的探索和实践是漫长而艰辛的，它的提出及实践虽伴随着怀疑与不屑，但随着时间的沉淀人们认识到了它的文化价值与意义，它不仅是对中国传统文化的继承，更是对中国传统文化创造性的发展。
篇7：意象油画研究生论文
一、关于意象油画的认识
中国的文化有深厚的底蕴，在中国的文学艺术经典里，意象是非常重要的精神内涵，带有浓郁的东方审美情怀。所谓意象其实就是寓意之象，就是在客观事物之中加入人的主观情怀。在具体的表现上就是艺术家在创作中，将自己的生活经历，艺术认知，审美情怀与客观的艺术形式相结合，经过自己的艺术加工处理，通过艺术的表现形式表现在作品中。要认识意象油画我们要深入的理解“意象”这个词，意象具有想象性，意象是通过人的主观情感来把握感受体会的，当然也具有虚拟性，是我们主观想象出来的现实没有的，但是我们却能感受到它的精神内涵。
意象油画是中西文化交融的产物，带有浓郁的东方审美特色，有中国的儒家、道家的审美情趣，当然也含有中国独有的哲学思维方式。有人认为中国艺术是意象的艺术，中国的诗词歌赋书法绘画等艺术都带有明显的意象化审美特色，这是中国艺术有别于西方艺术的一大特色。油画是舶来品，是西方的东西，带有明显的西方符号化。油画从西方引进到中国有百余年的历史，现在的中国油画已实现了中国化，民族化的审美取向，具有了我们中国本土文化特色。现在的中国油画在题材、内容、表达方式、审美趣味方面都融合了浓厚的中国文化精神，带有明显的东方审美情趣，许多富有造诣的大艺术家的作品中带有明显的意象化特征，与我们的审美习惯相贯通。
中国意象油画不是简单地用油画材料画中国画，它融合了中国的文化艺术精神，将东方的审美习惯、美学理论、文化精神融入到作品中，形成新的作品，在精神上有明显的东方特色，在材料上有西方的特色。意象油画有两个含义，一层是意象，这一层带有浓厚的东方特色，另一层是油画，既然是油画就要具有油画的创作规律，有西方的技巧技法。意象油画的创作追求有自己的特色，追求“心游物外、物我为一”的精神境界。意象油画的艺术形象是经过艺术家概括、提炼、融合形成的，经过艺术家改造的意象已经融入了画家的精神与感悟。意象油画区别于西方油画在于意象油画融合了中国的审美精神和中国画技法，有中国的审美趣味。
二、意象油画语言特点
意象油画是从中国绘画里借鉴了中国水墨画里的一些形式因素，同时也借鉴了西方油画里的一些抽象形式因素以及材料材质所体现出来的特质，油画材料具有很强的表现力，色彩或浓烈或淡雅，颜色也具有干湿厚薄等丰富变化。由于这些特点使得意象油画具有自己独特的语言风格。
我们中国人进行油画创作时就应该有中国人的思维方式，这是我们区别于西方的思维方式，是我们的特征，一种艺术要想有生命力就要有自己的思想内涵和追求，不能总是模仿别人，模仿别人永远只是模仿，只是跟着别人的步伐前进，引领不了艺术的发展方向，要想引领艺术的发展让艺术蓬勃发展必须有自己的特色自己的思想自己的根。我们中国人有中国人的特征，我们含蓄，有礼貌，讲孝道守规矩，比较温文尔雅，讲求中庸，我们受儒家、道家、释家等思想影响具有鲜明的中国特色。西方人比较自由自我，喜欢反传统，喜欢把旧东西推翻然后建立新东西。中国人的思维和西方人的思维比较有差异性。在艺术的创作中一定要根据自己的中国人的习惯进行创作只有这样才能创作出属于中国中人自己的作品。
既然意象油画是中西结合的产物，那么它必然有中国绘画的特征在里面。中国画在用笔上非常讲究，笔法变化丰富，有勾皴点染等用笔手法，墨分五色焦重浓淡清等丰富的墨色变化，产生的艺术效果使我们产生心灵上的共鸣。干枯的笔墨特点给人以苍劲有力的感觉，轻淡的墨色给人以清秀雅润的感觉。迅疾有力的运笔给人以激情澎湃的感觉，抑扬顿挫的行笔给人强烈的节奏感，变化丰富的用笔用色巧妙地组合在一起给人一种飘逸、清爽、舒适的感受。用笔对意象油画有举足轻重的作用。意象油画不是拿着油画画中国画，它糅合了很多中国画的绘画技巧，在用笔方面就借鉴了中国画的用笔，中国画的用笔注重书写性，讲求气的流畅贯通。用笔要笔随心动，一气呵成。
意象油画家苏天赐作品极具代表性，他作品中的线条富有弹性气势贯通清秀挺拔。作品中的树枝都是用书写式的用笔来表现的，放笔直取干净利索刻画精准有力。在作品中讲究气势，肆意挥洒画笔大气磅礴的气势瞬间跃然画布之上，在用笔上很注重笔触所留下的痕迹与偶然的效果，最大限度的保留了用笔的生动性，其笔触充满了激情与自信。吴冠中的作品具有浓厚的水墨特色，构图别致带有中国水墨特色，作品中常常出现流畅雅润的线条。其用笔更是大胆自信任意书写。意象油画的笔触不再单单是造型的附庸，它有自己独特的审美价值。
中国画里的造型不是写实的，是意象的，讲究意象造型。画家看到的客观事物不是简单的视觉的真实而是加入画家主观情感的“意象”，只要意到了即可，客观的“象”已不是最重要得了。作品中的“象”已经不是现实中的视觉真实了，而是作者艺术加工后的“意象”了，是高于生活超越原型的“意象”了。不求形似，取其意气所到，是意象造型的突出特点。意象油画采用中国画里的的绘画理论，不在纯粹用写实的方法描绘自然，而是运用了中国画里意象造型的观念，这使得意象油画有了强大的生命力。
谢赫的“随类赋彩”对中国画的上色带来了很大的理论指导，艺术家在作品中根据某一类景物总体特征来赋色，一些个别景物的颜色可以忽略。类的意思是相似相同，中国的画家将景物的颜色归类，将复杂的自然景物进行分类概括，这样有利于把握画面。将复杂的自然概括为几种颜色是，是对自然之色的升华，是超越自然表象高于自然的，是经过艺术家主观化的色彩。意象油画吸收了中国画里的的用色理论，启用色超越了时空的束缚，根据画家画面的需要任意挥毫直抒胸中逸气。
三、结语
意象油画受中国画、中国文化影响，它借鉴了大量的中国画理论，它是东西文化交融的产物。中国意象油画在中国有了很大的发展，已经被越来越多的人所接受，形成了中国风格特色的艺术风貌。以中国意象没美学与西方油画艺术相结合进行创作，用写意的手法追风球星向上似与不似，彰显的是中国的文化艺术精神。
篇8：科技法的论文
关于科技法的论文
【摘 要】法语是国际第二大言语，科技法语是现代科学技能的载体之一。跟着我国改革开放的日渐扩大，科技法语文献和材料的翻译也日趋遍及，本文较系统论说了科技法语的特色。
【关键字】科技法语 特色 导言 科技法语是自然科学和工程
导言
科技法语是自然科学和工程技能范畴中运用的一种外语文体，是跟着现代科学技能的迅速发展而逐渐构成的。从运用地域上讲，法语是仅次于英语的国际第二大言语。科技法语作为现代科学技能的载体之一，正日益遭到大家的重视。
科技法语的首要特色
科技法语尽管没有与通常法语天壤之别的语音、词汇和语法系统，但其词汇含义、句法构造、句型运用和修辞方法却有自身的特色。对科技法语特色作全部的了解，对熟练掌握并灵敏运用各种翻译办法和窍门是大有优点的。
1.用词和词义特色
1.1通用科技词汇 这类词汇指不一样专业都要常常运用的通用词汇，如fréquence（频率）、densité（密度）、facteur（系数）等。这类词的词义相对单一，虽运用范围较广，呈现频率较高，但通常不会给翻译构成什么艰难。
1.2半科技词汇 这类词汇系指科技法语中运用的.通常词汇。这类词除自身的根本词义外，在不一样的专业中又有不一样的词义。例如al-imentation一词，其根本词义是“喂食”，用在科技上转义为“馈电、给水、供弹、运送、加载、进刀、电源”等。这类词词义繁复，用法灵敏，调配方式多样，运用范围极广，在科技法语文献中呈现频率最高，给翻译的词义了解和挑选构成很大艰难。
1.3纯科技词汇（亦称专业词汇） 这类词汇系指在不一样专业范畴运用技能词汇。例如diode（二极管）、isotope（同位素）、plancton（浮游生物）等。这类词词义单一、运用范围极窄，在科技法语中呈现频率最低，翻译时没有艰难。
1.4笼统名词 科技法语中许多运用概念精确的笼统名词，由于这类词汇表意恰当。其词义特色是既具有笼统的动作含义，又具有详细的事物含义，翻译时应特别注意（通常译者通常疏忽其详细的事物含义）。例如installation（安装；设备）、protection（维护；防护设备）、balance（平衡；天平）、guidage（制导；导向器）等。
1.5合成词和缩写词 科技法语中由前后缀派生而来的合成词极多。翻开《法汉科技词汇大全>就会发现，由anti-、auto-、hydro-和hy-po-这四个前缀派生而来的词汇竞达1500余条之多，真是令人惊叹不已。别的，科技法语中缩写词的数量也极为可观。尽管缩写词具有用词经济、拼写便利、表达简练的优点，但给翻译中的辨认和了解构成了必定的艰难（现有的缩略语词典远远满意不了实践需求）。
2. 句法特色
2.1被迫构造多 在科技法语中，被迫构造的运用远较通常法语频频。究其原因，一是科技文章着眼于演绎证明的成果，需求使事物、进程和成果处于语句的基地位置，而被迫构造恰好能杰出证明和说明的对象；二是科技文章的证明、分析和推理请求尽量客观，而客观的表达与豪情色彩是不相容的，被迫构造恰好能够避开人的主观因素；三是科技文章崇尚慎重、精练和精确，而被迫构造在许多情况下恰好可使语句更为简略和紧凑。
2.2许多使甩无人称动词科技法语中，动词的无人称方式（分词式、不定式）广泛运用，尤其是现在分词复合构造作后置定语的景象更是层出不穷。究其原因，科技著作在说明事物的状况、改变和彼此间的联络时请求完整、慎重、精确，而无人称动词恰好可用拓展的成分对所润饰的词进行严厉的说明和限制，并且又可避开复杂的主从复合构造并省却动词时态的合作，保持语句的匀称性。
2.3短语动词多 科技法语文章中常常运用一些“动词+介词”，“动词+名词”、“动词+名词+介词”型的短语动词，例如：avoir a（需求）、disposer de（具有）、faire usage de（运用）、porter coup（见效）等。这类短语动词天衣无缝、用法灵敏、含义清晰，能对某些动作或做法进行精确的
描绘和说明，是科技法语文体的一个根本组成部分。
2.4名词化构造多 科技法语中常有用一个名词性词组（表明动作含义的名词+de+名词+润饰语）替代一个语句意思的景象。也就是说，通常法语顶用动词表明的内容在科技法语中却常用名词来表达。例如la pollution de l’atmosphère par oxyde azoté（含氮氧化物对大气的污染）、l’application des métaux sur l’indus—trie（金属在工业上的运用）等。这种名词化构造用词简练、构造紧凑、表意客观，且信息量大，在许多情况下能够省却过多的主谓构造，很受科技法语文章作者的喜爱。
2.5语句冗长复杂科技法语中，冗长冗杂的言语景象是具有典型性的，长达数行、十数行的语句层出不穷。究其原因，科技是研讨自然界事物发展进程、演化规则及其运用的学识，为了精确、详尽地表述事物之间的因果、条件、依靠、制约和比照等联络，就需求严密的逻辑思维，而这种思维的内容见诸于言语方式，就会构成这种富含许多信息的、错综复杂且枝叶横生的长难句了。
3. 修辞特色
3.1陈说句多、动词时态运用有限科技法语文章老是客观地陈说事理和疑问，描绘进程和状况，说明特性和功用，所论情理多具通常性、频频性和特征性。因而作者在行文时以直接叙说为多，而感叹句、疑问句运用较少。句中的谓语动词也多选用简略时态（包含现在时、未完成过去时、简略将来时），有时也选用复合过去时，而其它时态运用很少。
3.2指令语式和某些虚拟语式运用较多科技法语文章作者为了表明指示、建议、劝说和指令等意思，乃至为了提出某种想象和假定，常常会选用指令语式。这在运用说明书、操作规程、作业指导和注意事项等材料中尤为多见。别的，科技文章在说明事理、提出想象、探讨疑问和推导公式时，常会涉及到各种条件和场合，作者为防止武断，为了慎重和留有余地，还通常选用某些虚拟语式而使文笔变得委婉和油滑。
3.3省略、倒装和分裂景象多见科技法语中，残缺不全、词序倒置、成分分裂的语句不乏其例。这类“异常”景象首要是修辞的需求使然。例如，省略法可节省篇幅，使表述更为简练和紧凑，倒装法可使某一事理更为夺目和杰出，使上下文的联络更为严密；而分裂规律通常可使语句的全体构造更为匀称和平衡。
3.4文笔朴素，行文标准 科技法语首要用来客观地说明事理和论说疑问，言语朴素无华、很少润饰。由于科学是老老实实的学识，来不得半点的夸大和烘托；作者重视的是现实、概念和逻辑，不允许、也不行能把文章安排成起伏跌宕的情节，不然就有损科学的严肃性。别的，科技法语文章的行文格局十分标准，不一样文章的行文方法十分类似。例如在叙说疑问时老是开宗明义、开门见山，把要表达的首要信息尽量前置，使读者能直观地捉住疑问的要点，选用所谓的“前置性陈说”句式（这也是被迫构造运用较多的原因之一）。
参考文献：
[1] 王泉流.科技英语翻译窍门.天津科技出版社.1991.
[2]陈振尧.科技法语选读.商务印书馆.1979.
篇9：简述油画论文提纲格式要求
每一笔色彩都会影响到整个画面色彩的平衡。当找到色彩关系平衡的同时其形体也就完美了。色彩与形体结构在油画造型艺术中对体积空间的塑造和内在情感的传达都起着很重要的作用。不管是写实还是表现，具象还是抽象，绘画的过程实质上是不断的调整色彩之间，形体之间以及形色之间的关系，从而实现与某种创作意图相应的形式和秩序的过程。在这个过程中，忽视任何一面都不会体现油画真正的内在精神价值。
色彩的表现性 (2500字)
色彩具有表达空间的能力
在油画创作中空间的创造和表达不仅可以通过形体的透视变化来表达，而且可以通过色 版权所有 只可借鉴
彩的变幻来表现画面中的空间。
油画创作中色彩具有塑造形体，活跃画面的功能
在油画创作中色彩好比音符，色调好比乐章，丰富变化的色彩各有特点，但又统一在和谐的色调之中。油画中号的色调既能表现丰富的色彩变化，又能以色抒情、以色传神。画家，善于发现和应用色调，使之与人的心境之间产生共鸣，使欣赏者受到感染、产生联想，进入审美的境界。
篇10：分析写实性油画论文
分析写实性油画论文
“在当代，不少中国油画家自觉地关注渗透在我们生活与意识中的异化现象与非自然现象，并用多种不同的方式警示人们……他们努力要做的恰恰是想办法超越现实的表象，以便使人们洞悉本质真实的世界。因此，中国当代油画通常表达的并不是一个个‘事实’，而是一个个‘阐释’。”①朝戈、范勃便是完成这一“阐释”的实践者。
朝戈是一位在古典写实艺术中驰骋的“非古典”主义者。谓之“古典”，缘于技法本身；谓之“非古典”，则缘于其笔下的艺术形象总是呈现出“不尽完美”的视象，与古典艺术的追求相去甚远，他无意为某个具体的人物留下传统意义上的写真，而是赋予被画人物某种精神状态，以深刻细腻的写实手法创造了处于从思想到体制都发生着深刻变化的社会中的各式各样的人物精神面貌。
“宏伟的古埃及艺术、希腊古风时期艺术、文艺复兴前期艺术、二十世纪三十年代艺术，还有古朴的年代久远的蒙古草原石人艺术，均是我内心向往的最具人类感情的艺术。……但我不是简单的追随者，我去透视这复杂的迷一样的时代。我要使自己的艺术适宜表达正在发生的思想感情、意识活动和人的真实存在，并以此获得艺术形式的高度敏感，我将逐步把我内心中壮阔的自然图景和人性的悲怆变成激越的绘画。”②这就是朝戈艺术的宣言――对生命个体本质和价值的追问。
朝戈主要以肖像画形式进行创作，其中《敏感者》是其代表作，画面以近观和轻度俯视的视点使人物处于一种自上而下的轻度的纵深感中，这种角度使人物存在于局促的空间中，并与观众形成一种居高临下的逼迫式的视觉心理感受。隐藏在眼镜下的那双神经质的眼睛，警觉地张望着周遭，体现出极度不安的、焦灼的情绪。同时，他还用细腻微妙的轮廓线把人物和背景清晰地间隔开来，似乎借此暗喻了人与外界的隔离。
《西部》是朝戈1994年的作品，两位男子被置于荒凉的背景中，两者距离很近，但身体姿态的偏离和人物的某种紧张与不安的情绪带给观者孤独、紧张、矛盾的心理体验。这正是朝戈所关注的，力图表达一种强烈的社会的公共情绪。除此以外，《坐着的人》、《年轻的面孔》等都是他这一时期的杰作，朴素而敏感的写实与人物内部丰富的情绪获得了高度的统一，从而也奠定了他作为心理分析画家的地位。朝戈的画面中没有宏大的场面和重大的历史题材，有的只是通过平视的视角对普通人的肖像塑造。就如他所言“我力图做到的，是能够表达人的内观世界，也就是精神世界、心理世界和人的内部感觉世界，同时不失去自然的亲切的外表……我想要的是那种一下子击中本质的感觉。”
总之，朝戈是用古典的绘画语言以心理分析的方法和人文主义的思想来关注和表达中国现实社会中的人性问题，“朝戈的绘画精神往来于东西艺术之间，往来于人我之间，往来于现实和记忆之间，往来于可视的形式表现与不可视而可感的精神意蕴之间，并试图在这复杂的经纬线上找寻到属于个人感觉但却具有永恒意义的一种理想之美。”③“我不把人当人画。”这是范勃对自己的作品所做的阐释。简洁的描述中实际包含了两层含义：从技法层面上讲，在人物塑造上强调转折面，形成了独特的雕塑般的形体感，这种方式使他的作品有别于纯自然主义的写生；从精神层面上讲，画面中的人物已绝非“肖像”意义上的人，而是画家情绪、理念的产物。精神性是范勃绘画语言最本质的呈现。
“在流动变为凝止，短暂变为永恒的同时，也由一种时间的形态转化为空间的形态，由人构成的时间片断从现实中走入，从历史中走出。记忆的体验和积淀引领我们进入了至诚画境，也成就了画面的氛围……”这是范勃心灵的自述，也是作品精神性的由来。在物质化、信息化、时尚化的今天，人们的内心处于一片荒芜漂泊的状态，每个人是独立的，同时也是孤独的，心灵无从依附。为了表现当代人的这种精神境遇，在他的.作品中，常把一些扭曲、变异的抽象性的人与超现实的景致相结合，营造一种诗意的幻想性语境。
《花开花落》系列在人物造型上抛弃了自然主义的真实再现，提炼出某种雕塑感，去除个性化的人物为画家的主观情绪所用，展现了新世纪初传统伦理价值沦落后当代人的理想溃灭与精神迷惘。《黄昏？黄昏》也采用了相同方式减弱人的个性特征，使诸如年龄、身份、情绪这种感官活动服从于画家设定的理性逻辑和话语方式，展示了一种毫无联系的冷漠的空间关系和心理状态。人物的塑造是一种非现实的主观表现，同样，在画面的空间处理上也是如此，以一条简单的地平线来区分地面和立面空间，空间弥漫着混沌迷蒙的气体，意向性的树丫孤零零的伫立于远处，这些场景都显示出一种超现实的倾向，并饱含一种孤单和冷漠的情感。将树丫置于主体人物的身后，实质是主体精神的一种隐喻。这种隐喻在他的多幅作品中都能得以呈现。比如《天命》中，背景是废墟似的景象、光秃而缠绕的树枝形成了一种孤独、茫然、凄凉的意境，这种意境展示出了现代人的内心处境。《不惑》中，以中国传统的写意性的手法来追寻萧索寂寥的意境，残存的花朵隐喻着人物的内心世界――似乎从现实中稍微获得了满足而又复杂的心理，画中人物显得有些荒诞和怪异。
范勃的艺术正如他所言：“绘画作为一种再现的视觉艺术形式，从照相写实到抽象表现，都是艺术家根据个人的内心需要，选择了某种言说的方式，经过不断的纯化与提升，从而赋于绘画以个人的意义”，因此，在笔者看来，范勃、朝戈的绘画是直击心灵、本质的艺术，是生命个体的本真表现。
篇11：探究油画教学色彩论文
探究油画教学色彩论文
一、注重培养学生的艺术个性
对于色彩的教学主体上本来就存在着个体差异，每个学生都有自己不同的对于色彩的感悟和体验，甚至可以说每个学生们的体验与树上的叶子是完全不同的，每个学生对于色彩的敏感程度和色彩张力也是完全不尽相同的。这就是是艺术的本质，同样，我个人觉得这种个体上的差异恰恰是艺术的魅力所在。艺术的精髓便是创新，在世界艺术历史的长河中，艺术大师们正是通过自身独特的艺术个性来组织独到的表现手法，创造了丰富的精神财富。艺术创新的基础就是发挥艺术个性，因此，在对学生们的艺术教育中，对学什么个体发展的主要目标就是发挥学生们的艺术个性。在油画的教学中，“整体划一”传统的教学观念必须摒弃，应该尊重学生的艺术个性，并且应该大力培养学生的艺术个性。对于敢于打破成规束缚的学生应该鼓励，为他们插上想象的翅膀，鼓励他们在艺术风格上的创新。
二、学生的色彩素质培养
绘画艺术的发展完全可以说明只具备普通的色彩表现力是不足的，想要更好的发展必须具备全面综合素质。艺术绝对不会偏爱人的某一种本领，而是喜爱自身所具有的所有本领，所以我们可以说艺术是一切自身所拥有的本领可以得以发展的领域。在对学生的油画教学中，不可以只单一的针对色彩认知和理解能力的培养，更要培养学生对色彩的掌控和运用能力，诚然，最关键的还是要培养其对色彩的创造性表现能力。关于色彩的教学，在传授学生绘画技巧与色彩理论的同时，对于色彩的寓意，象征，联想等相关知识以及色彩的表现手法，如夸张、含蓄、平面、简洁等手法也要同时传授，更全面的让学生掌握色彩理论知识。使学生更好的完成感性与理性的转换，让他们侧重对客观物体的写意，而不仅仅只是停留在客观的表象上面。强调主观感受，使学生注意到色彩面积的位置。形状、大小等不同勾出的不同视觉效果，以增强他们对色彩的.感受。更重要的是通过教学来培养学生们的色彩全面素质，为学生日后更好的色彩创作埋下铺垫。
三、以色抒情、以色绘意
绘画作品中的“情”，绝对不只是对客观景物的简简单单的模仿重复，，而是将客观与主观上情感的统一，是一种独到的艺术境界，暴风雨前乌云的黑色会使人感觉压抑，嫩绿的小草会使人联想到春天，金黄色的麦田会让人体会到丰收的喜悦等等这些都是色彩所可以给人心理上的暗示。我们不仅仅只是教会学生现有的色彩与人的生理或心理的反应，而是教会他们研究色彩与人的感情，从而使学生们画板上的色彩活过来，成为有感情的色彩，赋予作品灵魂。绘画作品中的“情”是含情之景，是见到真实事物真正具体的情，绝非虚无缥缈的抽象之情，是由生活感悟或对客观事物生出的由衷之情。在西方绘画作品中，不难看出色彩是至关重要的表现方式和手段，相应的色调分别对应不同的题材，需要表达的含义、需要营造的氛围都有特定的色彩搭配，这充分证明了色调运用的关键性。在西方的艺术中根本就没有“意境”这个词，但是西方很多优秀的画家的作品中，意境深远的作品却不少见。
或许我们该随他们称之为具有“诗意”或具有“音乐感”，这其实就是富有意境，只是说法不同，由此可以看出色彩完全可以表现出情绪。如列维坦的作品《在深渊旁》，取材虽然平常，但是作者所赋予了画面无限深情：渐渐拉开的暮霭，天际金色的余晖，远处渐渐模糊的森林，幽静的水潭，一切似乎都在静静的等待着夜色的降临，虽然没有华丽的色彩，但是完美的意境融合，色彩朴素却饱含凝重的意境。所以我们可以说运用完美的色彩就是意境。综上所述，我们不难看出，只有善于运用色彩组成各种色调，才能营造出恰当的氛围，表达出自然的情感，创造出情景意境相融合的作品。由此可见，色彩是油画表现的关键与灵魂，对学生的色彩教育是具有重要意义的，可以说只有可以熟练的运用色彩才算是一个合格的油画艺术人才。
篇12：西方油画艺术赏析论文
西方油画艺术赏析论文
绘画与文化背景的关系是密不可分、相辅相成的。艺术的发展依附于当时的文化背景。文化背景是艺术的根源所在,是艺术发展的基础,离开了文化背景艺术只是个空架子,就会失去艺术的鉴赏性,更不会被人理解和认识。我们学习西方油画必须了解西方的文化背景,才能更好地认知和解读大师的作品,学习的同时更要符合当下的文化背景,两者结合才能更好地为今后的艺术创作所服务,才能创作出让人们认识和接受的艺术作品。
伟大的希腊哲学家亚里士多德在《形而上学》一书的开卷写道:“求知乃人类的天性”。此言不假,我们要求知,是因为我们想去理解世界上所发生的事情;我们今天学习西方的油画,同样也是如此。
西方是油画的发源地,油画在那里达到了一定的高度,所以我们要向西方学习油画。既然要学习我们就应该明白怎样去学习。而学习西方油画首先就要弄明白和油画有关的一些知识,了解油画的基础和技法以及一些创作语言。但我们学习油画不单单是学习一些油画技法和基础知识那么简单,而是要学习他们的一些经典的技法和理念,最终目的是为了表达自己的艺术感受。我们在学习的时候要结合他们的文化背景,只有了解了他们的文化背景之后才能更加清楚地了解他们的创作意图和风格样式。
临摹大师是好的,但是我们要清楚临摹的目的,不要盲从。我认识一位学习西方油画的朋友,一开始接触西方油画时就去临摹西方大师的作品,临摹得酷似大师的原作,时间一久对大师的技法就差不多掌握了,他的创作风格也近似于大师,甚至连创作题材都相似,可谓是第二个某位大师。按理说他应该会取得很好的发展,但结果却恰恰相反,不但没有取得多大的成就,就连作品都无人问津。这是为什么呢?原因很简单:他只注意了绘画的基础技法而忽略了大师创作时的感受和当时的文化背景,大师的画已经过了几十年甚至几百年了,时代变了,文化背景变了……如果我们还去这样模仿他们画画,画出的作品自然也不会被接受。我们要做的是学习而不是复制。如果我们学油画就是为了画得和西方哪位大师一样好、一样精彩,为此不断地临摹大师的作品,以期待达到他们的境界,殊不知这是大错特错的。他们的创作意图是否和我们现今的一样?他们的文化背景是否和我们一样呢?都不一样。用不同时代、不同文化背景的东西画出同样的作品怎么可能呢?我们翻看各个阶段的大师作品,绝对不会存在一模一样的画,这是一个道理。就像一个要学习中国画的外国人,如果不了解中国画,不了解我们的文化背景就开始创作,他能画好吗?西方油画进入我们中国的时间很短。西方是油画的发源地,留有很多不朽的传世之作。所以我们学习油画必须去研究西方油画,同时为了要更好地认识和解读它们,还要了解西方各个画派当时所处的文化背景。
文化背景影响着油画的主题和风格,同时油画创作也反映了当时的文化背景。比如文艺复兴显着的特点是现实和人文,要求打破封建神权,打破封建禁欲主义。当时宗教信仰在人们的生活中占有很大部分,许多评说都以宗教为后盾,如此就不难理解文艺复兴时期的宗教画为什么如此盛行了。如果我们不了解原始社会的文化背景,如何能了解画肖像为什么要画侧面的脸和正面的眼睛?了解了当时的`文化背景之后,才知道那是在突出人有特点的地方,为的是更直观地表现一个人的特征。如果按照我们当下的文化背景去理解他们的绘画,肯定会以为是无稽之谈。所以说理解西方的文化背景,有助于我们研究西方油画的绘画方式和语言,有助于我们以后的运用和创作。
画画本质上是在画家本身,是画家自己内涵和修养的展现,也是画家自己的生活经历的缩影。所以,人的境界体现了画的境界,画的完善过程就是画家自我完善的过程。艺术无疑是以表现人生,表现人的心灵世界,坦诚地表达自己的艺术感受为最终目的的。为了对油画作品进行更深刻的认识和解读,我们就要了解过去和现在的文化背景。假如我们去看电影,发现影片已经开演,往往就难以理解银屏上的人为什么如此激动,为什么相互射击乃至相互开战。
我们学习西方绘画的目的是为了掌握油画的基础和技法及绘画语言,最终达到为我们的创作而服务的目的。我们学习的时候必须以当时的文化背景为依托,不能盲目地学习,不能画西方的油画,而是学习西方油画,结合我们的文化背景画我们自己的油画。中国艺术界泰斗靳尚宜先生曾说过:想去国外画画,可以!但是必须回国才能得到发展,因为祖国才是自己的根。意思应该是说出去学到的只是技法、手段、手艺等,真正的骨子里的东西还得是自己生活的地方,只有在我们自己生活的文化背景下创作出的作品才能适应社会,才能被人接受和认知。如果留在西方进而想获得最好的发展是很困难的,因为那里的文化背景不适合你,所以你的作品也就不适合那里的文化背景,很难被那里的人接受和认知。
“学以致用”是我们的最终目的,“学”指的是我们是去学习西方油画的技法、基础知识、绘画方式等,“用”指的是我们把学到的油画技术运用到创作中去,其中,“用”最为重要。我们学习油画要结合西方的文化背景,运用油画时更要结合我们当下的文化背景,如此才能做到“学”得透彻,“用”得巧妙。综观各位伟大的艺术家的艺术成就,除了天赋和勤劳之外,都是顺应了当时的文化背景。
所以,要想在学习西方油画的道路上越走越远,就要在不断地提高自身艺术修养的同时,还要了解文化背景,在文化背景的依托下渐行渐远,走出一条属于自己的道路。
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浅议油画技法的表象论文（共12篇）
