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篇1：分析巴洛克艺术的诞生及其美学追求论文
分析巴洛克艺术的诞生及其美学追求论文
【摘 要】欧洲继14-16世纪的文艺复兴之后，在17世纪的艺术中心意大利又产生了与之相反、全新的艺术风格--巴洛克艺术。巴洛克艺术产生之后，迅速传遍了意大利甚至整个欧洲，本篇论文重点从宗教绘画、逆反规律两方面，分析巴洛克艺术背后的文化传统及美学追求。
关键词巴洛克艺术；宗教改革；逆反规律；鲁本斯；意大利
尽管巴洛克艺术被18世纪的古典主义者嗤之以鼻、视如敝屣，但随着时间的不断流逝，它们非但没有灭亡，反而成为了艺术发展浩淼烟海中一颗璀璨的明珠。巴洛克艺术主张不规则、不完美、有瑕疵，崇尚奢华、激情、运动、空间立体感和丰富的想象力。巴洛克艺术是一种艺术风格，对立与文艺复兴时期的艺术；也是一种艺术思潮，它影响了包括绘画、建筑、音乐、舞蹈、雕塑等等诸多艺术门类；同时它又指一个艺术时期，而这个时期就是十七世纪。
一、巴洛克艺术与宗教
1.巴洛克艺术与宗教之间的渊源。回顾中世纪艺术和文艺复兴，意大利一直都占据着极其重要的位置。十六世纪末，意大利由于欧洲商路的转移和国内**造成市场缺乏统一，商品经济受到了严重阻碍，直接导致了封建贵族势力的抬头，市民民主势力的减弱。[1]并且受之前文艺复兴思潮的冲击，德国的马丁.路德.金率先发起了宗教改革运动。马丁.路德的主张伤害到了教会的利益挑战了教会的权威。教会为了挽救颓势，便利用包括艺术在内的各种手段恢复教会的威信和地位，进而掀起了反宗教改革的运动。
在过去，天主教会认为追求感官享受是异教徒的邪说，而现在他们认为把教堂装饰得富丽堂皇是光耀上帝的表现。他们说，艺术是上帝善意的表现，可以启示并帮助信仰。因此，富丽堂皇的巴洛克艺术便因此产生了。
2.宗教题材在巴洛克绘画艺术作品中的体现。巴洛克画家之王：鲁本斯，这位天才画家创造的“鲁本斯风格”影响了整个欧洲。他的作品《圣乔治杀龙》是对拉斐尔的临摹，讲述的是一个取自《圣经》的故事：美丽的少女被当成牺牲品献给恶龙，圣乔治挥舞利剑杀死恶龙，成功救出少女。同拉斐尔的原作相比较，鲁本斯的这幅绘画作品体现了截然不同的神韵的风格。首先：主人公圣乔治的形象不同。拉斐尔笔下的圣乔治有着甜腻秀丽的女性气质，这是文艺复兴时代的风格；而鲁本斯笔下的圣乔治增添了男性粗狂的阳刚之气，肌肉强健，充满力量之美。其次：圣乔治胯下坐骑--战马的形象不同。拉斐尔笔下的马犹如一匹玉石雕成的马，精致温顺，；而鲁本斯笔下的战马，却如同在地狱野火中纵横驰骋的野马，飞扬的马鬃，抖动的缰绳，极富动感；再次：恶龙的形象不同。在拉斐尔笔下，长枪已断，翅膀承载不了身体的恶龙，完全失去反抗，等待着圣乔治利剑的落下，；而鲁本斯的画中，尽管恶龙的长枪被折，但它居然还有一只人手，握着断枪，困兽犹斗，表情狰狞；最后：少女的形象不同。拉斐尔笔下的少女，苗条秀丽，甜腻温婉，符合拉斐尔时代的审美标准；而鲁本斯笔下的美丽女性，却有着动感十足的野性力量，丰满大气。同拉斐尔的原作相比，鲁本斯的临摹更富有动感，在颜色的运用上也更加繁丽复杂，体现了巴洛克时代对美的不同追求。同样的宗教题材在鲁本斯的《美惠三女神》中也有所体现。再比如意大利著名的巴洛克画家科尔托纳，他的巴尔贝里尼宫的天顶画，那宏大的画面，开阔的空间，飞翔的人物，带给欣赏者以动感、激情、和幻想。诸如此类的绘画作品这里就不再一一列举。
二、逆反的艺术发展规律是巴洛克艺术产生的又一大原因
1.“逆反”在这里即是指“向反面转化”的艺术发展规律。14-16世纪是欧洲的文艺复兴时期，最后到达芬.奇、米开朗基罗、拉斐尔，至此文艺复兴时代的艺术达到了最高点。然而之后的艺术家们无法超越前辈们的.艺术作品，因此陷入了彷徨无措中。艺术家们不愿意生活在前人辉煌的阴影下，因此只能另辟蹊径。而最直接又起效最快的無疑是“走相反的路”。
文艺复兴的艺术讲求规则、完美、平面、静态之美，那么巴洛克艺术就恰恰与之相反，崇尚不规则、不对称、不完美、空间立体、灵活动态之姿。巴洛克艺术在一定的意义上来说，就是对文艺复兴艺术风格的反动。
2.“逆反”规律在绘画艺术作品中的体现。例如文艺复兴时期达芬.奇的著名画作《最后的晚餐》，整幅图画呈现给人们的感觉就是：
（一）对称性。耶稣是整个画面的中心，左右各有6个门徒，每3个门徒组成一组，两边各有两组；
（二）三角形稳定结构。四组门徒和耶稣，一共五组。每一组的形状都是三角形，在视觉上给人以稳定感；
（三）正义和邪恶区分鲜明。耶稣是正义的化身，而犹大则是邪恶的代表。
再来看巴洛克时期鲁本斯的作品《劫夺吕西普斯的女儿》，呈现出来的是同文艺复兴时期截然不同的感觉：
1、不对称性。整幅画面中，两个黝黑的壮汉、两位美丽丰满的女性、两匹激昂的战马全都交错在一起，重叠纠缠，画面中没有谁是绝对的主角，更没有什么三角形稳定结构，只有人仰马翻的争夺撕扯喊叫；
2、极富动感。画面中的人物和马匹都呈现出向四面八方伸展的趋势，飘舞的头发、扭转的身体，具有强烈的动态感；
3、没有善恶之分。画面中的的两个女人尽管表现出挣扎和反抗，但同时又有几分兴奋和接受。在画面前方的那个女人甚至向上挺了挺身体，以求那个男人尽快把自己带走。因此这场争斗抢夺中没有善恶之分，在画面的左边，甚至连天使丘比特都来祝福他们。
就在巴洛克艺术如日中天的时候，整个欧洲大陆的格局开始发生变化，这一因素促使了巴洛克艺术迅速转向没落甚至衰亡。欧洲大陆的艺术中心从意大利转移到了法国，遵循着“草创-繁荣-衰亡”的艺术发展规律，随着另一种新的艺术流派洛可可艺术的诞生，巴洛克艺术走向了衰落和消亡。
参考文献：
[1]马方胜.巴洛克艺术与宗教的链接--试论17世纪巴洛克艺术的特色[J].中国社会科学网.第5期
[2]周晓亮.自我意识、心身关系、人与机器-试论笛卡尔的心灵哲学思想[J].自然辩证法通讯.第4期
[3][4][5]杨琪.你能读懂的西方美术史[M].中华书局，.8，第176；200；204页
[6]何静.文艺复兴时期的艺术风格和巴洛克艺术的比较[J].广西教育学院学报.20第4期
篇2：基于心理学分析观念艺术中的美学需求论文
基于心理学分析观念艺术中的美学需求论文
19，杜尚恶作剧式地把一个命名为《泉》的白瓷小便器作为作品送去美展，并且宣布： 艺术的最终目的是表达观念，而不是用艺术技法制作的成品。这不仅引发了艺术界最为强烈的地震，也为后来观念艺术的产生埋下了伏笔。1961年，美国音乐家亨利·弗林特（Henry Flynt） 在《随笔： 概念艺术》中率先使用了“观念艺术”一词。他认为，声音是音乐的物质构成，同样道理，艺术的视觉含义依赖于文字，“观念艺术是以文字为材料的艺术”.（ 徐淦，）1967年，观念艺术家苏尔·列维（Sol Lewitt） 发表了《论概念艺术》，标志了“观念艺术”已经形成一种艺术流派。观念主义之所以能够形成，除了杜尚迈出了关键的一步，还有赖于其他的学科理论，特别是心理学的帮助和推动。
1观念与体验的心理延伸
纵观西方艺术史，它的发展主要分为三个阶段：18世纪之前，古典艺术中最重要的是结构要像数学一样清晰明确，任何事物的表达都要遵循形式美法则，重视理性而忽视感情。它致力于精准地再现自然，以“自然美”为美学特质；19世纪，现代艺术以抽象的形式摆脱了传统透视习惯，打破了自然主义的框架，赋予艺术一种新的秩序。它从原来的再现客体开始向表现主体转变，不断地追求自身的纯粹性，以“艺术美”为美学特质；20世纪之后，以观念艺术为代表的当代艺术直接放弃了一切形象化和具体化的艺术行为，艺术只剩下了对艺术行为的语言记载，观念艺术的命题是： 观念或系统比作品本身更为重要，并最终取代了作品。（ 滕守尧，） 德国艺术家约瑟夫·博伊斯（Joseph Beuys） 曾经宣称：“人人都是艺术家，一旦与他们相应的自由创作活力被激发并彰显出来，他们固有的艺术癖好就会使无论何种媒介都转变为艺术作品。”（ 马永健，） 他的观点的核心，实际上就是人本主义心理学的艺术体验。艺术体验作为一种精神手段，它能使人们在观念层面上改变自己的生活，把日常生活中毫无意义的、无趣的和不幸的体验转变成有意义的、有意味的和创造性的体验。艺术体验能使人超越自己的日常意识，超越个体生命的有限性和暂时性，从而认识到存在的本质和生活的真谛。（ 马斯洛，1987）
马克思（Karl Heinrich Marx） 说过，社会存在决定社会意识，经济基础决定上层建筑。所以无论何种艺术形式，其所反映和表现的都是当时社会变化给人们带来的社会心理特征，观念艺术也不例外。它兴盛于20世纪60年代，正是新旧各种矛盾的思想观点进行交锋的时期，这种交锋以广泛的革命的姿态出现在世人面前： 非洲各殖民地国家纷纷独立，而与之对应的却是柏林墙把德国一分为二； 美国国内民权运动的不断胜利，而越南战争却节节败退； 卡尔森以《寂静的春天》在美国率先洒下了“环保”的思想之种，而与之对应的却是发展中国家开始大力推广在农业领域应用农药。
在这种挑战权威和反叛传统的环境土壤中滋生出的观念艺术也明显具有艺术心理学的特征。首先，它表达对于社会与政治的想法。作为观念艺术的代表人物，德国艺术家约瑟夫·博伊斯在第二次世界大战中曾经是德国的空军飞行员，在一次飞行任务中被苏军击落，幸运地是他被西伯利亚的鞑靼人发现了，并用油脂、毛毡和奶制品挽救了他，而油脂、毛毡和动物等等也成为他以后创作的主要材料。博伊斯认为暴力是一切罪恶的根源，他反对以暴力去争取和平。而艺术则被他认为具有革命潜力，艺术创新是促进社会复兴的无害的乌托邦。博伊斯试图用艺术去重建一种信仰，重建人与人，人与物以及人与自然的亲和关系。博伊斯的代表作品《油脂椅》用动物油脂堆积倚靠在一张普通的椅子上“装配”而成： 椅子是躯体或人的隐喻，而冰冷的油脂可以转换成无穷的能量。他的观念是油脂贴在人体情欲所在的地方，可以驱除物质的冰冷、恢复人间的温暖。作品诱发了人类对战争悲怆的回忆和对生命脆弱莫大的同情，油脂已超出它的现实意义，寄寓了艺术家某种敬畏的情绪和宗教化信念。（ 柳沙，）
观念艺术家就战争、性别、阶级、政治、历史、大众文化、环境保护等各种方面问题发表自己的看法，他们的实践活动就像一个由各种文化折射而成的万花筒一样，打破了前卫与低劣、传统与现代、中心与边缘、严肃文化与通俗文化等等相互对立的概念体系，变得混杂而折衷。观念艺术家认为，观念是作品中最重要的核心，艺术活动不仅仅限于形与色的框架，而且还应该依照艺术的总体概念，并进一步探究一切艺术主张的功能、含义和应用。
其次，它表达对于哲学的思考。约瑟夫·科苏斯（Joseph Kosuth） 在1965年创作的《一把和三把椅子》表达了如何把艺术的视觉形式直接向观念过渡的思路。这个作品是由一把真实的椅子、这把椅子的照片、一段从字典上摘录下来的对“椅子”这一词语的定义三部分构成。科苏斯提供了关于这把椅子从客体到主体的全部可能性，并以此探讨文字、现实和图像三者之间的关系。他想要表达的意义是： 椅子（ 实物） 这一客观物体可以被摄影或者绘画再现出来，成为一种“幻象”（ 椅子的照片） ,但无论是实物的椅子还是通过艺术手段再现出来的椅子的“幻象”,都导向一个最终的概念---观念的椅子（ 文字对椅子的定义）。椅子所体现的三个部分的形态，就是艺术形式和艺术功能关系的形象的图解。以实物为依据的图像最终是为了给人提供一种观念，艺术品提供的观念才是艺术的本质。当艺术家想在根本上抓住艺术的本质时，他完全可以抛弃艺术的形式部分，直接去抓住观念的部分。根据这种逻辑，对可视的形的轻视和对内在的信息、观念和意蕴的重视就成了观念艺术的核心。（ 图1）
最后，它表达艺术自省的观念。劳伦斯·维纳1988年创作的《以手形成的硫磺与火的空间》是他的代表作之一，英文“Fire and Brimstone Set in a Hol-low Formed By Hand”和标题相同的文字用巨大的无装饰大写字母画在画廊的后墙上。然而，作品的重心不在于字母的形式，甚至也不在于它们同空间的关系，这些都是审美上的特点。句子本身以及它在观众脑海中产生回想和思考的方式，这才是作者的意蕴所在。作品包含着这样的意思： 文字并没有绝对确定的含义，他们甚至不构成完整的句子。他们可能是一首诗（ 是文学作品而不是艺术作品） 的一部分，是从文中节录下来的。维纳似乎是在告诉我们，我们现在已经习惯于日常使用的语言，因而对于“单词”会产生一种近乎条件反射的反应。在此意义上，单词与其所指代的事物是可以互换的。这一作品用“火”这个特殊的单词将这一司空见惯的，人们已经忽视的现象内部所存在的冲突与矛盾揭示了出来。（ 图2）
在观念艺术家看来，艺术主张的合法性并不依赖于对事物的属性进行经验主义的预想，更不取决于对事物属性的美学预想。艺术家关注的不是材料与形式，而是其背后的观念和意义。因此，他只关心与方法有关的两点内容： 首先，哪一种艺术对于观念的发展有所帮助； 其次，如何才能使他的主张与发展相互契合。
总而言之，观念艺术的人本心理学体验是对形式主义和传统审美趣味的破除，使艺术的支点由形式转向表述的事物，而不是描述实在物体或精神物体的行为； 它们表达艺术的观念或者艺术观念所产生的正式结果，十分注重自身的思考纬度，并以观念的状态来面对世界。观念艺术使艺术与传统的展示环境、存在方式以及欣赏、占有方式相脱离，并且通过这些艺术形式将艺术创作、表现、接受、批评集于一身，将艺术、生活、作者、观众融为一体。
2观念艺术的景观心理实验
当代艺术家不仅仅在反叛传统的艺术概念以及突破传统的艺术体制上下功夫，更多考虑的是作品所具有的社会学或者心理学意义。这使得观念艺术的意义不断扩大，正如柯索斯所说，杜尚以后的所有美术都是观念的，因为美术只是以观念的方式而存在，从艺术追求观念方式上讲，大地艺术、偶发艺术、表演艺术、身体艺术、行为艺术、装置艺术等等都可以归入观念艺术的范畴。由此，观念艺术突破了艺术所固有的所有界限，艺术的形式和意义就比任何时候都更为泛化。
观念艺术的非物质化概念对整个艺术领域的震动是巨大的，其直接的结果便是迫使艺术家们更为深入地思考艺术作为一种非物质化形态的多种可能性。就景观领域而言，虽然没有艺术和建筑的先锋性，没有自己的挑战宣言，也没有像建筑那样受到种种责难，但是作为一种思维观念的革新和一种强大的文化冲击，观念艺术的质疑对其所产生的影响和反思亦是巨大的，这是艺术的生命力泛化过程的必然。玛莎·施瓦茨在接受访谈时说道：“当我学习景观设计时，就发现这个行业侧重于传授有关技能、传统以及高品质材料应用方面的知识。我认为其对技术及材料的重视过多，而对设计思想方面的关注或兴趣太少。在艺术领域，观念是设计的核心，而在景观设计领域则是功能占据核心地位。”（Elizabeth,2001） 景观设计师们逐渐意识到在现代工业社会，理性已经物化为科学技术，变成了实用目的的手段和奴役人的工具。理性把主体和客体割裂幵来、对立起来，一味强调人对自然的占有、改造和征服，使人和自然处于敌对状态。现代工业文明和技术理性的发展严重地压制了人的诗性和感受力，人们丧失了体验的能力，甚至丧失了对体验之必要性的认识。因此，观念和体验的成分在景观设计创作领域中正在逐步加重，其结果往往产生某种带有强烈风格特征的艺术实验。
观念艺术的景观虽然受到艺术思潮的影响，但就具体的景观项目而言，作为一项社会性的活动，它还受制于整个社会政治、经济、科技等各个领域的发展，这也是促成艺术和景观设计思想发生变化的共同基础。
自从20世纪80年代晚期以来，全球经济发展和新技术的影响，特别是移动设施、交流设施和新媒体，完全重构了世界。全球化的力量模糊了国家的边界，增强了城市的融合、增加了社会环境和景观的'新压力、分裂社会成为无数的子文化。就这些方面，社会学家乌尔里希·贝克（Ulrich Beck） 写到： 西方面临着挑战它的社会和政治系统的基本前提的问题。现在我们面临的关键问题是，是否西方所标榜的资本主义和民主之间的历史共生体能够在不损失它的物质、文化和社会基础的情况下得到全球化的普及。（Ulrich,1994）
当代景观艺术的实践显现观念艺术心理学的特征，表现为已不满足于单纯地建立在对环境的视觉化表象传达，更多地希望阐述一个概念的意义和唤起人们对当下人类生存环境现状的思考。与时代同步的生活方式的转变也对人们的精神需求和广泛公众参与的民主化社会形态提出符合当代的表述形式。从当代景观的发展趋势来看，解决当前社会形态下环境与美学和生态的关系成为主要方向，如何营造符合生态需要和可持续性发展，并能在艺术体验上给人以全新感受的新景观成为当代景观的主流。
3哈格里夫斯---对美的心理探求的观念设计
马斯洛（Abraham H. Maslow） 认为，艺术体验就是一种高峰体验。处于高峰体验中的人想象更丰富、更有诗意、有着更敏锐的审美直觉，“真正的人正因为他是真正的人而可以变得更像诗人、艺术家、音乐家和先知。”（ 荷尔德林，） 哈佛大学风景园林系教授乔治·哈格里夫斯（George Hargreaves） 被称为“风景过程的诗人”.他的艺术创造性除了表现在艺术作品上，还存在于他创作前及创作中的体验时期。他把对事物的感悟通过想象的方式，把自身置于体验对象的位置去设身处地体察和领悟，从而获得超越自身经验的新体验。从哈格里夫斯艺术体验的创造性方面研究，可以概述为三个阶段---各美其美、美人之美、美美与共。
哈格里夫斯对景观体验的第一个阶段与他青少年时代的游历生活有着紧密的联系，在一次攀登洛基山脉国家公园的一座高峰的过程中，他偶然看到一些美丽的、纤弱的小花穿透初夏的积雪在山上璀然绽放，于是突然感悟到一种类似于爱默生的“位于恐惧边缘的愉快”和与自然融为一体的兴奋，产生“一种思想、身体和景观联系在一起的奇异的感觉”.（ 王向荣，林菁，2007） 哈格里夫斯通过自然的美召唤出了作为真正人的感性，他发现只有艺术才能彻底解放他的感性。于是，在他叔叔的引导下，哈格里夫斯开始了景观设计专业的学习。
第二个阶段是哈格里夫斯学习景观设计的过程。当他 初 次 见 到 大 地 艺 术 家 史 密 森 （RobertSmithson） 的作品时，就被大地艺术所表现出的力量所震撼。史密森的作品将景观概念当作一种理念，使哈格里夫斯产生一种“像灯塔般照耀在那些被设计的景观中焦枯的土地上的感觉”,（ 马斯洛，1987）让他顿悟到时间、重力、侵蚀等自然的物质性与人的出现可以发生互动作用。他认识到文化对自然系统会产生潜在的伤害，而生态学的方法又无视文化从而远离人们的生活。因此，他致力于探索介于文化和生态两者之间的方法即以物质性为本，从基地的特定性去找寻风景过程的内涵，建立与人相关的框架，其结果是耐人寻味的和多样化的。哈格里夫斯把这种方法比喻为“建立过程，而不控制终端产品”.也就是说，他在基地上建立了一个舞台，让自然要素与人产生互动作用，哈格里夫斯称之为“环境剧场”.各种自然元素，如水、风的痕迹、乡土植物、野生花卉等都顺应基地自身生态系统特点的基础上，用艺术化的手段使之成为人们公共活动的空间。但他设计的景观是自然的而非自然状的，是对自然的提炼和升华。正如荷尔德林（Friedrich Hld-erlin） 所言：“艺术家的眼光不是被动地接受和记录事物的印象，而是构造性的，并且只有靠着构造活动，我们才能发现自然事物的美。美感就是对各种形式的动态生命力的敏感性，而这种生命力只有靠我们自身中的一种相应的动态过程才有可能把握。”（ 张红卫，）
第三个顿悟发生在1982年，当哈格里夫斯在夏威夷参加一次会议时，亲眼目睹了一次飓风的袭击。他认识到飓风那种可怕的美丽与古典主义式的、神圣的、富有秩序感的美和如画式的、不规则构图的美完全不同，那是一种与自然的创造力和破坏力相联系的美，是一种与变化、无秩序相联系的美。他产生了一个新的想法，“为什么静态的景观被认为是正常的？ 也许是改变我们对美的概念的时候了。”（Beardsley,） 哈格里夫斯创造的是一种全方位的、动态的、开放式的景观构图，表达另外一种自然美的愿望，变化、分解、崩溃和无序成为他景观表达的主要方向。艺术体验包含了体验和创造的过程，而两者又是相互融通的。体验的过程同时是创造的过程，创造的过程同时也是体验的过程。哈格里夫斯对自然的理解不单单是一种重建的过程，同时也包含了他对自身体验的富有创造性的过程。
1983年哈格里夫斯创立了哈格里夫斯设计事务所，开始了景观艺术实践的新尝试，其代表作包括圣·何塞市中心广场公园、烛台角文化公园、加州绿景园和拜斯比公园等。在这些设计中，哈格里夫斯将基地与城市的历史和环境糅合在了一起，使这些作品不仅具有生态主义的特征，还具有更深层次的文化内涵、地域性和归属感，从而成为易于被人们认同、接受的场所。在他的作品里，时常以一种动态的、开放的系统来容纳自然的演变和发展的进程； 用科学的生态过程分析，创作出既合理又夸张的地表形式和植物布置模式。哈格里夫斯认为景观是一个人与自然互动的舞台，它是公共生活的基础和背景，是与生活相关的艺术品，是对大自然的动力性和神秘感的诠释，并同时是一个文化体验及艺术形式相综合的产物。（ 图3）
哈格里夫斯始终在不断思索景观艺术的新观念，而不是延续传统的模式，从进化心理学的角度来看他的创作，并不是因为他拥有专门用于创造观念景观的特殊适应器，而是因为我们拥有“能够从形状、颜色、声音、笑话、故事和神话传说中获得愉悦”的进化心理机制。（ 戴维·巴斯，）
他将观念与自然、艺术体验与人类联系在一起，将自然地演变和发展的进程纳入开放的景观系统中，其中，既有“诗意”的成分，也有生态的成分，既有人文的成分，也有科学的成分，表现出很强的有机性、概念性，形成一种能够刺激大众心理机制的信息的设计风格，为当代景观设计带来了一股新风潮。
参考文献
戴维·巴斯。（2015）。进化心理学---心理的新科学 （ 张勇，蒋柯 译）。北京： 商务印书馆。
荷尔德林。（1999）。荷尔德林文集 （ 戴晖 译）。北京： 商务印书馆。
柳沙。（2009）。设计心理学。上海： 上海人民美术出版社。
马斯洛。（1987）。自我实现的人 （ 徐金声 译）。北京： 三联书店。
马斯洛。（1987）。存在心理学探索 （ 李文滟 译）。昆明： 云南人民出版社。
马永健。（2006）。后现代主义艺术20讲。上海： 上海社会科学院出版社。
滕守尧。（2001）。审美心理描述。成都： 四川人民出版社。
王向荣，林菁。（2007）。西方现代景观设计的理论与实践。北京： 中国建筑工业出版社。
徐淦。（2004）。观念艺术。北京： 人民美术出版社。
张红卫。（2003）。哈格里夫斯。南京： 东南大学出版社。
Beardsley,J.（1996）。 Poet of landscape process. Landscape Ar-chitecture,12（44）。
Elizabeth,B. R.（2001）。 Landscape design:A cultural and archi-tectural history. Harry N. Abrams,Inc.
Ulrich,B.（1994）。 The reinvention of politics:Toward a theory ofreflexive modernization. England. Polity Press.
篇3：建筑美学分析与论文
1.1 建筑美学的产生。自从世界上有了第一幢刚具雏形的房屋 ,
建筑美学就随着它的出现而出现了。建筑美学经历了一个从茅屋之“美”到广厦之“美”的发展过程, 它的每一步发展都以一定的社会物质条件为基础, 而“美”的最后形成, 还有赖于人的意匠, 加工和创作。真正美的建筑艺术、美的建筑形式和构图, 都不是凭空产生的, 是建筑技术、材料、结构和构造等物质方面的因素所决定的, 是人类孜孜以求的结果。大量历史事实表明, 建筑美学的产生不但具有客观性的一面, 而且有着主观性的一面, 材料、结构和构造等物理方面的问题属于美的客观范畴, 人的心理机能和智慧创造, 属于美的主观范畴, 前者是产生美的实际条件, 后者是产生美的真正动因。
1.2 建筑美学的划分。随着建筑美学的产生, 就出现了各种各样的对建筑美学的意义的争论, 一般认为建筑美学有狭义和广义之分。通常地说, 狭义建筑美学是指单体建筑美学, 是指美的房屋、美的造型、美的装饰; 而广义建筑美学则把建筑放到广阔的特定时空背景中去研究, 它跨越单体, 走向群体, 跨越房屋自身, 走向整体环境, 跨越单体建筑, 走向城市。前者旨在揭示单个建筑造型美的规律和艺术特性, 而后者侧重于从建筑美学的边界条件, 从建筑物与其周围环境的相互关系, 以及从建筑街道、广场、区域乃到城市的宏观角度, 去把握美的特性,研究建筑美学的问题。狭义建筑美学的核心是源于维特鲁威 建筑十书 的建筑三要素。英国建筑理论家柯林斯也认为实用、坚固、美观的提法很全面, 不能去掉其中的任何一项。
1.3 我国对建筑美学的定义。对建筑美的解释有多种多样, 我国出现的主要有三种: a. 新功能论 , 认为建筑师在创作过程中只不过在复杂而严格的功能、技术、经济条件下尽量按照形式美的法则推敲外形罢了, 这一观点基本否定了除了“形式美”以外的任何建筑“艺术美”的形式。b. 两层次论 , 认为建筑物的美可分为“形式美” 和“艺术美” 两个层次, 前者具有一般形式的审美性质, 而后者还具有较强的思想性和艺术性。c. “系统” 建筑美论, 即把建筑美的意义放在宏观的建筑大系统中去考察, 一反传统的从功能到形式的线性思维 模式。
篇4：建筑美学分析与论文
3.1 时间与空间性特征。建筑美具有时间性, 我们对建筑美的欣赏必然要置于历史长河之中, 不同历史时期, 我们对建筑美具有不同的评判标准及要求; 同时建筑美又具有空间性, 建筑空间是人化的 四度空间 , 它是建筑美的独特魅力所在。
3.2 时代性特征。建筑美是不能脱离特定时代的, 它是一定时代意识形态的显现, 必然体现时代文化特征在建筑上的烙印。
3.3 民族和地域性特征。建筑美在属于时代的同时, 也是属于地域和民族的。密斯在《 谈建筑》 中说到, “希望的神庙罗马的巴西利卡和中世纪的教堂使我们觉得有意义是在于他们都是整个时代的创造, 而不在于他们是某个个别建筑师的作品, 他们真正意义在于他们是时代的象征”。的确, 建筑美是来源于生活的, 是对生活的一种高度概括和升华。因而, 建筑美必然是属于时代与民族的, 只有把个人的情感思想融入到整个民族文化乃至全人类的情感表现中, 从而在时代情感中抽象出共同的元素。这样创作出来的建筑才更具有魅力。
4 结语
随着社会的发展和人类的进步, 可持续发展的美学观将更加成熟和完善, 必将成为建立在广义基础上的审美价值标准。通观建筑美学的种种理念, 人们能深刻地认识到, 建筑的美难以一言以蔽之, 因为它不仅仅是视觉的艺术, 还包括了听觉、触觉、味觉、心理感
受等等许多因素, 又融合了技术、理念、环境、审美的主动者与被动者等等方面于一体。展望未来的建筑美学观,它必将是一种可持续发展的美学观, 融合系统论、环境学与生态美学等多种学科, 把自然、生态和社会作为一个完整的系统, 将人与自然的相互依赖、相互和谐作为审美的理想。
参考文献:
[1]傅雁.建筑美[j].中外建筑,(6):9 11.
[2]顾大治,徐震,左光之.感悟建筑美 [j]. 山西建筑,
,32( 4) : 15 16.
篇5：建筑美学分析与论文
【摘 要】建筑是一种综合性艺术,是一部凝固的史诗。它积淀着人类的历史,体现了各国人民丰富的想象力和独特的思维方式。本文主要从建筑美学的产生、建筑美学的划分及其定义出发,分析研究了建筑美学的意义主要体现的几个方面,并通过对建筑美学的原则和特征进行了深入的探讨,以期有助于人们全面认识建筑美学。
【关键词】建筑美学；设计；美学观
前言
人们探索美, 并努力地创造美, 但是“美是难的”, 有没有建筑的永恒之道来阐述美的原则, 如果研究建筑美的形态, 那么有造型美、空间美、环境美; 如果研究美的机制, 可以从美感心理、审美中介、理情寓合等因素来探讨; 如果研究美的客观规律, 甚至可以追溯到自然界最基本的存在法则。这些多方位的阐述无非是在寻求一种美的普遍规律。人类文明开始以来, 人们在征服自然和改造自然的过程中, 通过无数次的生产劳动, 有意无意地总结出一些共同经验, 这些共同经验演变成为群体中的一种思维方式, 在人的内心深处沉淀成衡量美的原型标准, 符合这种标准的建筑激发出读者隐藏的潜在心理本能, 得到群体的共鸣, 于是被公认为是真正美的建筑。
篇6：建筑美学分析与论文
2.1 建筑能真实地反映一个时代、一个社会形态、一个家庭, 概言之, 就是建筑物拥有者的政治文化、经济状况, 具有真实美。真实是美的内核, 建筑的美学价值首先在于, 通过对建筑的`审美, 可以窥见这个建筑物或建筑群所构建的社会、时代或家庭当时经济、政治、文化之真实状况。反过来, 又可以通过对建筑的审美,窥见当时的经济、政治、文化的状况, 对建筑美的构建的支撑力和制约力。说建筑是凝固的历史, 是凝固的史诗, 就是从这个意义上说的。法国的埃菲尔铁塔、荷兰阿姆斯特丹的原子塔, 人们通过对这两个不同时代的建筑物的审美, 可以看到工业时代和原子时代的社会、政治、经济、文化的真实状况, 并且是勿庸置疑的。
2.2 建筑反映一个时代、一个社会科技进步状况、创新能力, 以及那个时代, 那个社会形态下人们的审美情趣、审美价值取向和美
学追求。应该说, 一个时代、一个社会科技进步状况、创新能力, 决定这个时代、这个社会所建造的建筑物的科技含量和创新能力水平。反过来, 通过对一个建筑、一个建筑群的审美, 也可以窥见这个建筑物、这个建筑群所建造的社会、时代的科技进步状况和创新能力。科技和创新是美的内涵, 是美的创造的原动力, 是美的母体。一般意义上的美是如此, 建筑美亦是如此。
2.3 建筑的实用性, 也就是建筑的实用价值, 同样是建筑美的美学意义的重要体现。建筑的美学意义在很大程度上体现在这个建筑物或建筑群的实用性(实用价值) 。美的感受在很大程度上来自于实用, 建筑尤为如此。一般说来, 建筑都具有一定的实用性。而实用性有直接实用性和间接实用性之分。没有实用性, 就很难说有什么美的感受, 也就谈不上什么美。实用价值可以产生舒适, 可以产生愉悦, 可以激发美感, 让人感受美。显然, 建筑的美学意义, 体现在其实用价值上。反过来, 建筑的实用价值, 彰显建筑的美学意义。
2.4 建筑的美学意义还体现在建筑的鉴赏价值 ( 也叫观赏价值) 上。一个好的建筑物或建筑群及其环境, 可以构成一个很好的建筑景观, 具有很高的鉴赏价值。一般说来, 建筑及其环境是同步设计,同步建造的。建筑群尤其是这样。环境强化了建筑物或建筑群的美感, 环境又扩展了建筑物或建筑群的美的内涵和外延, 有了建筑主体, 有了与主体建筑和谐映衬的环境, 其观赏价值是不言而喻的。一个好的建筑物或建筑群及其环境, 它( 它们) 的外观、神韵
都具有很高的观赏价值。
篇7：语言的美学艺术及其价值论文
语言的美学艺术及其价值论文
本文欲通过分析英语美学艺术语言和语言艺术的跨文化性意识及其历史地位和作用，从以人为本的人文角度探索英语学习的动机、方式及方法内在动力，探讨其对教者与学者乃至对世界民族文化交流的影响。一、语言文化的共性——跨文化意识语言
随着人类文明的发展与进步，语言作为人类文明思想与文化沟通与交流的工具，与其说是思维与交际的工具，毋宁说是一种文化意识形态。
世上的语言成千上万，但除了肢体语言(body language)、手语(gesture language)或脸部表情(facial expression)等辅助语言(paralinguistic)外，它们之间却鲜有可以共通到可以自然交流与沟通的目的。只有使用同一种语言——如本族语（native language），包括不同的人掌握了两门以上不同的语言，并在交际时与对方使用共同的语言交流的时候，语言的交际性才会被充分展现出来。而更具有沟通力与价值的则是以各种辅助语言为基础，结合科学语言发展而来的艺术语言及其语言艺术。例如音乐、诗歌、美术、设计及各类肢体、体态语言艺术的演艺、戏剧等等。
由此我们也可以看出，思想文化又或是语言文化即便有再大的差异(cultural differences)，亦会有其共性(general characteristics)。而思想文化及语言文化的共性，大都集中并表现在其文化语言及语言文化的美学艺术性，即艺术语言(art language)上，特别是在语言文化的美学审美价值、美学意识以及艺术语言和言语艺术的创作与表现的过程中。这也正是各类语言的美学审美艺术(the art of aesthetic)与实用价值的意义所在，即语言美学文化(aesthetics culture)的跨文化意识(cross-cultured awareness)的共性与魅力。
二、思想与文化的瑰宝：艺术语言及语言艺术
1．艺术语言与言语艺术释义
什么是艺术语言？著名语言学家骆小所认为：“艺术语言是情感思维的言语形式”。他将艺术语言中的文境解释作“一种虚无之境”，“是发话人主观情感和反映对象的统一，是—个深层境界的创造（形与神统一，情与理统—）……它不仅给受话人感到直观无隔，而且气韵生动，传神显心。它具有美的韵味”。按骆小所所说，“语言学可分为科学语言学和艺术语言学，艺术语言依据的是情感、想象、直觉和下意识等。所以，好的艺术语言读者不是用来读的，而是穿过眼帘用心感受的”。孙志刚则认为，语言是一种“精神创造活动，语言艺术化本质是语言与现实之间的一种审美关系。”
邓瑶则将艺术语言释义为物化形式的感性显现(Artistic language-perceptual appearing by object concreting)。杨育彬则将艺术语言解释作审美形象的符号和载体，是经过艺术加工的富有感染力的语言。是而，艺术语言当属跨文化共性意识的语言文化范畴。
而从人类语言（文明）的发展历程来看，艺术语言及语言艺术都应属于语言的美学艺术范畴，是交际语言的升华。交际语言则是艺术语言的基础及基本的生存及营养素材。科学语言既有交际语言，也有艺术语言。艺术语言是从属于生活的美好思想、文化及愿望的审美美学需要。
艺术语言学虽是骆小所先生于1992年提出的，他却将该学科定义为一门边缘学科，认为艺术语言与修辞学、语用学、社会语言学、文学、美学、符号学、社会学、心理学、思维学科都有密切的联系，并且与其他相关学科既有区别，又有联系。
骆小所对艺术语言的解析可谓透彻。然而，从人类社会的发展与联系越来越密切及人们对美好生活及思想文化越来越高的追求来看，如今的知识爆炸式信息化社会使得人类社会变成了名副其实的地球村，它们之间的关系已成了相辅相成和相互提高的互动发展关系。故而，艺术语言早已成为非纯粹的边缘学科或偏殿型语言了。它已融入到了现代人的日常生活中，并成为人们工作、生活、精神与事业发展不可或缺的一部分。
语言的美学艺术则可以称之为艺术语言的一种表现形式。它们与艺术语言一起构筑了美学语言文化。它涵盖了各类文学艺术中各种语言艺术的表达、运用与创造，是生活美学语言在现实生活中的展现，包括演讲、歌唱及诗歌的朗诵艺术等等。还有诸如语言的幽默艺术、课堂语言艺术、诗歌及各类音乐等美学语言艺术和艺术语言。
篇8：室内设计美学的应用分析论文
地中海式的室内设计风格在当前国内应用得越来越普遍，就是因为其设计理念中显著的异域风情特色以及纯色清新的格调。所以在国内当前的室内设计中从空间形态、色彩特征、建筑装饰材料以及装饰图案等方面都良好的引用了地中海式的设计风格，让整个室内设计的艺术性得到了更加多元化的呈现。
地中海是介于亚、非、欧三洲之间的广阔水域，这是世界上最大的陆间海，同时作为三个大洲的连接海洋，传承而来的艺术风格也同样受到了多种文化的影响。地中海式的建筑设计风格受到很多当地本土文化，诸如古希腊神庙等建筑，以及相应的宗教信仰的影响，多以纯色调为主，同时地处海岸，蓝白相互结合是地中海式设计风格的最明显体现。也就是这样一种异域色彩强烈同时清新单纯的室内设计风格以及相应的色彩、图案等搭配理念在当前国内运用的非常风靡。
在空间形态和色彩特征上对地中海室内设计美学风格的应用
1.在空间形态上对地中海室内设计美学风格的应用
地中海式的室内设计风格最重要的特点就是那种亲近海洋的自由和宽广，一种贴近自然的气息。所以在空间形态上对地中海式的室内设计运用最重要的体现就在于那种亲近自然的通透性。在国内的很多城市被称作是钢铁森林，可见对于室内设计方面，还在局限于将空间分割细化最终造就成一个个钢铁堡垒，但是很明显，这样的室内设计风格并没有受到人们的喜爱反而容易产生压抑和束缚感。
但是设计上的通透性就能良好的将整个空间与周围的环境融洽得更为和谐。人类的生活本身就会对周围环境产生一定的改变和影响，日积月累之下人类和环境的矛盾也就会越来越大。在地中海的当地居民，世代生活在海边，非常能够理解并且愿意与大自然良好的沟通相处，所以有效的运用这样一种空间的通透性就是为了让居住者不再被限制在房间之中而是产生一种能够与外界交流沟通的自由渴望。
2.在色彩特征上对地中海室内设计美学风格的应用
在色彩上，地中海式室内设计多以纯色为主，而纯色中又以蓝白为主，因为在海边，蓝天白云，蓝海白沙这些都是与蓝白相关的自然景物，因为人们在进行建筑设计的时候更多的也是考虑使用相同的颜色来和环境更搭。而纯色正是体现了海岸边居民们生活中的纯净和清新。所以不论是建筑的外观还是室内，蓝白组合几乎成为了设计的标志，而纯色的使用也绝对是地中海式室内设计的主流思想。
在节奏越来越快的当前社会人们的生活压力也变得更大了，而蓝白组合往往能够给人一种清新舒适的视觉感官，同时更容易将自身的心情进行放松。并且单一的纯色调能够减少人们的视觉疲劳，更有助于让大脑迅速得到释放和休息。大面积的白色能够承受其他斑斓的色彩对比，而不会显得杂乱无序，起到统帅的作用，而在门、窗、局部地板等部位，则采用蓝色勾勒出艳丽明亮的地中海灵魂。
在建筑装饰材料和装饰图案上对地中海室内设计美学风格的应用
1.在建筑装饰材料上对地中海室内设计美学风格的应用
地中海式的室内设计风格中，在建筑装饰材料的选择上更加注重亲近自然，所以更多就会直接取材于一些自然材质。比方说木质的地板就是对于自然的最好诠释。实木地板虽然不像大理石或者瓷砖类型的地板一样结实耐用，对于一些居家式的室内设计往往更能贴近自然，给人以亲近感。同时对木材的一些纹理和仿旧工艺进行注重处理也能更好的体现出一种沧桑和厚重感。
而在墙面涂料中往往会混合一些小贝壳、细沙等材料，再加上一定的鹅卵石、有色玻璃、马赛克进行镶嵌装饰，往往就是地中海式装修风格在装饰材料上选择的重要特点。这些材料更多的贴近与自然和原生态，同时充满着海洋元素，除了能够让整个室内设计更好的体现出其亲近自然的特性之外，还有效的保证的材料对人体健康的无害性，因而这样的装饰材料选择理念得到了广泛的推广运用。
2.在装饰图案上对地中海室内设计美学风格的应用
而门窗具有典型的装饰特征作为室内设计中非常重要的视觉体现，其设计构想也是非常重要的。地中海式的设计风格拱门、马蹄状的门窗是常见的造型，也有简单的方框门窗造型，但均采用木材制作。由于通风的需要，门窗往往采用镂空或百叶的造型，甚至在室内家具的柜门上也运用了百叶的透空处理方法。这些特点都已经良好的运用在了当前国内许多室内设计理念当中。
同时，地中海装饰风格在细节的设计上特别细腻精巧，经常广泛运用螺旋形结构的配件，栏杆造型采用卷曲的图案，或是更为复杂的曲线编织的图案，还有运用敦厚的圆角来处理建筑的棱角，让装饰造型更富动感。这些图案以及装饰的选择良好的融入到了当前室内设计理念当中，让其视觉体现变得更为清新而不俗。
结束语
地中海式的设计因其清新的风格以及独特的异域风情在当前中国的室内设计业内得到了非常普遍的运用。主要是在很多的实际室内设计中都会很好的融入地中海室内设计美学风格的理念，一种清新自然且极具亲和力的视觉冲击良好的体现了出来。在形态、色彩、材料、图案方面地中海式风格的确有其不一样的特色值得在室内设计中进行借鉴和使用，同时也让整个室内设计所能呈现出来的艺术感官变得更加丰富多彩。
篇9：室内设计美学的应用分析论文
作为四大文明古国中始终在不断发展的中国，我们的传统文化有着几千年的发展历史，并且中国元素的底蕴和内容都异常丰富，是中华民族的灵魂与精神的体现。在室内设计美学教学中发掘中国传统文化元素，不仅可以有效拓展设计专业学生的创新思维，增强他们的民族归属感与自豪感，还有助于提升他们的审美水平。将中国传统文化的元素加入室内设计美学的教学中，可以让室内设计美学专业的学生对传统文化有全新的认识，进而积极主动地创新室内设计美学的中国风，这也是高校室内设计美学教学的职责所在。随着室内设计美学多样化的发展，全球范围内不同元素相互融合、碰撞，国内的室内设计美学教育要着重加强中国风在室内设计美学教学中的应用，构建具有中国特色的室内设计美学风格体系。
1 室内设计美学教学中中国传统文化应用的必要性
1.1 拓展学生室内设计美学的思维
中国拥有丰富的传统文化和艺术元素资源供室内设计美学专业的学生借鉴，并且中国传统文化元素是室内设计美学学生进行创新设计的一个重要来源。因此，科学合理地把中国传统文化元素融入室内设计美学的教学中，将大大提升中国室内设计美学教育的质量和效果，拓展室内设计美学专业学生的发散思维，为国家提供更多优秀的室内设计美学大师。
1.2 豐富室内设计美学课程的内容
室内设计美学课程非常需要通过艺术元素的形式来丰富教学过程，进而拓展室内设计美学专业学生的发散思维和感性追求。在室内设计美学的教学过程中，不仅要学习室内设计美学行业盛行的西方文化元素，还要增加具有中国风的元素教学，促进室内设计美学专业学生对民族传统文化和艺术的了解。在中国传统文化丰富的艺术设计元素的熏陶下，学生会自主地增加对民族文化的应用。因此，在室内设计美学的教学过程中，要继承和发扬传统文化，通过创新的形式发扬室内设计美学、文化和民族的特点，促进具有中国风的特点的优秀室内设计美学作品的诞生。
1.3 创新室内设计美学品牌
要想打造世界知名的室内设计美学品牌，必须依托自身的传统文化。在中国，室内设计美学行业要进一步发展仍需要很长的时间，因此必须建立自己的设计品牌。中国传统文化对室内设计美学创作的思想资源，提升专业化和个性化的设计具有重要的作用，因此要创新室内设计美学品牌，加大对传统文化的应用。
2 国内室内设计美学教育的发展现状
2.1 室内设计美学的教学理念落后
目前，中国室内设计美学的教学理念仍处于相对落后的阶段，表现为更注重培养学生的室内设计美学技能，而轻视了理论知识；更注重学生的专业知识，而忽视了文化知识教育。在现代室内设计美学中，落后的教学理念不仅制约了中国传统文化的'发展，也造成了学生知识结构的不平衡，不利于学生全面发展。
2.2 对室内设计美学缺少正确的认知
中国的室内设计美学行业起步较晚，目前仍存在对室内设计美学的主体认识不足的现象。最突出的表现是将室内设计美学片面地等同于绘画，将绘画作为室内设计美学教学的基础知识。这种认识混淆了绘画与室内设计美学的关系，是对室内设计美学的误解。因此，加强对室内设计美学理念的认识是教学任务的重中之重。
2.3 忽视了中国传统元素
近年来，虽然在室内设计美学教学内容改革以后，中国的室内设计美学教育取得了一定的发展，但从总体上来说，忽视对民族传统文化的应用的现象仍然比较普遍。目前，许多设计师都追捧西式的风格，在室内设计美学上也盲目追求西方元素，误认为西方的标准和风格才符合现代的审美，忽视了对中国传统文化的艺术元素的应用。这一现象是不正常的，也是非常不利于中国室内设计美学的长远发展的。
3 中国传统文化在室内设计美学教学中的应用途径
3.1 借鉴传统文化符号
中国传统文化中包含多种文化符号，这些符号都极具中国特色。在室内设计美学的教学过程中，教师可以将这些文化符号转化为教学内容，通过文化符号的独特效果，体现中国传统文化元素在室内设计美学中的重要性，提高学生学习及应用中国传统文化符号的积极性。同时，教师可以组织学生进行中国传统文化符号的广泛收集，并鼓励学生将这些符号应用于室内设计美学的具体细节操作中，提高学生应用中国传统文化符号的实践技能。此外，教师还可以组织学生进行剪纸活动之类的展示中国风的活动，举办传统文化相关的平面设计大赛，要求室内设计美学专业的学生充分发挥想象力，对中国传统文化进行创新应用，提高自己室内设计美学的能力和综合水平。
3.2 融合中国画元素
室内设计美学专业涉及的知识极其丰富，并不是一个结构单一的专业。因此，室内设计美学教学必须重视专业课与其他学科之间的融合，具体从理论知识、技能和技巧等方面进行分类和总结，归纳各个学科之间的审美观念的异同，提高室内设计美学教学的广度和深度，全方位、多层次地设置室内设计美学教学的内容。以中国水墨画为例，中国水墨画中的构图、构思讲究虚实相间、黑白对照的辩证性的形式，这种思想与室内设计美学所重视的烘托与对比、均衡与对称等构思设计原则有相同的审美思想、哲学特点与设计技巧。因此，在国内室内设计美学的教学任务中，教师要通过各种途径和形式，促使学生更多地应用我国的传统文化元素，充分吸收民族文化的精华，并将其融入现代的室内设计美学中，展示室内设计美学教学模式的民族文化特征。
3.3 参考中国古典文学
中国古典文学是中国传统文化遗产的文字形式，室内设计美学专业的学生可以依托这些文字来对中国古典设计的风格有一个清晰的认识。因此，室内设计美学教师应引导学生从中国古典文学中寻求室内设计美学的创新点，让学生对中国传统文化的元素进行观察和敏感性分析。把中国古典文学中的一些构思和现代的室内设计美学原则有机结合，在进行室内设计美学的时候，自主地融入中国风，使文化氛围、民族特色相互交融。在具体的设计教学实践中，室内设计美学教师还可以组织学生参照一些实际的古典建筑进行设计训练；为学生提供涉及室内布局的古典文学作品，让学生从中寻找亮点以及有用的元素，并与当代的一些设计理念进行结合。
4 结语
在室内设计美学专业的教学中，不仅应该对中国历史文化遗产的精华部分进行继承，还应基于中国风进行创新，与时俱进，顺应社会和审美发展的趋势，符合人们的审美需求。同时，应把现代元素和中国传统文化元素相结合，建立现代市场发展的室内设计美学概念；大力推进室内设计美学的教学模式的改革，实现教学目标和教学任务，推动室内设计美学行业建立有中国特色的品牌。这对推动产业发展、传统文化的创新、提高室内设计美学专业学生的文化素养有着重要的价值和意义。
篇10：艺术学去美学化倾向研究论文
摘要：该文围绕“去美学化”倾向的演变，提出了使艺术学打破屏障、走向开放的三种方式，具体包括跳出抽象概念的固定思维模式、消除形而上学的理论模式、促进艺术学学科升级，以期为进一步研究提供参考。
关键词：去美学化；抽象概念；学科升级
随着学科的日益发展，美学和艺术学之间的从属关系与分割界限也逐渐清晰。曾经，美学倡导要对艺术进行自下而上的研究，然而随着艺术学科的成长、壮大，美学逐渐被艺术学科所排斥。过去与美学有密切联系的舞蹈美学、艺术美学等理论学科，也被列为相关艺术学科中一级学科的下属学科，有的院校甚至取消了美学的二级学科。由此可以看出美学与艺术学的关系，我们应该辩证地看待这种关系。
一、“去美学化”的演变
随着时代的发展、艺术学学科的升级，艺术学中逐渐出现了学科屏障，美学在艺术学中的话语权逐渐消失。凌继尧曾在一次访谈中提到他对于艺术学的一些观点，他对艺术学科体系的态度是在鼓励学科扩展的基础上，坚持学科壁垒，这是在数次全国性的艺术学研讨会中大部分学者所达成的`共识。相关学者认为，艺术学所包含的学科群下的学科过多，如艺术文献学、艺术符号学、艺术文化学、艺术价值学等，继续列举下去就会发现艺术学的交叉学科已经达到几十种甚至几百种。这使艺术学的学科外延逐渐扩大，使艺术研究的内容更加庞杂。如果说以凌继尧为代表的艺术学者出于学科安全的考虑，在学科升级的过程中提出减少美学内容，那么把美学当作艺术学的阻碍甚至威胁的观点就是一种学科上的错误认知了。有的学者认为，艺术学虽然已经从美学中独立出来，但从研究方法和研究内容来看还有美学思维的影子，并且认为这种现象就是美学对艺术学的干扰和威胁。有的学者认为，美学是研究美的，注重感觉形象，它是依附于欣赏艺术创作层面的，因此阻碍了艺术学的原创性。还有学者认为，艺术学的学科形态是隐藏的，从纵向看，它不是从美学中诞生的。除此之外，更多的理论将美学与艺术学分离开来，如“艺术学与美学理论学科的分隔是学科发展的必然，只有这样才能使艺术学的研究内容更加清晰具体”。可以明显看出，美学在艺术学中的话语权逐渐降低，两种学科之间的界限愈加分明，艺术学“去美学化”趋势愈加明显。
二、打破屏障，走向开放
1.跳出抽象概念的圈子
艺术学科独立出来，在发展、升级的过程中需要相关学科理论的支持。艺术学在特殊语境中选择依附于美学，也是当时的必然选择。艺术学界也很清楚当时的艺术学是将美学史中一个时期的特殊概念作为理论依据的。，中华美学学会和东南大学艺术学系联合主办了《美学与艺术学研究》丛刊，汝信和张道一在发刊辞中写道：“在研究美学时，有一个时期会困于美的哲学研究，无法逃脱抽象概念的固定圈子。至于艺术理论的研究则是经常会集中于分门别类的研究，像是音乐的历史理论研究，绘画的历史理论研究等等，缺乏对于整体的宏观构架。”两位学者在谈及美学研究时，十分谨慎地使用了“有一个时期”这个词描述美学的局限性。反而在艺术学界，将美学的抽象概念和美的哲学研究接受为恒定的研究特征。因此，艺术学研究者要广泛吸收相关理论学科的最新成果，学习应用新兴的研究方法，扎实完成艺术学科内部的基础理论工作，逐步建成艺术学与文学、美学等研究相照应的理论格局。
2.消除形而上学的理论模式
艺术学中出现的“去美学化”，主张的是反对美学理论是形而上学的抽象概念，反对将思辨性的研究方法运用到艺术学研究中，尤其是那种从逻辑出发的思辨性研究方法。美学自身也曾经确实存在问题，有的学者认为，由于中国美学讨论中存在特殊的意识形态，美学在方法论的研究上只能在美学哲学的范围内进行，并将哲学中的思辨方法选取为唯一的研究方法。至此可以看出，艺术学从对美学的依附态度到排斥态度是有历史根源的。不过根据前面所说，如今的美学研究范围已经跳出了当时那个特定时期的固定思维，而正是由于艺术学对美学研究理论和方向的无视，产生了艺术学“强制阐释”美学的现象发生。艺术学应该对已经发生的问题进行深刻的审视和反思，学习接受美学研究，丰富自身的理论知识，拓展自身的学术视野。
3.促进艺术学学科升级
要想促进艺术学学科升级，首先要扩展艺术格局，促进艺术生态健康繁荣发展，避免出现戒备森严、唯我独尊的孤立研究状况。而且与其他相邻学科相比，如美学、文学等学科，艺术学学科中值得骄傲的经典之作较少。所以，艺术学在发展过程中既不能直接照搬其他学科的理论，也不能有门户之见，排斥其他学科的理论成果，应跳出与美学等其他相关学科处于对立面的思维怪圈，停止继续划分界限，用自信、开放的心态在自身学科领域不断完善、发展。如，梁玖就曾提出了具有创造性的“审艺学”，在艺术学学科升级后还建议将“艺理学”作为艺术学中的一个学科名称。
结语
为了艺术学的独立，让艺术学从美学中脱离出来，并在两者之间树立一道不可逾越的屏障，这种做法是欠考虑的。单纯地为了证明艺术学的独立性，而将美学切除，甚至对美学的领域进行限制来为艺术学的扩展腾出地盘，这种做法也是不合理的。艺术学学科的升级需要打破屏障，不断地学习、发展，走向开放。
参考文献：
篇11：小议从技术艺术到美学论文
小议从技术艺术到美学论文
一、技术的介入，使得人类的艺术长河中诞生除了新的艺术门类――摄影、电影、电视、数字艺术。
世界上的第一部电影―――卢米埃尔兄弟的《工厂大门》，依赖于伟大的发明家爱迪生对电影机器、装置的研制，随着电影技术发展成熟与艺术家的不断探索，电影成为一种把握表现客观世界的艺术形态，被称为第七艺术，而第三次科技革命后随着电视机的普及，电视也被称为第八艺术。而信息社会催生的新媒体艺术，《亚太艺术》编辑苏珊阿里特认为，主要特征是先进的技术包括电脑、互联网、视频在艺术作品中的使用，创造出的虚拟艺术、视像艺术及多媒体互动装置和行为。新媒体艺术不再是与传统意义上的绘画、雕塑相似的品类，而是采用多种科技手段进行的艺术探索实践的总称。[2]它们都有一个明显特征，即技术化艺术。技术促使了艺术的发展与产生，艺术家也勇于驾驭新技术，将创造性融入社会的变革中。因此我们可以称，这种由科学原理、技术手段、艺术规律所创造的，与传统艺术一脉相承的摄影、电影、电视、数字艺术等现代艺术为技术艺术。
（一）这些艺术种类，之所以为艺术，是因为它们为我们带来了心灵的感动、人生境界的提升。
韦伯斯特大学辞典中对美是这样定义的：“一个人或一种事物具有的品质或品质的综合，它愉悦感官或使思想精神得到愉快的满足。”我们认为电影中存在着美，电视艺术存在着美，各种现代艺术中存在着美，为什么不能认为技术中存在着美，而且值得作为一门学科来研究？技术中的确存在着美，首先是来自科学技术自身的美，体现为秩序和简洁。很早科学家们就懂得科学中蕴含的奇妙的美，1542年出版的哥白尼《天体运行论》中的第一句话就是“在哺育人的才智的多种多样的科学艺术中，我认为首先应该用全副精力来研究那些与最美的事物有关的东西。”[3]法国著名数学家、物理学家彭加勒认为，科学研究的成果―――科学理论，其中也有美，那叫做“理性美”，一种“深奥的美”。[4]
（二）其次是技术艺术制造的美。
从1968年的电影《200l：太空漫游》中对数字技术的初试牛刀，人类的影像艺术便越加奇幻和多元，2010年的《阿凡达》，则把数字电影推向了另一个高峰。原来电影表现不了的题材变成了可能，也使得电影不再以照相为本性，而代之以合成性或者生成性，一种新的电影美学――“虚拟”美学――也随之诞生。[5]2008年奥运会开幕式上，张艺谋玩转了数字技术为我们带来一场立体视觉表演的盛宴，上海世博会的各国场馆，无不是运用最新技术的体现，而中国馆里“复活”的清明上河图，更是用技术为传统艺术带来了复兴。
（三）第三是技术多元的美。
技术美其实是大工业生产工业设计的产物，科技和经济的发展，迫使产品在功能和外观上予以革新扩大销路，也刺激了技术朝着更高的审美水平发展，为了生活实用，产品的设计外部形态越来越美，功能越来越人性化。这也让作为实现技术艺术的装置本身，具有工艺美。从希腊神庙到扎哈？哈迪德如梦似幻的流线型建筑设计，建筑最能说明科学与艺术的完美结合，材料与技术构成了建筑，而建筑本身又具有比例、均衡、稳定、韵律等形式美。许多工业产品如当下年轻人中最流行的乔布斯的“苹果”，更是技术与产品简洁美的完美体现。
因此，我们对所有由科学原理、技术手段、艺术规律所创造的现代技术艺术中体现的艺术规范和审美价值的研究，就成为技术美学。技术美学是社会科学和自然科学的交融。技术美学曾有一些别名“工业美学”、“生产美学”、“劳动美学”等，今天我们提到技术美学，国内外学术界其实一直仍然没有完全统一的看法，一种观点将技术美学完全等同于现代设计理论；一种认为现代设计本质规律的哲学概括是技术美学的主要构成部分但不是全部内容。[6]当然现代设计的确是一种技术美学，尤其作为现代工业设计奠基的包豪斯学校成立后，强调艺术与机械制造相结合，设计师要为大多数人设计制造实用美观的物品。包豪斯创始人格罗庇乌斯在其《艺术家与技术家在何处相会》一文中揭示了关于建筑和工业设计的一条真理：“艺术的作品永远同时又是一个技术上的成功。”以技术艺术中抽象出的美学的角度来看，我们应当认同后者，不应当将技术美学局限于狭义的工业设计，而是“研究一切技术领域中有关美的'问题”。[7]
二、从这一点来说，技术美学的美学形态应当主要是指“介入的技术美”――即有此技术才有此艺术。
当然在技术的历史发展中，应当包含另外两种，一是自然技术美，万事万物的客观存在具有审美价值，独具慧眼的发现美，这种审美选择形成了自然技术美；二是融合技术美，如传统艺术中隐而不现的技术，如乐器与绘画工具，这一时期的技术完全是为艺术而艺术。就现代来说，介入的技术美才是技术美学的主要美学形态，《考工记》有云，“材有美，工有巧。”技术本身就具有美；而机器的批量生产，尤其是现代设计理念的实现后，技术装置本身也具有一种工业美，这一点在人们使用的各种电子设备中有最直接的体现；而由技术创造出的美，如电影艺术、电视艺术的美，是技术美学的内在核心。
三、由此可以总结技术美学的特征。
一是重物质，没有技术的物质基础，没有技术装置，就没有现代艺术，新的物质不断创造造就新的艺术不断产生，卢米埃尔兄弟依赖于伟大的发明家爱迪生对电影机器、装置的研制，才有了电影。
二是守理性，无论如何技术艺术仍然是以技术为基础，由技术的理性思维与艺术的感性思维融合，以真求美。
三是求应用，具有实用与审美的双重属性，这一点在建筑与工业设计中结合完美。
四是想象力，技术发展开掘了艺术想象力，并使之得以实现，数字技术使得我们在电影中创造出了大型灾难场面、太空、怪兽，《阿凡达》是这种想象力的集中展现。
五是虚构性，技术艺术为我们带来了一种亦真亦幻的虚拟美，《侏罗纪公园》、《骇客帝国》、《盗梦空间》等影片中，制造了一种比真实还要真实的虚拟美。它让手工创造的艺术变为机器批量制造的艺术，艺术复制取代了艺术唯一，创作主体由个体变为群体，艺术创作变为群体制作，电影与电视艺术作品的呈现即是如此，一台晚会、一部《蝙蝠侠》，都是群体协同制作的产物；而技术艺术所能够产生的虚拟美，让艺术作品由对现实的观照转变为对模拟空间的肆意想象，外星人、神话传说、外层空间、神秘原子世界等，人们一次次制造出视觉奇观，观众一次次被震惊，这时艺术作品的展示价值取代了膜拜价值，成为一种视觉惊奇的狂欢，造就了一种全新的审美文化。
无论如何，真善美一直是人类的三大追求，而美又是最高层次的，在技术艺术中，技术的根本目的还是为美服务，技术促进艺术审美的创造，新的审美趣味又促进新技术的发展。技术美学是联结冰冷的技术世界与诗意的人性世界之间的一条温馨纽带。[8]它让我们更好地诗意地理解世界，诗意地改造世界，诗意地栖居，我想这就是技术美学的意蕴与价值所在。
★ 美学论文
★ 美学概论论文
★ 美学原理论文
★ 美学缩影设计论文
★ 艺术概论论文
★ 艺术教育论文
分析巴洛克艺术的诞生及其美学追求论文（精选11篇）
