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篇1：旋律的审美思维艺术论文
关于旋律的审美思维艺术论文
论文摘要 ：旋律是音乐的灵魂，是音乐情感的直接体现。音乐旋律创作的过程就是审美的过程。社会现实生活是产生审美的基础。优美的旋律来源于作曲家丰富的生活积淀及其娴熟的作曲技巧。由晓光作词谷建芬作曲的《那就是我》是源于社会生活，又高于社会生活的艺术精品。
论文关键词：旋律创作 审美思维
旋律是歌曲组成的要素。关于旋律，人们曾有过许多生动的比喻和美好的说法。从旋律的重要性讲，说它是“音乐的灵魂”：从欣赏的角度看，说它是“音乐情感的直接体现”。这些不同的说法，概括了旋律的本质特征。所以旋律的创作要符合运用写作技巧(调性、节奏、速度、力度等)为他所表达歌曲思想整体服务的同时，不能脱离物质性、社会性的生活现象。“而这种丰富的想象用音乐来表现生活就是审美，就是创作的灵感。音乐创作的过程就是审美的过程。生活现象的本质就是产生审美属性的基础。”因此，优美的旋律来源于作曲家丰富的生活经历和娴熟的作曲技巧。只有这样才能写出作者内心的情感世界。才能写出感天动地的作品。
谷建芬作曲的《那就是我》，就是她人生的写照。谷建芬原籍山东威海，生于日本大阪市，童年时从日本归来，踏上中国的土地时，幼小的心里懂得这才是自己的祖国，才是自己的家。时隔多年，这段生活经历仍挥之不去。深埋在心里一种无法用语言来描述的刻骨铭心的情感。歌曲以自己的亲身经历形象的刻画出海外游子对祖**亲的思念之情。
朴实形象，意象深刻。动人心弦是晓光歌词的特点。它是一幅清丽秀婉的水墨画，一组古朴宁静的.生活卷，通篇洋溢着一股甜蜜温馨的气息，给人以巨大的审美享受。给作曲家带来了创作欲望和丰富的想象力。它的音乐情绪热切、激情：它虽然也属于一般创作歌曲风格，但艺术特征较多：它的节拍、速度较自由。旋律的吟诵特点表达出发自内心的独白，流露出梦魂萦绕的情绪。它的音乐结构容纳量较大。运用了对比旋律发展手法和再现统一的三段体结构，中间段的激情和两端的深沉形成了鲜明的对比。
这里可以看出作曲家们对歌词的理解，源于生活内涵的积淀和文化的修养。谷建芬的处理三段体结构，每段都是不规则的启承转合结构。整体前后呼应，风格浑然一体。让人感觉从唱一个音就欲罢不能，需一口气唱到底才能过瘾。这首歌曲大大增强了歌词的感染力。创作出准确的体现歌词内在情感的音乐旋律。
基于内容的需要，前奏中渗透大调式与和声小调式因素。仿佛把我们带进了异国他乡，预示着谷老师的国外生活。然后主要采用了我们南方少数民族羽调式写成了宣叙性的旋律，代表着祖国家乡。行腔自由，音域较宽，无节奏节拍的拘束，运用了5／4、4／4、3／4、2／4，用一般民族淳朴的乡土气息吐露出对祖国家乡的思念。
第一段旋律音域小字一组d到小字二组d，多级进。开头由小字一组g到小字二组d纯五度音起具有开阔性和中心作用，代表主一属关系。音乐主题采用一字多音和一字一音相结合的音乐动机构成，形成的拖腔优美动听。词曲都体现出一种宁静、温馨的格调。
第二段旋律音域由小字一组g到小字二组a之间，开头采用纯八度小字一组g到小字二组g一个十分宽广的音程来表现乐曲的高潮，显然是由第一段小字一组g到小字二组d五度音程发展而来，由第一段以属音为中心发展为以主音为中心，把所有的情感推向高潮。四个“那就是我”的音乐采用摸进手法，使音乐层层递进，好象真的投进母亲的怀抱。整段感情发展到最激动的时候，好似苦苦思恋的声声呼唤。很显然，第二段旋律是第一段旋律派生和发展而来的。其特点就是第二段旋律将第一段旋律的主要音调和节奏特点较多的保持下来，并根据第一段的主题材料进行若干变化发展。第三段再现了第一段，经过第二段对比之后的再现，对确立全曲的主要音乐形象，对统一全曲有着重要的意义。“在音乐美学中，人们对音乐的感受离不开必要的重复。而对比后的重复(即再现)则可能产生质的增值”。
在整首歌曲中还有一个多次重复的音乐动机，在第二段中又高八度变化重复了两次。在第三段中再次出现使整首歌词的曲调一气呵成。发展手法虽然多样，但却具有整体感。
总之，谷老师运用旋律音乐这一手段把歌词内含的情感准确而又生动加以表达。所采用的音调是准确体现歌词内在情感的音乐旋律。把海外游子对祖国，家乡的思念之情真实的刻画出来，将海外游子的酸甜苦辣融进了优美的旋律之中，歌曲旋律产生了使人情感震动、发生共鸣的巨大能量。谷建芬的创作实践再次证明“成功的歌曲会大大增强歌词的感染力”。
篇2：漫言喜剧小品创作中的审美思维论文
漫言喜剧小品创作中的审美思维论文精选
（一）
身处社会转型期的中国，近些年随着快餐文化的时尚化，人们偏爱起了喜剧小品。喜剧小品的创作中心之一辽宁更是迎来一个喜剧小品创作的黄金时代。搬上舞台且大获成功的作品，人们甚至可以如数家珍般地叫出一大串剧名，尚在文本状态和正操锤打造着的本子，统计出来都令人吃惊。初看起来简单易为的小品写作，其实是一件相当需要文化和创作功底的事情。以为只要描着赵本山的红模子，凑上一些歇后语和逗哏的话，便可造就一个又一个喜剧小品，实在是大谬不然，纯属一种误解。这正是本子不少，精品奇缺；连篇累牍，却水平平庸的缘由。因此，需要对喜剧小品的品格、要点、形态特质、文化境界做一番踏实的审美思考，才不致总停留在种广而收薄的状态之中。特试言之，以供参考。
（二）
小品，自文章体裁来。鲁迅说，“讲小道理，或没道理，而又不是长篇的，才可谓之小品”。尔后，小品又被用在戏剧，主要是话剧的小型专题训练上。再后，乃至摄影小品、美术小品、音乐小品、舞蹈小品等等渐渐辐射开来。共同之处，无非取其规模的“小”。而我们今天偏好者众的，自然是舞台艺术之戏剧艺术的微型作品，且多指带有喜剧性的小品表演。无论从二人转“化”来的，还是从喜剧“缩”来的，也无论是滑稽戏衍生的，还是戏曲异变的，都源自戏剧的母胎。为此，欲做小品的，至少该对戏剧的abc有个大体的了解。或换句话说，你的小品作品起码得有“剧”性。得有人物，得有起码的情节，得有发生——发展——高潮的节奏和韵律。这就不是没有人物，没有动作，只有一堆俏皮的“嗑”，歇后语的“哏”，带方言方音的话所能完成的。
喜剧小品有其自身的表演形态和表现手法，正如戏曲的“唱念做打”和相声的“说学逗唱”。它以“说”（台词）、“表”（表演）为骨，以“唱”（包括舞）、“学”辅之。它的“说”里，有话剧的台词功，方音方言的模仿功，曲艺意味上的贯口功，相声的包袱功，还可能有其他为时尚生活因时出现的各种功夫。它的“表”，囊括着“学”、“唱”，但以戏剧表演为其基，演员所长，才华绝艺，尽可为之所用，是一个庞杂而宽广的开放体系。但无论如何，它最显著的核心特点是它的喜剧性，而喜剧性里又偏重于笑的效果。
（三）
有人说：“小品（当然是特指喜剧小品）是笑的艺术。”这几乎成了艺术圈内约定俗成、人皆认可的论断。于是，写本者挖空心思找笑，表演者尽其所能搞笑，“笑不出众死不休”成了小品创作艺术追求的铁律。成功与失败，精品与庸品，都在这里显出分际，其实这却是一个不大不小、似是而非的误区。
观众之得意小品，是为了感受快乐，享用快乐。快乐是健康身心的有效补品。但需要快乐、享受快乐，不完全等于需要笑和享受笑。笑因其可见可闻，故此常常被当作检验快乐的衡尺。而笑作为心理抒发与外射的特征，只不过是一个表层现象，而其深部实质上是一种幽默的心理现象与展现。
笑有不同的笑品，那些被“胳肢”出来的无奈的笑绝非上品；而会心的、因快感的期待得到满足所急剧喷发出来的笑，才可能进入上品之列。我们将那些久演不衰、交口称赞，以至尽可上口的优秀小品作品，与那些过目即忘、了无留踪的庸常之作相比照，就会懂得笑有笑品的道理。
笑不是廉价可搞的。引人发笑的原因如康德所言，“在一切引起活泼的、撼动人的大笑里，必须有某种荒谬背理的东西存在着”。《新杨白劳》之债权人与负债人的角色颠倒，《卖拐》之正常人到残疾人的无理转化，《主角与配角》之人为换位，都洇透着这种荒谬与背理。人们大都有这种心理体验：常常自认为比别人先见性地识破了笑话或背理情节的结果，当笑的结果尚未爆出时，心里先已期待自己的先见之明将被证实。有了这种心理积累，及至“包袱”抖出，正中所料，或大出所料，即足获快感。或是得意地开怀，或是幽了自己一默。小品的经营，正是利用观众的这种心理，或将悬念抛出，仅瞒住角色，让情节顺流而下，经过层层剥笋的营造过程，最终揭出谜底；或在悬疑未果时，将观众的揣测引入歧途，在其洋洋自得以为必中我鹄时，来个大出意料的终局。这样的艺术经营，岂是些许现成的滑稽性的歇后语和顺口溜所能承担得起的！
话说回来，以笑声为作品优劣高下的终极评价，将小品锁定为“笑的艺术”，虽有似是而非之嫌，但是，笑又确实是一种审美评价，只是当我们经营这种审美对象的时候，应该了解它的深部底蕴，或者叫做深层境界，那就是幽默。
（四）
笑与幽默常被混用，这是因了幽默一词的难于界定。我们可以因不同场合、不同问题、不同层面，随机而又权宜地使用着这种概念，但是对于从事小品创作者，不可不对幽默做一些深入的体悟和涉猎，也不可不对笑与幽默的关系做一些深层的对比和思索。
如果说喜剧性是喜剧的生命，那么幽默就是喜剧的底蕴，而笑便是喜剧的.表层审美评价与征兆。
幽默中有笑，但笑并非皆出于幽默。一般地说，笑是快乐的外泄，是快感的喷射，而幽默的快感与快乐则复杂得多。从一定意义上讲，出声的笑是笑之常规；还有一种笑，是无声的或出不得声的，它同样出自快乐和快感，却是关着“门”的独享或虽是共享却各自关着自己的“门”。笑是喜剧效果达到相当强度时产生的审美反应，而幽默之笑却是不露声音只露表情的、更富理性色彩的“暗笑”。它们之间的契合点在于都产生于出现强的或深的喜剧性效果之时。我们常可以在一些京派小品观赏中，得到幽默之笑的体验：你明明十分开心，却绝对不会笑出声来；在这种时候出声地笑反而透出欣赏力的浅薄。除了方言方音的差别外，这常常是辽味与京味小品观赏体验上的区别：辽派小品，包袱要密度大，抖得脆，反应响，当然多富于农民气质；京派小品，包袱蔫、艮，过程稍长，密度均匀，最后总爆，当然偏于市民气质。
幽默学是喜剧美学、艺术哲学、语言学、审美心理学……的边缘学科。足见幽默的深邃内涵。幽默又是喜剧小品的底蕴和高层境界。搞小品不能不懂喜剧，更不能与幽默无涉。这需下多大的功夫？轻看小品创作功夫和文化修养功夫，是精品罕出的一大误区。
我们期待更多的喜剧小品精品的出现，它会使当下人民大众的生活得到更多的释怀与宽慰。
篇3：美声唱法审美特征论论文
美声唱法审美特征论论文
内容摘要：
美声唱法是流行于全世界各个国家的声乐艺术，其历史悠久，成就巨大。本文以文化含量的丰厚性、发声方法的科学性、声音特色的美妙性为三大理论层面，从美学视角与美学高度，对美声唱法的审美特征金进行了概要论述。对于把握美声唱法的本体美学特征，具有重要的启示参照价值。
关键词：
美声唱法 审美特征 文化含量 发声方法 声音特色
美声唱法又称“欧洲歌剧唱法”、“西洋唱法”，是声乐艺术的重要一种，在世界各国广为流传，深受广大听众喜爱。
研究探讨美声唱法的审美特征，对于美声唱法美学品位的提升与审美的把握，具有重要的理论启示价值与实践参照意义。本文就此作粗浅论述，引起引起关注与讨论。
具体而言，美声唱法的审美特征，可以分解为以下三大层面分别予以解读。
一、文化含量的丰厚性
文化含量的丰厚性，是美声唱法的第一大审美特征。
美声唱法伴随着欧洲音乐文化同时产生、同时发展。可以说，美声唱法的产生，直接源于西方的文艺复兴运动，其文化底蕴十分丰厚。文艺复兴运动是14-16世纪欧洲新兴资产阶级的思想文化运动，16世纪资产阶级史学家认为这是古代文化的复兴，故而命名为“文艺复兴运动”。它始于意大利，后很快遍及德、法、英、荷等国家。它以复兴古希腊、古罗马文化为标榜，冲破近千年反动宗教思想的禁锢，摧毁了严禁男女恋爱和婚姻自由的旧礼教，彻底被判了崇“神”观念而追求“人”的生活，主张“人的个性解放”，形成了“人文主义”思想体系。在意大利，代表人物有诗人但丁、作家薄伽丘、建筑师波鲁涅列斯基、画家达・芬奇、拉斐尔、雕塑家米开朗琪罗、音乐家帕莱斯特里耶、拉索等。在法国，代表人物有散文家蒙田、小说家拉伯雷等。在英国，代表人物是剧作家莎士比亚。
在帕莱斯特里耶、拉索等人音乐创作的`影响下，佛罗伦萨的一批具有进步人文主义思想的音乐家佩里、卡奇尼、卡瓦列尼联合诗人里努契尼等，成立了“弗洛伦萨艺术创作小组”，创作出新的独唱歌曲。1594年，佩里与卡奇尼根据里努契尼的台本创作出历史上第一步歌剧《达芙纳》(Dafne)。1594年首演，获得巨大成功，令人遗憾的是该歌剧曲谱已失传。16，佩里与卡奇尼再度联手，根据里努契尼的台本创作出歌剧《尤里迪茜》，成为目前尚存的世界最早的一部歌剧，创造出宣叙调和咏叹调。随着歌剧的兴起，美声唱法便应运而生，各种声乐举派与许多声乐家也层出不穷，于是正式形成了美声唱法流派。
后来，随着西方艺术歌曲的产生与发展，美声唱法更加丰富多彩，也更加成熟繁荣。
由此可见，美声唱法文化含量之丰富，是不可言喻的。
二、发声方法的科学性
美声唱法的发声方法，融声学、物理学、人体解剖学、生理学等各种科学知识为一炉，形成了鲜明的科学性审美特征。
在发声特点上，它根据人体自身特征划分出不同的声部(男声、假声、混合声)。有声学划分法、音域划分法、省区划分法、生理划分法等等，还有固定唱法与首调唱名法等。
在呼吸方法，美声唱法运用科学的胸腹式联合呼吸法，充分调动人体所有呼吸器官的能动作用，共同完成呼吸与气息控制任务。吸气深，速度快，吸气量大，呼吸控制能力强。始终在均匀平稳而有节制的状态下进行呼吸，气息的强弱与长短均能有效地调节，从而使声音的应变力强，并形成明显的呼吸支点。
在共鸣方法上，美声唱法综合运用人体的共鸣腔体，并重点强调“打开喉咙”、“寻找‘面罩”’。所以美声唱法共鸣好，音量宏大。
三、声音特色的美妙性
声音特色的美妙性是美声唱法的第三大审美特征。
所谓“美声唱法”，是意大利文的意译，原文为“bell can-fo”，其中“bell”为美好、美丽之意；“canto”为歌唱、歌声之意，因此美声唱法的准确翻译应为“美好地歌唱”或“美丽的歌声”。但不管如何翻译，都以声音特色的美妙性作为重要的本体审美特征。总的来说，“意大利美声唱法是以音色优美，发音自如，音与音的连接平滑匀净，花腔装饰，乐句流畅灵活为其主要特点。”
参考文献：
①韩勋国编著，歌唱教程[H]，武汉：武汉测绘科技大学出版社1999，P152
篇4：论中国人“象思维”的审美心理属性
论中国人“象思维”的审美心理属性
中国人自史前时代开始滥觞的“象思维”以形象中心主义为特征，并以此区别于西方传统思维方式的语言和逻辑中心主义特点。它具有天然的.艺术与审美特性，也从根本上决定了中国人审美心理的思维定势。
作 者：户晓辉 作者单位：山东大学文学院，山东 济南 250100 刊 名：山东大学学报(哲学社会科学版) PKU CSSCI英文刊名：JOURNAL OF SHANDONG UNIVERSITY(PHILOSOPHY AND SOCIAL SCIENCES) 年，卷(期)：2000 “”(4) 分类号：B843 关键词：象思维 形象思维 审美心理篇5：论消费结构引导设计的审美意识论文
论消费结构引导设计的审美意识论文
[论文关键词]审美能力情感社会关系劳动的对象化微观的单个劳动心理满足感配合
[论文摘要]生存就是现实，因此把现实与审美的理想对立起来实际上是一种违背设计美学常识的见解。而设计师的任务，则是改变现实顺应潮流，引导创构理想。作为社会消费结构中人与世界的一种精神关系，审美活动具有现实性的特征。审美活动着眼于现实的人生，寻求理想的实现和幸福愿望的达成，从中提升和超越自我。我们不得不承认主体精神性的理想是在现实关系中生成的，几乎表现在等同于现实活动，是一种消费水平理想化、艺术化的活动，与现实活动没有距离。这种活动不但植根于自然生命的深处，以生命意识为基础贯通自然与社会消费，而且又在此基础上反映出社会化的情感对整个世界消费结构的精神需要。对于大众而言这种关系形式上不但涉及功利，而且暗含着功利的强度，它以现实消费水平关系为基础，之后才超越了现实及其约束，走向心灵中理想与自由的境界。在此基础之上设计的审美活动让主体的心灵从现实关系中获得一种超越。
一、依靠受众自身实现审美活动
消费设计作品与理念一经传出就不可改变，能否产生审美作用，其决定因素就在受众。设计作品只是提供了设计审美的可能性，要使这种可能性向现实性转化，就要依赖受众身上应具备的条件。条件之一，是受众要阅历丰富、人情练达，这样他就会对消费结构事件中美的信息十分敏感，容易在内心激起活动。但仅仅只是阅历和人情还不够，只能达到一种不可名状的愉悦和激动，最多只能算是审美活动中的感性认识。那么，受众还应具备的条件之二，是要具有在掌握大量艺术作品基础上形成的艺术美修养，这样才能把设计接受中的情感活动很清晰地和艺术审美范畴联系起来，使设计审美真正到位。
对于人的艺术修养在审美活动中的决定作用，马克思曾做过这样的表述：“只有音乐才引起人的音乐感觉：对于非音乐的耳朵，最美的音乐也没有意义……社会人的感觉和非社会人的感觉是不同的。只有凭着从对象上展开的人的本质的丰富性，才能部分地第一次产生着人的主观感受的丰富性：欣赏音乐的耳朵，感受到形式美的眼睛──简单地说，能够从事人的享受和把自己作为人的本质力量来肯定的`各种感觉。”
二、受众感受设计的指导意义
（一）消费结构审美与艺术审美之比照
消费结构设计审美虽然离不开艺术审美范畴的指导，但设计审美决不能走入艺术审美的运动轨迹之中，不能以想入非非代替严谨的事实接受活动.设计审美是“参与生活”，不同于艺术审美“高于生活”。消费结构设计不是艺术。消费结构设计和艺术在同为意识形态这一点上是平行关系，但是从信息传递和思维发展的角度来看则是递进关系。消费设计属于最靠近社会实践的较低阶段，艺术属于稍远离社会实践的较高阶段。艺术是从社会消费主义风尚一类的直观和表象中把美的因素抽取出来，经艺术家按艺术规律进行创造的思维活动成果，它可以在现实生活中可能发生的范围内自由想象。而设计却不同，它要力图保持直观和表象的特征，尽可能忠实于消费结构事物的本来面貌，这就决定了消费设计审美和艺术审美不同的特征。
一个消费结构形成的事实中可能有多个统一于一种审美范畴的因素，也可能几种因素分属于不同的审美范畴。艺术审美则是一种集中、有系统而又统于一种审美范畴的思维活动。更重要的是，艺术审美就像艺术创造一样，可以在艺术形象允许的范围内自由驰骋想象活动，想象范围可以超过作者的构思，也可以超出文艺作品中事件的限制。设计审美则不同，其审美的想象活动要局限在设计事实的框架之中而不能自由发展。受众只有结合事实的性质和意义，才能使事实中的审美因素获得想象的空间。设计审美作用不是要去理解形象，而是要更好地认识和理解事实的意义。
设计审美的第二层次，也就是较高层次，是在设计接受的基本过程之外，这是因为设计的基本功能是通过设计作品以直观和表象的形式传播狭义主观信息。设计作品只反映现象，不直接反映事物的本质。设计的认识和审美作用，从设计接受的基本过程外在的内容看，也就是认识事物的本质和审美差异性，这又是人们接受设计后根据受众的自身素质带来的或多或少的必然结果。
消费设计能为受众带来“参与生活”的愉悦、享受，并不是设计审美作用的全部意义，只是开了个头，是设计审美活动中较低的层次，是一种具有美感共同性特征的审美。美感共同性的现象只是暂时的，根据审美规律，必然要向以美感差异性为特征的更高层次审美发展，从而让每一位审美个体在新闻审美活动中充分施展。这一过程的表现是，受众通过具体事件的接受，发挥自己建立在艺术修养基础上的感受能力，鉴赏到现实生活中不断生发出来的、实际存在的大量生动的美。设计审美凭借人的想象天性让创造性思维自由驰骋，但它要受设计认识作用的指导，受“参与生活”的约束。
（二）设计审美之艺术范畴观
消费者一般性地接收消费结构设计只能产生一种朦胧的参与社会的愉悦和满足感，而且只是说“参与生活”，还不能完全表达设计审美的全部含义。同样，光是说“美是生活”也没有诠释车尔尼雪夫斯基这个定义的全部含义。他又进一步阐述“任何事物，凡是我们在那里看得见，依照我们的理解应当如此的生活，那就是美的。”“凡是表现了欢乐、丰满、灿烂的生活的一切，这就是美的。”如果没有这些艺术审美范畴作为指导依据，从生活以及从设计中去审美就是一句空话，或者只能停留在较低层的美感共同性上。因此，车尔尼雪夫斯基上述关于什么是审美的具体内容的表述，可以看作是对现实生活中的审美活动归纳的两个条件：一是并非所有的生活内容都有美可审，只有具备符合艺术审美范畴内容的生活才是美的；二是审美的人必须具备一定的艺术审美素质，要做到能在来自生活的事物中，看得见依照艺术审美范畴应当如此的内容。
设计对受众来说是生活的缩影，接受设计从审美角度讲，就是在艺术审美范畴的指导下，对现实生活最新变动的事实中可能出现美的因素的审美活动，这一过程符合感性认识在理性认识指导之下完成的认识规律。设计制造的事实中美的因素出现及主体对这些因素的审美活动一般有这样两种情况：第一、设计所影响的事件从整体上不仅具有鲜明的美的因素，而且十分集中地与某一种艺术审美范畴吻合，容易在审美意义上产生轰动效应。第二、设计所涉及的事件本身从整体上不具备明显的艺术审美范畴，而是以事件内涵的丰富性和事件互相联系的特点传递出审美信息，去激活受众的审美想象。
三、设计师的责任
设计师们应该是日常消费生活趣味的追随者和注释者，更应该是新的生活趣味和审美趣味的积极倡导者。陶醉于日常的物质生活本身，不仅是设计家作为一个消费结构引导角色的权利，在日常消费生活中享受审美的趣味，是设计家作为的一个审美欣赏者角色的权利，而对日常生活中的审美现象作出冷静的思考并且进行积极地引导，更是设计师们应尽的义务。通常被传统观鄙视的随波逐流，投人所好，甚至哗众取宠，确是体现投机家素质表现力水平的惯用伎俩，也是身为设计师的市场体系在设计实战意义上的认识水平面上移所应该做到的。
参考文献
[1]《艺术与现实的审美关系》，车尔尼雪夫斯基，人民文学出版社出版，1979年6月
[2]《设计美学》，徐恒醇主编，清华大学出版社出版，7月
篇6：论自然主义视野下的审美知觉研究论文
论自然主义视野下的审美知觉研究论文
摘要：在自然主义的视野中，审美知觉首先被经验主义美学家视为一种与“外知觉”相对立的“内知觉”，夏夫兹伯里与哈奇生是其中突出的代表，他们较为详细地分析了内知觉的特征。但内知觉究竟所指为何，两人既未能提出明确的界定，也难以提供确切的生理学、心理学上的证据。不过，他们对知觉的重视，使知觉成为心理学的重要课题，无论是费希纳的实验美学，还是立普斯的移情美学，以及阿恩海姆的格式塔美学，都以具体的审美经验为基础展开对审美知觉的分析，这种分析，既是对“内知觉”研究的一个修正，也是一个补充。
关键词：审美知觉；自然主义；内知觉；外知觉
“自然主义”是胡塞尔对传统哲学的称谓，它首先承认物质是外在于精神的实体存在，而精神则是另外一种现实存在，传统哲学于是划分为两个部分，即客观主义(物理主义)和主观主义(心理主义)。由于前者直接建基于“物理世界”，后者则把自己的根基建立在心理的“自然化”上，因此这互相排斥的双方实际上都是“自然主义”。美学诞生于传统哲学语境之中，在传统哲学未遭现象学批判之前，人们对美学诸问题的探讨也都几乎不可避免地采用自然主义的态度，即主客二分的方法。在这种视野下，审美知觉被认为是主体(认识客体)的一种特殊活动或能力。而关于“美是什么”这一本质性问题的解答，也因此被奠基其中。
一、审美知觉作为内知觉的提出
经验主义哲学家洛克首先将外知觉与内知觉这一对概念引人哲学，为审美知觉的分析奠定了基础。一般认为外知觉中视觉、听觉是审美的感官，而否认触觉、味觉和嗅觉。但是，审美显然并非简单地感官感受。柏拉图早就发现，虽然“(尘世的)美(的东西)就是由视觉和听觉产生的快感”，但“美(本身)是难的”，并不是普通感官就能发现的，只有主体(灵魂)在“迷狂”状态中才能“回忆”美的理念，因而获得对“美本身”的观照。普罗提诺也认为，“至于最高的美就不是感官所能感觉到的”，而是要靠(心灵的)“内在的眼睛”才能见出的。他们都不满足于将美作为外知觉的对象。开始将审美知觉的注意转移到内知觉上来。其中最为重要的人物是夏夫兹伯里和哈奇生。
夏夫兹伯里认为：“眼睛一看到形状，耳朵一听到声音，就立刻认识到美，秀雅与和谐。行动一经察觉，人类的感动和情欲一经辨认出(它们大半是一经感觉到就可辨认出)，也就由一种内在的眼睛分辨出什么是美好端正的，可爱可赏的，什么是丑陋恶劣的，可恶可鄙的。”在他看来，对美的辨识只是“内在的眼睛”(内知觉)的职责。外知觉动物也具有，但动物显然不能认识和欣赏美，因为“它们所喜欢的并不是形式而是形式后面的实物”。因此，“人也不能用这种感官或动物性的部分去体会美或欣赏美，他欣赏美，要通过一种较高尚的途径，要借助于最高尚的东西，这就是他的心和他的理性”。在对外知觉同内知觉的区分中，夏夫兹伯里指出了内知觉作为审美知觉的一些特征。其一，它关注的是形式而非形式背后的实物，它“与任何事物的私人利益无关，也和任何利己心和私人方式的利益无关”，所以审美知觉是无关利害的。其二，它无关利害，而要借助最高尚的理性，亦即审美知觉必须有理性的参与。其三，它虽然要借助理性，但并不需经过思考和推理，而是一经感觉立刻就能辨认出，亦即审美知觉具有直觉性。其四，内知觉作为审美知觉是“自然的，而且只能来自自然”。亦即审美知觉作为主体对美的辨识能力是天生的。
哈奇生是夏夫兹伯里的学生，他在老师的基础上进一步探讨了内知觉与外知觉的区别和联系。
他认为：一，内知觉即“优雅的天才或趣味”，是“接受美的观念的能力”。是“较强的接受愉快观念的能力”，外知觉则或是对乐曲、绘画、建筑、自然风景绝不感到愉快，或是这种愉快是微乎其微的。而且，“美的快感和见到利益时由自私心所产生的那种快感是迥不相同的”，内知觉不像外知觉一样可以被利害关系抵消。所以，“人可以有视觉听觉而没有美与协调的知觉”，比如，“在音乐方面，我们似乎普遍承认有一种不同于外听觉的特殊感官知觉，称之为知音之耳或音乐感”。由此，哈奇生认为只有内知觉才能感受到美，美不在客体本身，“美，是指‘在我们心中唤起的观念’”。
二，外知觉有时十分敏锐，比如野兽的感觉，但它在程度上远远劣于内知觉，内知觉是“高级知觉能力”，在一般外知觉彼此相同的场合，也会产生不同的知觉情况，获得不同的美感享受。
三，内知觉具有联想的能力，比如，从树林的阴凉与遮蔽，容易使人把这种地方作为虚构的神灵出现的所在，哥特式建筑物的暗淡的光线，使人联想到一种十分疏远的观念，诗人们把它形容为“一种朦胧的宗教光辉”。所以，在外知觉相同的场合，由于联想的不同会产生美感的分歧。四，内知觉与外知觉仍然有类似之处。两者都是自然的知觉能力或心理定性，“所得的快感并不起于对有关对象的原则、原因或效用的知识，而是立刻就在我们心中唤起美的观念，”并不需要首先假定一个天赋观念或知识原理，当然也无需通过思考与推理，而是直接产生。另外，哈奇生虽然也像夏夫兹伯里一样认为内知觉作为审美知觉能力是天生的，是先于习惯、教育或榜样而存在的，但是，哈奇生又强调后天的作用，“教育和习惯可能影响我们先已具有的内知觉，扩大我们心灵的能力”，如果经常面对最美的事物，“我们便逐渐认识一种更高级的美感”。相比老师而言，哈奇生的探讨比较辨证。
二、审美内知觉分析存在的缺陷
由于内知觉“在近代心理学和生理学里都找不到证据”，面对物理学、生理学向人文科学领域的侵袭，“内知觉”说虽然影响甚大，但也很难令人完全信服。博克就反对使用这一概念，对“内知觉”说进行了有力的驳斥。博克之后，“内知觉”在哲学、美学领域很少使用。康德美学受夏夫兹伯里、哈奇生的影响很深，但他也放弃了“内知觉”这个概念，他集中论述的是趣味(鉴赏)判断。“趣味(鉴赏)是判断美的一种能力，”夏夫兹伯里、哈奇生所论及的内知觉的特点因而也都“转移到”趣味(鉴赏)判断的名下。实际上，康德是以趣味概念取代了内知觉概念。以趣味作为对美的知觉能力，这种看法在当时并不少见。夏夫兹伯里本人也曾“把趣味(鉴赏力)提高到美的感官的地位：它是秩序和比例的感官，这个感官以它的‘先天的感觉’或‘表象’、理性的追忆，和先天的道德感是一致的”。休谟也曾说，美不可下定义。而只能靠趣味(鉴赏力)来辨别。所以，虽然康德没有使用“审美知觉”这个词，但“实际上这些由各种不同的名词来命名的心理机能的作用是同样的。”杜夫海纳曾直接称审美知觉为“构成审美经验的趣味(鉴赏)判断”。据此，法国批评家称其“趣味批判”为“知觉说”美学，也颇有道理。其趣味批判与审美知觉分析是等价的，他严谨的分析使审美活动与其他知觉活动清晰地区别开来，这是他的重要贡献，夏夫兹伯里与哈奇生的对审美知觉所作的前期探讨同样功不可没。斯托尔尼兹认为，是夏夫兹伯里第一个注意到“无利害性”这个概念，并将它和对美的解释联系到一起。其重要性在于，“除非我们能理解‘无利害性’这个概念，否则我们就无法理解现代美学理论。假如有一种信念是现代思想的共同特质，它也就是：某种注意方式对美的事物的特殊知觉方式来说，是不可缺少的”。的确，引入“无利害性”，美学才第一次进入它自己的领域，审美知觉不再和道德或宗教的美德混在一起。康德将它作为审美判断的第一契机，原因也正在于此。在20世纪，西方美学家由于对审美知觉特殊性的解释上存在着困难，又有人借“内知觉”的说法，如休・布兰恩(Hugh Blain)说：“审美趣味……最终将在一种关于美的内部感官中被发现。这种内部感官的存在是自然的。”可见夏夫兹伯里和哈奇生影响深远。 夏夫兹伯里、哈奇生等经验主义美学家不探讨美的抽象本质，而是在自己的经验思维方式指导下回答“美是什么”的问题。在美的根源上，他们基本上是主观论者，共同的倾向是认为美是人的一种主观的“观念”或“情感”。由此加强了对审美主体心理活动的认识，突出了主体在审美过程中的作用，对审美知觉的探讨极为丰富。另一方面，在认识论的对象性思维方式影响下，经验美学家也非常重视对审美客体的属性的探讨。博克、雷诺兹、霍姆、荷加斯甚至夏夫兹伯里和哈奇生都认识到美在客体身上的一些感性特征，如比例、对称、多样性的统一，秀雅、小巧、光滑等等，当然，他们仍然认为美不在客体本身而在主体，这些纯粹的物质自然形式都是客体向主体的一种呈现，主体因而产生审美知觉经验，经验美学家也由此转向对主体的研究，这正是所谓经验科学的思维方式。经验主义者虽然未能认识到认识论的局限，不能解决主客体之间的矛盾，而将美单方面归于主体，固然是其不足，但他们并没有忽视对客体属性的探讨，可以说是对主体与客体双方面的考察，也不失全面。
但是，需要指出的是，主体的作用虽然得到了强调，但是主体只是一种被动的接受，太机械太僵化，毫无内在的生机。比如哈奇生认为，“美，是指‘在我们心中唤起的观念’”，知觉只是被动地接受，主体的能动作用并没有体现出来。所谓的主观主义不过是物理主义在心理上的体现而已，也正是因此，主观主义被称为自然主义。因此，主观论与客观论一样，都无法解释美在主体与客体、理性与感性等一系列二元之间的生成。
三、审美知觉经验分析的补充与修正
费希纳开展的实验心理学研究真正从经验领域来探究美学问题。这个经验就是审美知觉经验。实验美学家想出了很多方法来检测审美知觉经验，比如用“表现法”，实验者或测量受实验人的.脉搏和呼吸，或观察其模仿和手势动作的现象，或观察其四肢的运动及其初发的运动，以观察受实验人知觉时物理和生理上的反应；再如用“印象法”，要求受实验人对审美对象作出判断或进行描写：或从大量对象中选出其喜爱的对象，或描写出对某一对象的感受。通过大量的实验研究，费希纳总结出了13条原则。如“审美阈”(aesthetic threshold)原则，即审美对象对知觉的刺激必须达到一定的程度，以及其他如“审美加强”(aesthetic reinforcement)、“审美对比”(aesthetic contrast)、“审美联想”(aesthetic association)、“审美顺序”(aesthetic sequence)、“审美调和”(aesthetic reconciliation)等原则，使我们对审美知觉获得了新的认识。审美知觉在此显然是一个复杂的过程，这个过程的产生有赖于对象对知觉主体的刺激，不同的刺激、刺激程度的不同都会产生不同的审美结果。它既表现在知觉主体物理和生理的反应上，如呼吸加速，也表现在知觉主体的精神反应上，如喜爱。正如托马斯・门罗所说，“实验心理学对知觉、认识和记忆都作了十分成功的说明，而这正是一些与审美经验有着直接的和千丝万缕的联系的心理现象”。固然，费希纳的研究也存在很多问题，如将复杂而微妙的审美现象简单化的倾向，但是，将实验引进美学领域，实现了真正的科学研究，费希纳的贡献仍是不可忽略的，时至今日，从事这种研究的仍然大有人在。而且，这种“自下而上”的研究方法，代替了以往占统治地位的先验的形而上学的演绎方法，这是一个转折点，其后的美学家对审美经验的重视在一定程度上都要归功于此。
费希纳身后的一些心理学家看出了实验科学对于精神现象的“无能为力”，转而从内省的方法对审美现象进行分析，提出了一些新的审美理论。其中值得一提的是立普斯等人提出的“移情说”。立普斯认为，“审美的欣赏并非对于一个对象的欣赏，而是对于一个自我的欣赏。它是一种位于人自己身上的直接的价值感觉，而并不是一种涉及对象的感觉。”美显然不在对象，即美的事物的感性形状，这不过是材料而已。美“处在审美欣赏对象和欣赏本身的中途上”。因为移情作用“把自己‘感’到审美对象里面去”，所以，真正的“审美对象”是“对象化”的“自我”。美处在“中途”实际上表明了美与客体及主体之间的“距离”(不即不离)。审美移情虽然在想象中发生和完成，但必然附着于对对象的知觉，与通常的知觉不同的是，后者情感的波动发生在自我方面而不是在外面的事物，因此，李斯托威尔称之为“真正的审美知觉”。立普斯的理论强调了主体与对象之间的生发机制。否弃了实验心理学那种刺激-反应模式；更重要的是，移情作用使“自我和对象的对立消失了，或者说，并不曾存在”，这又是对自然主义主客二分的一种反对。
继续这种反对的是格式塔美学。格式塔美学的代表人物阿恩海姆主要从视知觉展开论述，从他的一部书的题名《视觉思维》就可看出他所持的观点，即对主客二分传统的否弃。他认为知觉也有理解力，它会积极地探索、选择、简化、抽象、分析、综合、补足、纠正、比较、在某种背景或上下文关系之中作出识别等等，没有理由不认为知觉中发生的事情就是思维。知觉通过选择、抽象、“补足”(完形)、简化等等活动，最终能够创造出“格式塔”结构。它是最令人满意、令人愉快的一个简约的结构。由于知觉有这种“格式塔需要”，即对格式塔结构的追求，在对形式的把握中就产生了各种复杂的心理感受，如紧张、松弛、舒服、憋闷、顺畅、愉悦等等。比如一个简约的格式塔呈现于眼前，知觉活动不会受阻，就会感到舒服；如一个残缺的图形呈现在前，就会引起紧张和憋闷，直到在知觉中建构起格式塔结构，才会归于松弛与顺畅。基于此，要追求复杂的心理感受，就要想办法使形式复杂，有意使知觉受阻，从中感受到更多的刺激性。阿恩海姆以此来解释视觉艺术的欣赏及艺术形式的历史发展，结论令人耳目一新，备受称赞。他强调结构的重要性。对艺术而言，作品的结构本身就具有意义，就具有表现性，而不是对其他东西的象征，因为象征的意义需要我们的理性和知识(经验)去理解，如果不具备相关的知识，就不能获得对作品的理解。所以，伟大的作品总是通过直接的知觉形式(结构)将意义传达出来，而不需象征。由此，阿恩海姆批评了立普斯的移情说。他举例说，“一棵垂柳之所以看上去是悲哀的，并不是因为它看上去像是一个悲哀的人，而是因为垂柳枝条的形状、方向和柔软性本身就传递了一种被动下垂的表现性。”对象的结构本身之所以具有表现性、意义，他认为，“造成表现性的基础是一种力的结构”，像上升和下降、软弱和坚强等等实际上是一切存在物的基本存在形式，对物理世界和精神世界都具有意义。阿恩海姆还用这种物理学意义上的“力的结构”来探讨运动知觉、图形与基底关系(深度知觉)等知觉问题，都作出了一些新的较为合理的解释。但是，“力”到底是什么，阿恩海姆也解释不清。其情形也许正如恩格斯所说：“因为我们还弄不清这些现象的‘相当复杂的条件’，所以我们在这里有时找‘力’这个字做避难所。”这当然是格式塔美学留下的一个遗憾。但格式塔美学的贡献也是非常显著的，一提起知觉研究，首先想起的就是格式塔心理学了。有人评价说：“我们感谢格式塔主义，它用对感知的有条理的反思，对各种形式的起源及其效果的实验分析，取代了对艺术模糊的或在理论上假设性的思考，它照亮了艺术作品，使之在被创造和感知的一系列形式中显现为单个的事件，虽然是比其他事物更为成功的条件。”联系起经验主义美学家将审美知觉分析奠基于“内知觉”这个毫无生理学、心理学依据的概念，就可发现这个评价是很中肯的，也能够明白格式塔美学对审美知觉研究的重要贡献。
阿恩海姆克服主客分裂的努力与现象学的工作是相通的。在现象学家如梅洛-庞蒂、杜夫海纳等人甚至胡塞尔晚年的著作中也常常能够见到对格式塔学说的引述。他们之间对知觉的结构与功能的研究也有很多相似之处。但格式塔仅仅强调知觉的思维特征，并没有因此而全面检查传统逻辑学与哲学的客观思维以重建知性，对主客分裂的批判显然没有达到现象学的高度，梅洛-庞蒂甚至认为，“作为心理学的格式塔理论从来没有与自然主义决裂”，虽嫌太过，但也还比较符合事实。
篇7：论钢琴教学中审美教育与情感教育论文
必要艺术是人们进行情感与思想表达的一种方式，可以丰富人们的生活，提高人们的情趣。其中，钢琴就是一个有效的艺术方式。而我们通过有效的方式来进行钢琴教学，可以极大提高学生的审美情趣与思想情感。原因在于，钢琴教学中的理论知识学习与必要的钢琴演奏是将人们在生活中的情感与思想进行有效艺术表达的方式，是对于人在生活中情感的充分发掘，集中性的表现出来钢琴的深厚底蕴与文化价值。因此，我们需要对于钢琴教学中进行审美教育与情感教育的意义、方法问题进行科学的研究与分析工作，使得我们有效的进行钢琴教学，更好的表达出、挖掘出人心中丰富的情感与对艺术审美的方式。
一、钢琴教学中进行审美教育与情感教育的意义
对于钢琴教学来讲，通过有效性的方式对于学生进行情感教育与审美教育有利于充分的挖掘人心中的情感与审美，使得他们在钢琴教学中进行更好的生活体验，即更好的挖掘美、体验美、追求美、表达美、使得自己的思想境界与精神追求得到提升。对于钢琴教学本身来讲，进行必要的审美教育与情感教育有利于提高钢琴课的质量与水平，使得学生在一种轻松、愉快、充满乐趣与思想的课程中进行钢琴知识的学习、钢琴演奏技巧的提高，在一种享受性的教学中获得情感的愉悦与灵魂的寄托，最终使得钢琴教学的作用得到升华1。
二、钢琴教学中进行审美教育与情感教育的方法
（一）加强对学生的指导，进行必要审美与情感渗透
我们需要加强对于学生的指导进行教学中的情感与审美渗透。在钢琴教学中教师的教学目标不仅仅是提高学生钢琴理论知识与演奏的能力，获得巨大的演奏收益，更为重要的是需要充分的应用好有效性的方式使得学生在进行学习中发现自己的不足，尤其是思想与情感中的不足，全面提高他们的思想境界与审美水平，最终使得他们在钢琴中获得心灵的解放与精神的愉悦。而进行有效的情感教育与审美教育就是对于这一点充分的体现。具体来讲，第一，教师需要自己对于钢琴教学中的理论知识与演奏技巧进行全面性的研究与分析，使得自己的水平达到一种很高的境界，充分在教学中进行演示，使得学生以自己的模板来进行钢琴理论知识与钢琴演奏技艺的模仿与学习，并且在具体的学习中进行自己对于这些知识与技能的理解，最终形成他们自己的演奏风格2。第二，钢琴教师需要自己兢兢业业、全身心的投入到教学工作中，以真挚的情感与灵活性的语言表达对于学生的学习进行有针对性的指导，充分使得理论知识与实践演奏进行结合，提高学生对于钢琴教学中内容的理解水平与应用的能力，提升他们的思想与情感。比如：我们以贝多芬、柴可夫斯基、肖邦的一些作品为例子进行具体的说明。钢琴教师在进行教学时需要使得学生充分对于三人钢琴演奏的特点与风格进行学习，尤其是需要进行充分的对比，然后在具体的作品演奏中使得学生进行深刻的领会。如：贝多芬的作品往往具有英雄主义气概，具有潇洒的旋律与明快的节奏。而肖邦的作品具有如诗如画的特点，非常注意演奏手法的灵活多变，使得听者置身于一种如梦如幻的情境中，进行充分的情感升华与艺术审美。柴可夫斯基的作品具有神圣庄严的特点，仿佛使得听者感觉严肃宏达的场景就在眼前。因此，教师通过这种具体的作品对于学生进行教学，并且使得学生在学习与演奏模仿中加入自己对作品的理解，进行情感与审美的充分融合，会使得这些作品的价值被充分挖掘，最终会使得钢琴教学具有人性化、丰富化、生活化的特点3。
（二）提升教学方式，培养学生的情感与审美
我们需要提升教学方式培养学生的情感与审美。具体来讲，钢琴教师自己需要对于钢琴教学进行清晰的定位，更加准确灵活的掌握好钢琴教学的最终目标。通过学习钢琴理论、掌握钢琴演奏的技巧等等是钢琴教学外在的东西，充分把钢琴作品中作者的情感进行宣泄、思想进行表达，最终使得人们思考、觉悟，进行心灵的感动、情感的丰富、灵魂的洗礼才是其最终目标。因此，钢琴教师需要进行必要的情感教育与审美教育。比如：第一，引导学生充分挖掘作品中作者的中心思想、通过有效的'演奏使得自己与作品的作者进行跨越时空的情感交流，形成共鸣，充分获得情感体验。第二，钢琴教师需要使得学生对于钢琴中理论知识进行充分学习、思考。如：作品的题材、音节的变化、音乐符号的表达、作品中思想的展现等等，最终使得自己的钢琴理论素养得到提高，在今后的钢琴演奏中可以进行更好的学习，提高演奏的技巧，并且能够进行作品思想的充分表达，最终获得情感体验，给予听者充分的审美感觉，获得心灵的寄托4。第三，现代化新型教学模式的应用对于提高教学的质量与水平发挥出了重要的作用。比如：网络多媒体教学、微课教学等可以使得学生应用这些方式通过图片、声音、视频等方式进行全方位钢琴知识的学习与钢琴演奏的欣赏，充分进行作品的审美与情感体验，为自己今后的学习与发展打下一个良好的基础。而对于钢琴教学本身来讲，现代化新型教学模式的应用使得以往较为枯燥、乏味的教学方式被替代，有效性、直观性、灵活性、多样性的教学模式形成，使得学生可以进行直观性与形象化的知识学习，更好进行钢琴教学中钢琴作品表达思想的领会5。
三、结论
对于钢琴教学中审美教育与情感教育问题进行研究与分析，有利于钢琴教师更好的应用审美教育与情感教育方式提高教学的质量与水平，也使得学生通过这样的方式更好进行钢琴知识的学习、钢琴演奏技巧的掌握、钢琴作品中思想的领会，全面提高他们的思想境界。
注释：
1.张海霖.浅谈钢琴教学中的审美教育与情感教育[J].大众文艺，2016，15：249.
2.杨小凯.论音乐的“审美”教育与“实践”教育在钢琴教学中的体现[D].西安音乐学院，2016.
3.肖成英.浅谈情感教育在钢琴教学中的应用[J].科教导刊（中旬刊），2013，03：144-145.
4.聂蓓蓓.论钢琴教学中的情感教育[J].艺术教育，2014，12：64-65
5.周红生.钢琴教学中的“审美教育”[J].音乐时空，2014，20：151.
篇8：审美前理解论文
审美前理解论文
以往的解释学研究多关注前理解对于理解的影响，并把这种影响看作是决定性的。这种研究的对象其实只是前理解的一个阶段，即从泛历史、泛语言、泛文化向着有所指的语言、有所联系的历史转化的阶段。在此阶段，前理解是意向性的。而在此之前，在没有与对象形成主客体关系之前，“这一个”主体与对象的关联又是如何形成的呢？不论是归于语言，还是归于历史，都不能给出一个令人满意的回答。
本文认为，由前理解向理解的发展，并不是仅仅前理解决定的单一向度，而是一种双向互动的关系。前理解决定对象，对象又反作用于主体，触发具体的前理解，具体的前理解再与对象进行交流，达成新的理解。理解实际上是一个不断由宽泛向具体缩拢的过程。前理解不是最高的也不是最终的，在理解中没有任何因素可以独裁，一切都要由所有的参与因素共同确定。
如果说以往的研究侧重前理解在理解中的作用，本文则试图对前理解本身进行分析。我们的出发点是，最原始的理解是如何形成的，语言、传统是如何形成的？这是以往的解释学所忽略的，但在文艺学领域，提出这个问题，对于审美理解的研究是有意义的。
我们从前理解中析出人的能动因素，并把它作为审美理解的出发点与目的地。历史、语言、前理解是作为它的承担者、记录者，理解活动其实就是本质力量不断选择自我印证的形式、不断探索自我印证的方式的实践过程。
我们把前理解作为传统、语言与现实的结合点来展开论述。
海德格尔提出了先在结构，把它分为先有、先见、先识三个层次，为前理解研究定好了基调。但其“正确进入循环”的观点也为后来研究者的发挥留下了宽阔的空间。加达默尔发展了海德格尔的理论，对正确进入循环的方式进行了探讨。他区分了理解活动中主体本身的情况、事情本身的情况及这两者所共处的传统。提出真前见与伪前见的分别，并强调传统对于正确进入循环的积极意义。姚斯继承并发展了前辈的“前理解”学说，提出了“期待视域”这一概念。他提出了“三级阅读视野”：初级的，审美感觉阅读的.视野；二级的，反思性的阐释阅读的视野；三级的，开始于期待视野的重建的“历史的阅读”。我们认为，在审美理解中，姚斯所提出的初级阅读视野比二级、三级更具有意义和启发性。也更加在现象学意义上贴近主体本质力量的原初样态。
对于以上论点，我们分别从语言与存在，当下与历史，主观与客观的角度进行分析。语言符号乃至客观事物是半自足的，它之所以被命名为存在或被视为对象，都是主体当下参与的结果。从这个意义上讲，语言更象是存在的房产，只有当作为主体的人去建筑它、装饰它并且入住以后，才算是“家园”。传统特性是历史性的存在。而当下则以挑剔的眼光审视着历史，尽管它的大部分（仅仅是大部分）都是由受传统的影响，但传统并没有因此而成为当下的主人。传统不是当下的目标，而只是主体当下活动的记录者。
能动之我是理解的出发点，动力与目的。一切理解活动都对这个我而有意义。能动性的根本在于实践活动中主体本质力量与对象的在源初意义上的一致。理解活动本身，就是主体我在开拓与创新寻求自我印证的活动，理解的结果是作为历史与语言的相对稳定的东西的形成。而理解活动的最终目的却不在此，而在于主体我的自我印证的要求的完全实现。
前理解有三重含义，一是前在的理解，即主体心灵的能动性、判断力、理解力；二是语言、传统、历史；三是由主体依据当下情况选取出来的当下判断的前提。主体现实的存在方式规定着理解力展开的可能方向。理解就其根本而言，乃是现实与其所负载的可能性的统一。
在与对象接触之前，主体已经是具有理解能力和相应知识的主体，他向着可能的方向来筹划自己的理解。理解能力通过后退与开拓，确定对象。我必须有所寻问，对象才会有所诉说。如果说寻问是一种自我敞开，那它首先应该是一种自我肯定。不是前理解确立了对象，也不是对象确立了前理解，两者是意识作用下的相互确定的。
艺术的理解并不以理解到的内容为目的，而是以理解的自由为目的，以主体境界的豁然开朗为目的。审美前理解也是由传统、语言、符号、经验等等沉积而成；由能动的心灵根据现实环境的要求来决定突显哪一部分。但艺术的前理解结构仿佛更加纯粹，它尽管也对对象提出要求，但这种要求只是形式的，而且主体从来不希望在形式中得到什么，因而不被对象所迷惑、束缚。主体在理解中也有情感期待，但这种期待却是清净的，主体不会随着情感的升起而迷失了自我。
对于作者原意的看法其实涉及到对于前理解的看法。如果读者要在作品中搜寻某种意义的话，他的前理解一定是有所指的活动的。而在我们看来，前理解的对于意义的执著将严重地妨碍心灵自由的实现。这是因为，艺术的理解是在对于对象整体的观照下，前理解自身的整体展开，而一般的理解则有选择有针对性地展开。这其实是功利与非功利的差别。
禅与艺术相通之处在于，都从有限的形式中达至无限的意味。严羽以禅喻诗，为我们打开了诗论的新天地。此时，我们看到前理解在审美理解中的作用可以分为两种，一种是加达默尔式的，完美的理解要求与传统达成一致（能不能真正达成，如何保证都是问题）。另一种是毫不拘滞，在有限中发现无限的自由，这是禅的方式。
人的本质力量是审美的最初动因和最终目的。我们认为，一切艺术理解，都是由人做出的并且是为人的。而人是历史的创造者，相对于其他社会现象，比如道德，传统，语言，艺术等等，人的生存实践具有绝对的优先性，一切文明必须作为人的存在的记录才有意义。因此，我们突出强调人在现实条件下的生存要求，强调心灵能动性对于审美理解的决定作用。
篇9：审美特色室内设计论文
审美特色室内设计论文
一、中国传统建筑元素的基本特点以及传统元素运用原则
1.传统建筑元素的基本特点
中国的传统建筑多是以木头为主要建筑材料的，建筑的室内装饰也多是以木质结构为主要内容，通常都是高空间、大进深，一般建筑的造型讲究对称，色彩上也讲解对比，在室内多摆放一些中国的传统木质家具，比如屏风、长桌等。传统建筑具有丰富多样的特点，这是因为不同的地域有不同的建筑风格，不同地域的人生活的习惯和方式也不一样，所以居住场所也不一样，建筑风格就不一样。比如在安徽，安徽的民居多是靠着山建造的，在外型上多用白墙、小窗，墙体的高度也是不一样的，在室内，摆出的装饰品也多是木雕和石雕；在徽州，木雕成为人们在屋内的主要装饰品，其中窗扇、挂板上的内容也是丰富多彩的，多以山水、人物、花鸟等为主。石雕多出现在人们的祠堂、生活的庭院中和墙壁上。石雕的内容多是以仙鹤、麒麟等象征吉祥的物件为主。安徽民居无论在建筑方式上、还是在居住功能上都是建筑界的很具有代表性的作品。
2.传统元素的运用原则
在室内设计中传统元素和室内装饰的融合要秉着适度原则。何谓适度？传统元素在室内设计中地使用虽能彰显我国的传统文化，但是在经济快速发展的今天并不是所有的传统元素都能引入室内设计，设计师应该根据建筑的实际情况适当地引入传统元素，这就是传统元素的适度原则。在室内设计引入传统元素时，应该注意三个方面因素。一是要在继承中适当的应用传统元素，在室内进行设计装修时，应该根据当地特色文化有选择性的引入中国传统元素，引入传统元素时既要继承传统元素的表现形式，还要理解传统元素的思想精髓，这样才能将室内设计和传统元素有机的结合起来。二是要传承传统元素中的人文精神。如何让室内地设计显得根据有传统元素的气息，同时又不失现代社会的高贵典雅呢？在引入传统元素时室内设计就应该秉着传承传统元素人文精神的原则，传统的人文精神主要包括当地的风土人情、和谐理念、当地的历史等等，同时还要以“以人为本”的原则将室内设计和传统元素结合起来，从而达到最佳的表现效果。三是要注重创新，传统元素的引入应该带给室内更多的古典美，但是在引入的同时还应该注创新，将古典和现代糅合在一起，提升室内设计的品味。
二、中国现代室内设计的发展特点以及室内设计中传统元素的运用方法
1.现代室内设计的发展特点
室内设计是对建筑内部环境的一种重新改造，要求可以满足人们的视觉感受，还需要满足人们的使用功能。中国的设计艺术发展历程，是随着西方建筑思想的传入而不断变化的。中国的室内设计的发展不能脱离这样一种大背景。从90年代初繁琐的巴洛克风格、洛可可风格到21世纪初期西方的简约主义，再到现在的田园风格和地中海风格，都给了中国室内设计提供了崭新的思路。中国的室内设计喜欢追求西方的设计风格和特点，但是笔者认为，在国内的很多建筑设计上，并不能全部的西化，而是应该保留一些中国的传统文化元素在里面。室内设计师在设计思想的形成和发展中，应该注意对比中西方建筑的特点，不但继承一些中国传统的优秀文化精髓，还应该吸收一些西方的先进设计思想，使得建筑中出现中西方文化的融合，努力在继承中创新，在创新中注意中西方文化的融合。室内设计可以体现出一个时代的特点，优秀的设计作品在设计风格、表现形式上离不开工艺与材料的表达。我们所谓的“现代”，既包含了当代的材料、技术和工艺，还包含了当代人们的审美观和价值观。作为现代室内设计师，需要利用特有的技术和材料对传统的文化进行复刻，但是这种复刻不是简单地、原封不动地照搬，而是根据现代人的喜好和生活方式，立足于中华文化的传承，取其精华去其糟粕，设计出更加杰出，更加符合人们审美的作品。
2.室内设计中传统元素的应用方法
结合我国目前的'室内装修方法来看，室内设计中传统元素的应用方法主要分为传统元素的直接运用法和传统元素借鉴法两种方法。利用传统元素直对室内进行装饰的手法运用的已经相当成熟了，在某些设计情况下可以直接加入传统元素，但是并不是所有的设计环节中都能加入传统元素。在设计中应该注意的是，选择的装饰要具备古典代表的装饰品，装饰的同时还遵循要简单清晰，不能过分装饰的原则。除了使用直接运用法，还可以使用借鉴法对室内进行设计。虽然现代社会的装饰令人眼花缭乱，但是还是有很多年轻人追逐着传统元素带来的古典美。在进行室内装饰设计时，要善于把握好传统元素的引入。具体而言，装饰的细致情况应该根据装饰位置的不同来决定，不能照搬照抄，这即为借鉴原则。在设计时室内的重点地方的设计更应该体现出层次感，例如：突出房间的空间环境以及使用功能。在室内装饰设计时使用借鉴法进行设计，不仅能使人产生恋旧感，还有利于传统文化在我国的传播。
三、中国传统建筑元素在当代室内设计中的运用
随着经济全球化的不断深入和发展，不管是外国人还是中国人都意识到了东方传统文明的价值，具有中国传统文化元素的建筑越来越受到人们的重视和喜欢，也逐渐成为城市的标志和旅游项目。我们需要从传统和现代两个方面入手，同时进行研究，把握人们现代生活中的需求，把握时代特征，设计出既有鲜明民族特征，又符合当代人审美的建筑。比如重庆的大观园。在建筑上充分运用了木雕、砖雕、石雕等建筑元素，墙面装饰以黑、红、黄为主要色调，利用屏风、纱罩等半透明的物体作为房间内部的分割，很少用完全的隔断方法。在装饰环节上多崇尚自然情趣。中国传统建筑的现代继承，是当代建筑界的一个重要议题。中国的传统建筑具有独特的特点，蕴含着丰富的中华民族传统文化，包括天人合一的思想等。中国传统建筑在设计上有它深藏的含义，这些设计中的含义对设计师有着很大的吸引力。设计师在对建筑进行设计的时候，需要做到“扬弃”。这里的扬弃指的就是发扬和放弃。发扬传统建筑中优秀的、值得学习的部分，放弃传统建筑中不符合现代人审美的部分。比如：成都的芙蓉园。它高墙封闭，马头翘脚，在外墙的设计上与安徽民居有异曲同工之妙。在室内设计上也充分运用了木雕、石雕、砖雕等传统元素，不但体现了中华民族的独特风格，发扬了中国的传统文化，还符合了现代人的审美特点，体现出人与自然和谐相处的意境。所以说，在当代建筑设计中，不可以照抄照搬西方的设计思想，也不能直接复制中国的传统建筑风格，我们最应该做的就是“借鉴”，通过对中国古典建筑和西方建筑的对比和研究，发现二者的差别，发现二者各自的优点，取他们的长处融合在一起，在符合现代人审美的情况下，科学合理地将他们体现在同一建筑中。
四、结语
当代的建筑设计，不但需要满足人们的使用需求，更需要满足人们的审美观和价值需求，这就需要设计师在进行设计的时候，懂得继承和创新。只有把握住这两点的关系，才能更好地设计出满足人们需求的建筑。这里的继承并不是指的对传统文化元素的照抄照搬，而是需要深入研究了中国传统建筑之后，将其中一些优秀的、可以为我们所用的元素拿来与当代建筑特点进行融合，设计出更加让人满意的建筑。
篇10：浅谈艺术的审美论文
浅谈艺术的审美论文
【摘要】
艺术是现实生活中的审美艺术，是生活的美化、生活的充实、生活的发展、生活的创造等。生活之美是艺术审美的本质，是艺术审美的主色调，是艺术审美的基本要求。艺术审美与现实生活紧密联系，使得艺术审美一定散发出光彩的光芒。
【关键词】
艺术;审美;现实生活;艺术形象;艺术特征
车尔尼雪夫斯基从唯物主义观点出发提出了“美是生活”的著名美学理论，与艺术的审美观点不谋而合。车尔尼雪夫斯基认为：人感觉有趣的事情中是有一般性的，人们感觉世界上最有趣的事情是生活。第一是人们意愿、人们喜欢的这种生活：第二是任何一种生活都是活着比死去要好。活着的在本质上都是恐惧死亡的;恐惧如果不存在了，而活着就是死亡。只有这样，才能定义：美才是生活。
一、什么是艺术与审美
艺术是一种社会性的意识形态、是一种创造性的审美对象的精神意识。它是一种生产性、客观的、有目的性的社会实践;它是一种精神意识，是再现与表现的和谐统一，是一种社会意识形态，并且具有能动反作用性和一定的意识形态性的。它是一种特殊的精神意识。它是创造审美对象和满足人们的审美要求的特有目的性。它是一种通过艺术创作实践，来把现实生活中的自然加工和提取集中表现在艺术作品中的审美特性。艺术的审美是人类创造的，是人类审美实践的结晶，是现实生活的经典总结，等等。所以它比现实生活中的美更突出、更准确。艺术的审美具有鲜明的形象性，它不仅要反映社会和自然中的美，还要显示艺术家自我内心的火花。艺术的审美源于生活之中，但是它又不等同于生活，它是艺术家内心的独特创造，是具有一定社会内容的感性思维。
二、艺术的基本特征
主体性、形象性和审美性是艺术的基本特征。主体性是艺术的基本特征之一。艺术是一种社会意识形态的产物，艺术生产是一种特殊的精神生产，它决定了在艺术生产中必然具有主体性特征。艺术运用生动的形象反映客观社会生活，但是这种具体反映绝不是单纯照搬照抄，它是融入了创作者主观欣赏的思想情感和创作特征，并体现出十分详细的能动性和创造性。它作为艺术的基本特征之一，主要体现在艺术生产活动中的全过程，即艺术的创作、艺术的作品和艺术的欣赏。
形象性是艺术的基本特征之一。哲学和社会科学都是以抽象的、概念的形式来反映客观世界的。文学和艺术都是以具体的、生动的艺术形象反映社会现实和表达艺术家的思想情感。各种艺术类别，都是因为它们所创造的艺术形象具有各自不同的特征，比如绘画、雕塑等艺术形象，大众可以通过感官直接感受到。而音乐、文学等艺术形象，大众必须通过音响、语言文字等媒介才能感受到。不管怎样，艺术不能没有形象，艺术的形象必须是客观和主观的统一、内容与形式的统一、共性与个性的统一。审美性是艺术的基本特征之一。在艺术生产中，任何艺术作品都必须具有两个基本条件：第一，必须是人类活动生产的作品，即功能性;第二，必须具有审美价值，即审美性。这两点，才能使艺术作品和其他一切非艺术作品分开。艺术的审美性是人类审美意识的表现，是真、善、美的结晶，是内容与形式的和谐。
三、艺术与现实生活的关系
(一)艺术是现实生活的反映
根据对现实生活反映方式的不同，艺术作品可以分为两类：再现性艺术作品，如写实的绘画、雕塑等，直接呈现了客观事物的形貌色彩。再现性艺术作品是人们在生活中有了情感，又把情感还原为社会生活中的客观事物表现出来：表现性艺术作品，如音乐等。表现性艺术作品是人们在生活中有了感情，不是直接还原为事物的形貌色彩，而是表现为人们的思想观念和感情。
以上两类艺术作品的前提是人们在现实生活中有了思想感情。没有现实生活就没有思想感情，也就没有再现性和表现性艺术作品。所以一切艺术作品都是现实生活中的反映。
(二)艺术反作用于现实生活
1.优秀的艺术作品能促进现实生活的发展2粗劣的艺术作品则阻碍现实生活的发展
四、艺术形象的特征
艺术形象是能够正确地反应客观社会生活的载体，是通过主观审美与客观审美的相互融合，并主动创造的艺术效果。艺术形象的基本特征体现在三个方面：个性与共性的.统一、感性与理性的统一、主观与客观的统一。个性与共性的统一是艺术形象的基本特性。艺术形象应该是个别的、特殊的、具体的、历史的等，它应具备独特的个性，又要具有一定的概括性，还要具有一定的普遍性和能体现出一定范围的共性。用艺术形象的方式反映客观世界，就应体现出客观世界的本质和规律，在特殊性中展现一般性，以个别表现特殊，只有这样，成功的艺术形象才能集个性与共性的和谐、统一。
艺术形象是感性与理性的统一。艺术形象以具体的形态反作用于欣赏者的视觉。在创作和欣赏的过程中，是感性到理性和理性到感性的统一，也正是理性认识才能变现艺术的意义和具备深刻认知性。
艺术形象是主观与客观的统一。艺术形象客观地反映社会的生活、自然的心灵、情感的融合。艺术形象的情感一方面来源于作品描绘的形象，另一方面源于艺术家主观情感的投入。艺术家在进行艺术创造时，往往把客观的背景事物作为作者的感情载体来表现。艺术形象是客观事物的重现，又是艺术家的感情寄托，所以它是客观与主观的统一。
五、审美的本质
审美是感受或领悟客观事物的现象本质所呈现的美。它是人在社会生产实践活动中与客观事物的现象发生建构的一种特殊的表现形式。现实生活的美是艺术家审美认识的根源。事物只有以其形象真实的方面表现出其本质的内涵，只有以其形象的个性显示出其种类的普通。这种现象、这种具体、这种形象必须是非常突出、明确、震撼，它才是美的并具有审美本质的。
审美本质的理解在于对客观事物存在的现实世界的审美反映和艺术创造。是自然科学、社会科学和宗教伦理关系的道德比较。艺术的审美对象包括宇宙、人生、自然科学等。它在艺术创作中经常以艺术审美的方式来表现，审美的本质是艺术对象的本质属性，是人与社会现实生活的价值需求，它是在一定社会关系下的价值理解，或以审美的方式来表现。
结语
艺术的审美必须符合道德要求、必须包含道德内容才能引起美感，是美与善的统一、文与质的统一。“乐而不淫，哀而不伤”即“和”的审美标准。艺术包含的感情是一种节制、有限度的情感，符合“礼之用，和为贵”的审美情感，“中和之美”是美的最高境界。一切艺术的美，以至于人格的美，都趋向于玉的美，内部有光泽，含蓄而光彩，这种光彩是极其绚烂而又极其平静的。
参考文献：
[1]李砚祖，工艺美术概论[M].北京：中国轻工业出版社.2010.
[2]车尔尼雪夫斯基.生活与美学[M]，北京：人民文学出版社，1957.
[3][英]爱德华·露西·史密斯.艺术词典[M].北京：生活·读书·新知三联书店，2005.
[4]张玉花，王树良，艺术概论[M].重庆：重庆大学出版社，2013.
[5]凌继尧.艺术设计概论[M]，北京：北京大学出版社.2012.
篇11：文学审美类参考论文
论网络文学审美取向
【摘要】我国网络文学从萌芽到发展,已经走过了十几个年头。
对网络文学的各种研究维度参差不齐,各不相同,其中最吸引人的莫过于网络文学审美取向问题,本文力图展示近几年来关于这方面的研究成果,倡导树立与时俱进的审美观。
【关键词】网络文学 文学性 超文本 交互式写作
1997年12月25日,互联网在中国开放的第5个年头,“榕树下”原创人文网站开通,它为喜欢在网络上写点什么的普通人提供了一个一试身手的平台。
十多个年头过去后,在它的四周已经生长出了一片茂密的森林。
2008年10月,中国作家出版集团和中文在线联合主办了“网络文学十年盘点”活动,如今,已经有3部作品从入围的20部网络文学作品中脱颖而出,网络文学的影响力可见一斑。
本文将从网络文学的定义入手,进而探讨网络文学的审美观。
首先从书写权利的回归和狂欢化中的角色僭越来分析审美的第一个角度;其次将从超文本、交互式写作和文学性三个方面来分析审美的第二个角度:网络文学的后现代主义特征。
一、网络文学定义
吴炫说,并非所有出现在网络上的文字都可以成为文学,网络确有文学和非文学之分1。
马季通过网络文学的形态间接为其下了定义,他认为符合以下三种形态的文字内容都可以算作网络文学――经过电子扫描技术或人工输入方式将已经存在的纸质文学作品放入互联网;直接在互联网上“发表”的文字;由特殊计算机软件生成的文学作品2。
有学者从广义和狭义的角度来阐述网络文学的概念。
广义上,网络文学可以理解为“运用网络这个新的媒介和载体,来创作、传播、存储和阅读,以文字为主要媒介的新文学形式。
”3狭义上,则应该指超文本文学,它打破了传统文学的平面感,赋予文学立体化,可以称为后现代文学4。
网络文学的发展目前还处在婴儿时期5,所以现在为网络文学所下的定义还不完整。
笔者认为,马季先生的定义很值得参考,与其绞尽脑汁从不同维度来分析,倒不如寻求实际中存在的形态,从具体的网络文学形态来把握其特点。
二、网络文学的审美取向
网络文学的审美取向如同网络文学本身一般,处于初级发展阶段,研究者们主要从两大方面入手,分别是:书写权利的回归和狂欢化中的角色僭越;网络文学的后现代主义体现。
1、书写权利回归大众,狂欢中的角色僭越
网络中,书写权利回归大众,是因为网络传播的特点有传受身份的双重性、对象的小众化与个人化、传播的去中心化等7。
在这样的平台上,作者和读者并不是传统意义上的传者和受者。
这是真正意义上的“互动”,是网络打破了文学精英对话语权的垄断8。
获得了书写权利的人们会怎样使用他们刚刚到手的权利呢?有研究者用巴赫金的狂欢化理论来解读。
巴赫金认为,在一个狂欢广场上,人们摆脱了平日里各种身份带来的束缚,宗教、政治、道德全都被抛在了脑后,人们可以尽情地僭越自己的身份,敞开自己,卷入狂欢的海洋9。
网络的匿名性和隐身性使来到这里的网民无拘无束,尽情狂欢。
人们将利用网络叙写行为进行人格重塑和人际吸引,获得现实的补偿感10。
这样的补偿感可以从两方面来分析。
其一,网络文学作家以自己的作品为依托,抒发对生活的感悟,他们可以在故事里写自己和自己的朋友,也可以将主人公打造成心目中的英雄,寻求读者的共鸣。
其二,网络的隐身性和宽容性使读者和评论家们畅所欲言,他们可以围绕某一作品大胆地批评。
王琰在论文中指出,这类狂欢可以分为两种形式11,一种是“笑文学”,即那些无关痛痒,可以一笑了之的评论,比如讽刺。
另一种是语言的“下身化”,即那些言语粗俗卑鄙的评论。
2、网络文学的后现代主义
现实的社会环境,在语境上已经离不开后现代主义――它带有游戏性质,化解了高雅和通俗文化的界限,或者说,是消解了结构主义的二元对立。
后现代社会中,“宏大叙事”已经显得荒谬和不可能。
网络文学的个性表征正体现着后现代主义的种种特性,笔者分别从超文本、交互式写作和文学性三个方面来探讨。
(1)动感的超文本
德特・纳尔逊于1965年创造的术语“超文本”是指“用超链接的方法,将各种不同空间的文字信息组织在一起的网状文本”12。
超文本和传统文本的'区别在于,由现行结构向链接结构转化,定向结构向弹性结构转化,以及由封闭结构变为开放结构13。
链接结构、弹性结构和开放结构使超文本小说变成一个迷宫,其中有多条路径和多个出口,要选择怎样的情节和结局全凭读者个人喜好。
这种超文本文学作品俨然成为了后现代文学的代表,它体现的是后现代话语的边缘思维、不确定性和非中心化14。
有学者认为,正是因为超文本小说具有这些特点所以吸引了读者。
因为读者在阅读超文本小说时,可以选择一些边缘主题,而不是被传统意义上的宏大叙事所羁绊。
不确定性给了读者更大的挑战性,阅读变得比过去更有趣,就像在做一个游戏。
(2)交互式写作:挑战传统文学
目前对于交互式写作的研究,可以分为两大块:一类是集体创作,或者称为接龙小说,另一类是作者采纳读者通过跟贴等方式表述的意见,实时对自己小说的内容进行修改。
关于集体创作,马季认为可以分为三个类型15:一种情况是由一个人牵头,决定创作主题和形式等,再由多人参与,每个人负责创作一部分,合起来变成一部整体作品;另一种情况是大家共同拟定一个主题,
经过商议确定题材、人物和情节等,由一个人执笔创作,完成后再听取大家的意见进行修改;最后一种情况是已经发表的网络文学作品在被读者阅读过程中不断得到读者的加工和修改,最终成为许多人集体创作的成果。
集体创作在网络文学BBS上已经渐成气候。
第二类交互式写作主要通过跟贴的方式来实现。
传统文学中,作品一旦印刷成纸质书本,便难以改变其中的内容,尽管不乏评论界的声音。
网络文学则不然,许多写手会在文学网站上及时贴出自己的最新作品。
而读者则会在迅速读完每一章节后,在BBS上发帖,如果是“当红”的网络文学,帖子的数目会越来越多,跟帖的速度也会越来越快。
虽然执笔写作是由作者一人完成,但其中的内容却是综合了众多网友的意见后拼贴而成,实现了交互。
有研究者表示,网络文学不会诞生伟大的单一作者,但是会诞生伟大的作者群16。
在交互式写作的过程中,已经无法简单地区分读者和作者的身份,传统文学中二者对立的二元结构在这里被解构了,看来文学重又回到了自由的游戏时代。
(3)宽容的文学性
许多研究者的研究还纠结于网络文学的文学性问题上。
什么是文学而什么又是非文学呢?他们的区别在于,“篇章结构的独特表现,对语言媒介的艺术处理,不求实用目的,以及突出的虚构性、创造性、想象性等”17。
无法提供终极意义,不能满足更高层次的审美需求,在学者眼中成为了网络文学的致命弱点18。
在这样的语境中,一些学者提出,审美标准的变化,不能简单地说网络文学没有“文学性”19。
后现代的时代背景造就了人们的生活方式,也随之形成了新的感知生活的方式。
休闲娱乐是这个时代的主题,网络文学正好应景。
人们需要的不是宏大的叙事,而是轻松、解嘲的气氛。
网络文学不是不美,而是美得不一样了,它是对“现实世界中无法存在或难以存在的世界的描述、期待和幻想”,它是轻灵的,解构的20。
网络文学的美存在于传统意义上的非美领域。
有学者表示,当下我们急需一种“大文化文学观”21,这是一种宽容的“文学性”。
传统意义上的文学性在这样的研究者面前似乎显得有些狭隘,的确,也许给予网络文学更宽容的态度,将更有利于其发展,毕竟网络文学目前还处于发展的初期阶段。
研究者们在这里提出的“大文化文学观”非常值得关注和肯定,它将使人们的视野扩大,心胸开阔,它鼓励一种宽容的审美态度。
但是,所谓的大文化文学观究竟要“大”到何种程度呢?笔者认为再大的审美观也应该有其底线,否则网络文学的审美观将变得毫无原则,走入相对主义诡辩论的怪圈。
三、结语
面对网络和文学的新生儿――网络文学,人们需要一种新的审美观。
书写权利重新回归大众,网民疯狂地进行角色的僭越;超文本小说、交互式写作和传统文学性的失效,体现的是网络文学作品中后现代主义的特征――高雅和通俗二元对立、宏大叙事的消失、边缘思维、不确定性和非中心化……在网络文学审美观的问题上,研究者们虽然为人们打开了新的思路,但却给了这种审美观无限的发展空间,定语的缺失是这种新的审美观的美中不足之处。
参考文献
1、9、14、16、18、19、20、21、中南大学文学院,《人文前沿――网络文学与数字文化》
2、8、13、15、马季,《读屏时代的写作,网络文学10年史》
3、4、5、12、17、金振邦,《新媒介视野中的网络文学》
6、阿雷恩・鲍尔德温等,《文化研究导论》
7、杜骏飞,《网络传播学概论》
10、王琰,“解读网络文学的狂欢化”
11、百度百科
★ 审美有效教学论文
★ 审美.品读
★ 地理教学论论文
论旋律的审美思维论文（精选11篇）
